jueves, 11 de febrero de 2016

Cadena de favores

Por Andrea Yllera Rancaño

Cuenta la historia de un niño, Trevor (Haley Joel Osment), al que le mandan un trabajo en clase en el que ha de proponer una solución para cambiar el mundo, tratándose de algo hipotético Trevor lo lleva mas allá llevándolo a cabo. El trabajo trata de ayudar desinteresadamente a tres personas con algo realmente importante, algo que no puedan hacer por si solos, y estas tres personas deberán seguir la cadena ayudando cada una a otras tres, y así sucesivamente. Esto causa furor entre la gente ya que llega muy lejos como un movimiento.


Se trata de una película entretenida y la vez reflexiva en todos los aspectos, es interesante pues cuenta la vida de un niño de un barrio marginal y sin recursos que adopta una personalidad muy madura a su temprana edad pero no solo se centra en él, los papeles de la madre (Helen Hunt) y su profesor (Kevin Spacey) también juegan un papel importante ya que nos habla del entorno de Trevor, y forman parte de su cadena. Trevor ayuda a su madre en lo que puede, en las tareas de casa, con sus parejas, etc., el papel del hijo cambia por el de padre de familia, hombre que no quiere en su vida pues nunca se porto bien con ellos.
A través de su madre y el profesor nos mete en temas de maltrato, alcoholismo, etc., como esto no afecta solo a la persona sino también a los que están alrededor y aun que igual sea un poco fuerte el tema no nos mete imágenes violetas que nos lleven

La reflexión principal de esta película es que los pequeños detalles pueden hacer grandes cosas, no hace falta ser una mente maravillosa, ni ser rico, para poder ayudar a los demás, lo único que hace falta es voluntad. La película nos deja este termino bastante claro pasando por la cadena por gente de todo tipo, desde vagabundos, ladrones, profesores, madres, diputados, periodistas.. etc. y todos terminan llevando acabo la cadena por una razón u otra, algunos simplemente como reto pero otros por el gran agradecimiento que sienten al recibir el favor que les dieron.

Al transcurrir la película en un entorno escolar nos hace que sea mas entretenida para los alumnos, y que se vean de una manera más identificados ay que es un alumno el que cualquiera el que lo lleva acabo, vemos que hace falta ser fuerte para llevar acabo lo que se quiere y que no vale rendirse fácilmente. Es una película que habla de la superación, del reto, de la esperanza, términos que en la edad educativa son muy importantes de tener en cuenta.


Por otro lado vemos que no todo lo que queremos es posible, que hay veces que debemos recurrir a otras personas y no tratar de resolver todo por nuestra cuenta, el final marca perfectamente la personalidad del protagonista que no se rinde por nada y acaba con un final fatal tratando de conseguir llevar acabo su cadena. Esto nos enseña que podemos ayudar pero también ser precavidos, tener en cuenta nuestras posibilidades sin ponernos en peligro. Este final nos habla también de un tema importante en la escuela hoy en día, el bulling, como una simple pelea se le va de las manos a unos chicos terminando con la muerte de otro que llegado a este punto “nos cae bien” y por el cual sentimos lástima, un punto que igual busca solo la atención del publico así como darle el dramatismo y no de los mejores.


El film tuvo una gran controversia ya que es una adaptación de la novela editada por Catherine Ryan Hyde, en la cual el niño era de raza negra y posteriormente en sus próximas ediciones se cambio aun niño blanco para parecerse a la película. Pequeño fallo por parte del director, Leslie Dixon, el cual se puede apreciar en algún punto de la película, donde el ladrón, el “más” malo de la película resulta ser también de ese color. No se sabe exactamente por que lo hizo pero dio mucho que pensar en USA.


La novela también esta editada en español y la editora a formado una fundación con el nombre de la película en la que proporciona este libro para uso educativo.
La película esta citada en muchas de esas listas que usamos para escoger película que ver, como pueden ser “las películas mas emocionantes”, “las mejores películas del 2000”,  “películas aparentemente normales que tienen algo especial”. Mientras que pode ser tan valorada en este tipo de listas en Filmaffinity, pagina web que todos hemos visitado alguna vez en relación al cine, le ponen una nota bastante baja y unos comentarios negativos para lo que pudo llegar a gustar en España.
Para mi parecer y el de algún otro las interpretaciones de los protagonistas fueron realmente buenas, se meten muy bien en el papel y sobre todo Haley Joel (Trevor) que solo con la edad de unos 10 años interpreta ala perfección conocido pro sus películas como el sexto sentido o A.I. inteligencia artificial, también podemos destacar el papel del profesor, Kevin Spacey también con una larga carrera cinematográfica así como Helen Hunt, la madre.
Básicamente, creo que es buena en todos los sentidos si hablamos dentro de un ámbito educativo, igual no tiene demasiado ritmo y puede llegar a ser algo lenta, sobre todo el final, pero esta dotada de muchos valores a tener en cuenta. Película para mi muy recomendada tanto para dentro como fuera de la escuela.

Dersu Uzala (1975) de Akira Kurosawa

Por Paola Ros Bartolomé


Se trata de la adaptación al cine llevada a cabo por el director Akira Kurosawa del libro autobiográfico de viajes del explorador ruso Vladímir Arséniev,  en el que cuenta sus vivencias como cartógrafo en la taiga





siberiana junto a un anciano cazador de la tribu de los Hezhen a principios del siglo XX.
Dersu Uzala es la única película de Kurosawa filmada fuera de Japón, con un reparto no japonés y en un idioma diferente al japonés. También fue su primera película en color y en pantalla ancha.
La película comienza con una visita del capitán Vladimir Arseniev al lugar en el que años atrás enterró a su viejo amigo Dersu, antaño era un bosque pero ahora se encuentra con un aserradero. Desde este punto de partida, toda la trama está contada como un flashback que le da una fuerte nota nostálgica y melancólica a la película, identificando a la figura de Dersu como un símbolo de un tiempo perdido y añorado a modo de elegía.
Podría pensarse que los únicos papeles protagonistas son Dersu y el capitán, sin embargo, Kurosawa hace que la naturaleza tenga tanta importancia como ellos con impresionantes escenas de la majestuosidad y extensión de Siberia y luchas a vida o muerte de dos pequeños hombres frente al poder de los elementos dejándola en un lugar admirable y temible para el espectador.

La película consta de dos partes que narran respectivamente los acontecimientos de dos expediciones, una en 1902 y otra en 1907.
Dersu, interpretado por Maksim Munzuk, es un cazador nómada que vive en armonía con esa naturaleza tan terrible como hermosa, y nos muestra una forma de vivir y de entender la vida pura y primitiva. "Capitán, si cazo lo tengo todo". Los valores que nos transmite son la humildad, la generosidad, la paciencia y el respeto entre muchos otros. Se enfrenta a las vicisitudes con ingenio, valiéndose de su vasta sabiduría y de su lógica para salvar en varias ocasiones tanto su propia vida como la del capitán y su destacamento.


El capitán Vladimir Arseniev, interpretado por Yuri Solomin, es un hombre observador, amable y comprensivo que está al mando de una misión militar para recorrer y topografiar el terreno. Dersu se topa con los militares una noche, que le invitan a unirse a la expedición como guía por su profundo conocimiento del terreno y él acepta.
Primeramente, la mayor parte del destacamento toma poco en serio al cazador, incluso le ridiculizan. No profundizan en el contenido y en la enseñanza de las frases de Dersu, quedándose solo con la superficie que, ciertamente, a falta de un análisis, pueden sonar como disparates de un anciano extravagante, "El fuego, el agua y el viento son gente importante". Con el desarrollo de la trama, Dersu se va ganando la admiración de todo el grupo y entabla una sincera amistad con el capitán. Con cada acción que realiza demuestra su capacidad lógica y de observación, su ingenio y una serie de valores que progresivamente le llevan de ser el guía excéntrico a ser el alma del grupo y la mano derecha del capitán, al que impresiona especialmente, "Dersu me fascinaba, tenía un instinto increíblemente desarrollado fruto d su vida en la taiga, tenía un alma grande y limpia. Se preocupó por alguien que no conocía y que quizá nunca conocería".


Tras finalizar la misión de exploración, los caminos de Dersu y de los demás se separan de manera aparentemente definitiva, pero habiendo dejado una huella inolvidable en todos los miembros del grupo.
Cinco años más tarde, Dersu y el capitán vuelven a encontrarse casualmente mientras este último lleva a cabo una nueva expedición en una región selvática. Pero la alegría del reencuentro dura poco. A lo largo de la aventura el cazador va dando muestras de su avanzada edad, que le dificultan la caza a causa de su visión y le amargan el carácter.
Dersu se ve forzado a matar a un tigre que le obsesionaba y al que llamaba Amba, y este hecho le persigue y le hace sentir culpable, como si algo se hubiera roto en su relación con la naturaleza, dando muestras de compasión y de sensibilidad. Al finalizar la nueva misión, y viendo el estado del cazador, el capitán decide invitar a su amigo a vivir con él y con su familia en Khabarovsk, a lo que él acepta.
Una vez en la civilización, Dersu se ve imposibilitado de cazar, cortar madera o dormir a la intemperie, lo que le frustra y le entristece. Los placeres de la civilización no lo son tanto para Dersu, que se siente aprisionado y acaba por pedir al capitán regresar a su entorno a pasar el resto de su vida.


Los dos amigos se despiden definitivamente, el capitán le regala como muestra de afecto un rifle que le facilite la caza a pesar de sus problemas de vista, a causa del cual el cazador muere tiempo después a manos de unos ladrones que se lo arrebatan.

LA PELÍCULA COMO ELEMENTO EDUCATIVO TRANSVERSAL

Dersu Uzala es un innegable ejemplo de lecciones éticas que se podrían analizar en el aula. Además constituye un clásico del arte cinematográfico mundial y está reconocida por todos los críticos como una de las mejores películas de todos los tiempos, por lo que sería muy interesante analizar todos sus elementos y ahondar en su contexto y en su director.
Posiblemente, al comienzo del visionado de la película, los alumnos tendrían una visión del cazador similar a la que tenían inicialmente los soldados. Con sus piernas arqueadas, sus andares graciosos y sus frases aparentemente inocentes puede dar una impresión algo cómica a ojos de los estudiantes, pero, a medida que va avanzando la trama la película, consigue atrapar al espectador a pesar de su ritmo lento y de sus largos silencios y mostrar la esencia y el valor del personaje.
Ofrece la visión de una forma de vida y de entender la relación con la naturaleza como parte de nosotros mismos muy interesante para los alumnos de hoy en día, tan ajenos a ella en su mayoría. La representa como algo tan imponente como impotente. Imponente por su fuerza salvaje y potencialmente letal, pero impotente ante una civilización actual con unas ansias de poder y de riquezas aparentemente imparables que ya podían atisbarse en la escena en la que el capitán visita el irreconocible lugar donde descansaba su amigo.


Además de sus enseñanzas en base al respeto a la naturaleza, también nos muestra el valor y la riqueza de la amistad entre personas de diferentes culturas, como lo son el capitán y el nómada; la potencialidad del trabajo en equipo, cuando trabajan conjuntamente para lograr sus objetivos y salvar sus vida; la confianza; el respeto; la nobleza; la tolerancia; la paciencia; el esfuerzo… valores que tan a menudo se echan en falta en la sociedad actual y en especial en los jóvenes.
Sirve como análisis y debate de la contraposición entre la naturaleza y la civilización; el hogar de Dersu y el hogar del capitán; la sencillez y la avaricia; la esencia amenazante del paraíso natural frente a las comodidades de una civilización distópica.
Dersu representa a la naturaleza humana más primigenia con su ingenuidad y falta de maldad, mientras que el capitán y su destacamento representan a la civilización, que comienza por burlarse de Dersu, pasan por admirarle e, irónicamente, al final son precisamente sus exploraciones las que permiten la destrucción del hogar de Dersu y también son la causa de su muerte por la avaricia ajena hacia el único bien material del cazador. Esto puede enfocarse de tal manera que haga plantearse al alumno en qué lado de la contraposición se encuentra y cual le parece más justo, fomentando el análisis de la influencia de la sociedad en cada individuo a todos los niveles, haciéndole consciente de sus ventajas pero también de sus inconvenientes y de su papel y responsabilidad dentro del sistema social.


REFERENCIAS:
http://akirakurosawa.info/forums/topic/dersu-uzala-kurosawas-poem-of-despair/
http://dersuuzala.cba.pl/wordpress/?page_id=82


miércoles, 10 de febrero de 2016

El paciente inglés

Por Rocío Villa

A lo largo de las dos horas y media que dura la película, el, personaje de Ralph Fiennes, un misterioso conde, domina la situación en dos tiempos paralelo en el desierto, donde se enamora de una mujer casada, interpretada por Kristin Scott Thomas, y en Italia, tras la II Guerra Mundial, cuando la enfermera Hana, a quien encarna , Juliette Binoche cuida sus heridas.
Conocemos entonces  a un misterioso paciente, quemado en la mayor parte de su cuerpo y que no recuerda su vida ni quién es, perlo el mismo lo irá recordando gracias a la intervención de otros personajes y también con la ayuda de un libro que siempre le acompaña.
Anthony Minghella, director de la película nos cuenta lo siguiente: “Creo en la idea de que el corazón es un horno dé fuego, y la película nos recuerda que a veces, en nombre del amor, nos volvemos ciegos, sordos, estúpidos, traidores, inmorales, y con esto no quiero decir que eso esté mal o bien. No hay juicio en la película sino descripción de motivos. Algunos críticos han sugerido que yo asumía un comportamiento determinado y no es así. Como director no juzgo porque creo que si se hace así la audiencia se vuelve pasiva.”


Una de las cosas que el director trata de contar en la película es que la gente, en la guerra, desconoce las consecuencias de sus actos., Y también ha intentado reflejar el daño que la gente hace en nombre del amor, a sí mismos y a otros, ya que hay muchos que ingenuamente piensan en el, amor únicamente como bendición nunca como maldición. Y en el, amor coexisten los dos rasgos.
Esta reflexión del propio director de la película que puede ser interesante plantearla a los alumnos, pues generalmente se da por hecho que todos los actos realizados en nombre del amor se validan por si solos, pero la doble lectura o el simple hecho de no determinar si un acto de amor es bueno o malo abre una puerta a la reflexión del alumno.
Sobre el protagonista de la película, "No es un héroe", dice el director. "Una de las imágenes que tengo de él procede de Dante, porque durante todo el metraje se está. quemando. Esa, es su sentencia, arder por fuera y también interiormente a causa de la culpa, la pérdida del amor y la terrible ironía de las situaciones de guerra.”


La figura de Dante como un indispensable de la literatura, se puede revisar en clase y también proponer a los alumnos lecturas de su obra y localizar las similitudes que propone el director con el protagonista de la película.
El ambiente árido de el Cairo, el desierto, y el cuerpo del protagonista quemándose, todo esto apunta a la frase “El corazón es un horno de fuego”.Al  igual que esta, existen numerosas conexiones estéticas del lenguaje verbal y  visuales en la película fundido con una música que despierta la sensibilidad y puede agilizar la percepción estética del alumno.
Desde un punto de vista narrativo la manera de contar la historia mediante el continuo recurso de Flash Back, nos hace descubrir poco a poco la verdadera historia del paciente ingles, quien no recuerda ni siquiera su nombre. Gracias a un libro que siempre le acompaña y donde ha ido guardando detalles importantes para el como dibujos o manuscritos, va recordando detalles de su vida.
El hecho de que el protagonista no recuerde quien es, puede abrir un debate sobre la identidad de los individuos, sobre que nos define como personas, que resulta relevante de lo que somos y qué queda de nosotros cuando desaparecemos.
La II Guerra Mundial  y momentos relevantes como el final de la guerra, se narran en la película, algo que puede relacionarse directamente con la asignatura de Historia y Geografía. También se refleja en la película la manera de vivir de la época,  y se ven de cerca paisajes de Egipto y rasgos culturales, fundamentalmente estéticos.


Durante la película hemos visto el sufrimiento tanto psíquico como físico que sufre el paciente y es al  final de la película cuando paciente pide a la enfermera que emplee una dosis mas elevada de morfina. Ella  con la gran pena de alguien que ha ofrecido tanta dedicación y esmero a cuidar al paciente, procede a suministrar la dosis. La eutanasia es uno de los grandes debates de nuestro tiempo, y con esta escena queda abierto de nuevo para la clase. 

La Isla, Michael Bay (2005).

Por Inés Trujillo Hueso

Sinopsis

La película transcurre en el año 2019. Lincoln Seis-Echo (Ewan McGregor) y Jordan Dos-Delta (Scarlett Johansson) se encuentran entre los cientos de residentes de una especie de campo de concentración, un recinto cerrado de espacios blancos, limpios y extremadamente seguros. Dentro de ese lugar cuidadosamente vigilado, su vida cotidiana, como la de los demás, está rigurosamente controlada y llena de restricciones. La única salida -y la esperanza que todos comparten- consiste en ser elegidos para ir a "La isla", el único lugar del mundo que no ha sufrido los efectos contaminantes de un desastre ecológico que, al parecer, acabó con todos los hombres, excepto los habitantes de esa zona. Lincoln sufre pesadillas inexplicables y se cuestiona las restricciones que le han impuesto a su vida, descubriendo que todo es mentira y “la isla” un engaño. Él y sus compañeros son en realidad clones producidos a partir de sujetos ricos que necesitan un trasplante de órgano, una madre de alquiler, etc; el que resulta “afortunado” no viaja a “la isla”, sino que muere en un quirófano cuando su órgano vital es extraído para el trasplante. Linoln y Jordan descubren el engaño y consiguen escapar, teniendo que encontrar a sus clones para desenmascarar la mentira que se esconde tras una organización supuestamente benefactora.






Análisis

La película nos centra la historia en un futuro no muy lejano, en la que parte de la acción transcurre en la ciudad de Los Ángeles, con un progreso tecnológico avanzado en el que todo está monitorizado. Así están controlados; podemos comprobar al seguir el día a día del protagonista en el “campo” cómo hacen un seguimiento de los clones mediante una inteligencia artificial que analiza los niveles de salud de los sujetos mediante análisis de orina e incluso análisis de las fases del sueño.



El film está plagado de referencias a otras películas, la primera con la que podríamos relacionarlo sería con Matrix (lo vemos por ejemplo con los “nacimientos” de los clones, en una membrana tipo placenta y rodeados de cables, o la escena en la que se nos muestra la sala repleta de estos huevos incubadora). Igual que la referencia a Matrix la podríamos relacionar con Blade Runner en cuanto a esa rebelión por parte de los clones ante el creador; o incluso de Gattaca con la eugenesia.


Es interesante en la trama de la película como ya desde el principio conocemos a Lincoln, el protagonista, que se muestra escéptico ante todo lo que se le muestra, se empieza a cuestionar su forma de vida, la falta de elección propia, la vestimenta, que es toda igual, sin necesidad de tener pruebas. Se podría decir que uno de los primeros momentos en los que la realidad empieza a introducirse en su vida es en el momento en el que se encuentra una polilla, a la cuál llama “bicho” (algo inexplicable pues, para los clones, no existía vida más allá de las paredes del recinto en el que viven) y que posteriormente utilizará para intentar resolver incógnitas liberando al bicho y siguiendo su recorrido; imaginamos que, para intentar averiguar de dónde venía. Aquí Lincoln se encuentra con la segunda prueba del engaño, al seguir a la polilla, acaba en el quirófano en el que se encontraba una clon embarazada que se había puesto de parto. El protagonista ve cómo los médicos después del alumbramiento suministran a la paciente un suero mortal y se llevan al bebé.

   
Es a partir de este momento cuando la película empieza a desarrollar el nudo o conflicto. Lincoln en muy poco tiempo empieza a descubrir lo que hasta ahora se les había ocultado, tras la muerte de la clon embarazada, presencia otra escena que es clave en esta película por su fuerza: un clon que también había sido seleccionado en el sorteo para ir a la isla, en medio de una operación se despierta y, asustado, huye del quirófano. La escena crea en el espectador una frustración, pues las fuerzas de seguridad lo interceptan mediante unas pistolas que lanzan unos cables con ganchos que se adhieren a la piel del clon, el cual se desploma mientras entre sollozos desesperados grita: “¡No quiero morir!, ¡quiero ir a la isla!, ¡me lo prometieron!”. Ante esto, Lincoln corre para avisar a su compañera Jordan Dos-delta pues también había sido seleccionada en el sorteo. Sin embargo, las fuerzas de seguridad detectan su presencia y van en su búsqueda.
En este momento empieza la acción en la película, Lincoln Seis-Echo le cuenta a Jordan lo que ha visto y le advierte del peligro, las fuerzas de seguridad advierten mediante las pantallas a los demás clones la amenaza, mientras los dos protagonistas intentan fugarse del campo. En esta huída, acaban en el criadero, donde ven cómo se forman los clones los cuales, conectados por una máquina y mediante unas pantallas y mensajes les lavan el cerebro creándoles una vida ficticia y el deseo y la idealización de la isla. Hasta este momento, Jordan estaba algo incrédula a lo que le decía su compañero, por lo que se puede decir que este es el momento en el que los dos ya comprenden su realidad y empiezan a colaborar para salvar sus vidas.
Casi a mitad de la película, vemos una reunión en la que se expone el agnate o “producto no humano” como lo llaman, a posibles clientes como la inversión más inteligente que podrían hacer. Se expone este servicio como un logro que la ciencia siempre ha perseguido, la vida eterna, regenerar el cuerpo humano, perfecto en todas sus facetas excepto en una, la conservación. Estos productos, les explican a los clientes, serán mantenidos y conservados en estado vegetativo, no adquirirán conciencia, ni sufrirá ni sentirá amor y odio. Es importante este punto porque si bien a lo largo de toda la película podemos intuir una manipulación absoluta de lo que se podría interpretar como los medios, o incluso yendo un paso más allá, los que “están arriba”, porque incluso aquí, vemos que los clientes (gente por supuesto de la alta élite) son engañados por esta compañía de seguros.
La película también nos brinda con algunas bromas para aligerar el peso de acción y trama dramática, los clones, que han sido “educados” de una forma en la que su desarrollo cerebral es como el de una persona de quince años, son bastante inocentes. No comprenden las bromas ni la jerga coloquial, por lo que a veces se crean situaciones cómicas ante la inocencia de los personajes. Esto se empieza a introducir una vez dados a la fuga, cuando encuentran un bar de carretera que frecuentaba un amigo de Lincoln del campo (un trabajador humano, James McCord, que sentía simpatía por Lincoln), aquí les cuenta toda la verdad, les dice lo que son, cómo les han implantado los supuestos recuerdos de una vida antes de la contaminación, etc. Concluyendo que la única razón de que existan es el nuevo sueño americano: todos quieren vivir eternamente, y hay personas con tanto dinero que son capaces de ello, aunque no sean conscientes de la forma de vida o lo que realmente son estos sujetos. Un punto importante respecto al cambio de la forma de pensar en los protagonistas se ve aquí, incrementado por un zoom de cámara a Lincoln, donde por primera vez (en lenguaje verbal, y no físico) no cede, sino que ordena (le dice a su amigo que no le está pidiendo permiso, le está pidiendo ayuda). Otro momento en el que vemos la rebelión de Lincoln es en el minuto 1:40:00, cuando están con el propietario de este (el cual pretende tenderles una trampa) y se montan en el coche. Aquí Lincoln Seis-Echo se empeña en conducir sin ni siquiera saber hacerlo (suponemos también que así lo quiere porque sospecha de las intenciones de su propietario).
‘La isla’ está plagada de detalles que le dan lustre. Uno de ellos es el juego que se establece entre la publicidad y el cine, la realidad dentro de la ficción; lo vemos, por ejemplo, en la secuencia en que Jordan contempla en una pantalla de una tienda de moda un spot de Calvin Klein (donde la protagonista es la propia Scarlett Johansson) convirtiéndose en una escena de gran trascendencia, pues a través de su propio anuncio (del anuncio de su propietaria) Jordan ve por primera vez un beso. Igual de importancia tiene la videollamada en una cabina telefónica de msn en la que hablan con el hijo de la propietaria de Jordan.



Transcurrida una hora aproximadamente de la película se hace una especie de transición de acción mediante la persecución, abundante de explosiones, movimientos de cámara y accidentes catastróficos en medio de la ciudad. Es una transición que dura bastante, y que podría reducirse pero que sin embargo y bajo mi punto de vista no está del todo mal acertado, pues la película guarda tanto momentos de acción como momentos más tranquilos, de carácter más reflexivo y de temática más transcendental. Una cualidad que hace que sea posible que llegue a todo tipo de público. Además, es una película buena para visionar en clase, pues aunque haya acción, no derrocha demasiada violencia, el lenguaje es correcto la temática comprensible y el lenguaje cinematográfico fácil de seguir. Nos introduce en una sociedad futurista pero no muy distinta a la nuestra, donde la situación capitalista cada vez va ganando más terreno, dejando a un lado lo ético y la moral (aunque en la película se nos muestra más la cara amarga de una sociedad atada por el consumo y el dinero).
“La Isla” es una película que se adapta a todo tipo de público y de distinto rango de edad, además es muy aplicable para posibles debates tras el visionado, más teniendo en cuenta los temas que aborda. El tema de la moral, el poder de los medios y la publicidad y cómo esto nos afecta, teniendo en cuenta que en la película, a pesar de ser de ciencia ficción, no se aleja tanto a la realidad en el tema del clon, es técnicamente posible hoy en día clonar un ser humano por medio de la transferencia nuclear. El alumno se podrá cuestionar la inconsciente manipulación a la que estamos sometidos y tomar conciencia del asunto. También se podría relacionar la película con el tema del tráfico de órganos o de seres humanos, que son utilizados como medios y no son considerados fines, contradiciendo la postura de Kant sobre la dignidad y el fin del hombre.
 “Lo único con lo que se puede contar es que somos capaces de lo que sea por sobrevivir, yo sólo quiero vivir, el cómo no importa” Lincoln Seis-Echo, minuto 1:46:25

The Martian

Por Rocío Juan Arévalo

La nave tripulada Ares III se encuentra en una misión en Marte. Durante una fuerte tormenta de grava uno de los astronautas, Mark Watney (interpretado por Matt Damon), desaparece entre el polvo. Sus compañeros, a falta de señales vitales de su traje, le dan por muerto y retoman la misión poniendo rumbo a la Tierra. Contra todo pronóstico Mark ha logrado sobrevivir, quedándose atrapado y solo en el inhóspito y hostil planeta rojo. El protagonista inicia entonces una aventura de supervivencia haciendo una recopilación de los recursos que dispone la cápsula de la misión. Intenta, por medios imprevisibles, comunicar con la Tierra esperando que consigan recatarle antes de que se agoten sus recursos. Como espectadores asistimos a una emocionante cuenta atrás contada a través de un diario de bitácora del astronauta.



A finales del pasado año 2015 llegaba  a las pantallas The Martian, el último trabajo de ciencia ficción de Ridley Scott. El guión de la película, escrito por Drew Goddard, está basado en la novela homónima de Andy Weir. El libro de Weir es un texto que se presta a la perfección a la adaptación cinematográfica, por lo que se ha conseguido un ejemplo de fidelidad desde el trabajo original.
Esta película ha recibido muy buena acogida tanto por el público como por la crítica. Ha sido ganadora de dos Globos de Oro (mejor actor y mejor película de comedia - también nominada a mejor director) y está nominada a 7 premios Oscar y 6 premios BAFTA. Entre estas nominaciones están las categorías de: mejor película, actor, director, guión adaptado, diseño de producción, montaje, sonido, edición de sonido y efectos visuales.
Por sus características formales es un buen ejemplo para mostrar una buena creación y un buen uso de los efectos visuales y sonoros. Ello se demuestra en que no llaman la atención durante el film, están muy bien integrados. Las imágenes del planeta rojo están dotadas de gran realismo ya que se rodaron en el desértico valle Uadi Rum (Jordania), un perfecto escenario que naturaliza la película. Otro factor que aporta sensación de realidad son los planos en primera persona con efecto de cámara Go-Pro. Este factor, dentro del gran trabajo de montaje, es muy interesante a la hora de enseñar formas de narración audiovisual.
De The Martian se puede sacar un enfoque muy educativo en cuanto a la auto-superación. El protagonista, al igual que el Robinson de Defoe, se organiza los víveres de la base marciana como punto de partida, se los raciona para poder estirarlos en el tiempo. Pero, teniendo en cuenta que las misiones con destino Marte programadas en un futuro próximo se harán en periodos más largos de un año, Mark necesitará hacerse autosuficiente, puesto que las reservas de alimento y oxígeno son limitadas. En esta situación vemos la importancia de saber aplicar los conocimientos adquiridos, así como aguzar el ingenio. Durante la película apenas hay dramatización de la soledad o desesperación del protagonista. Éste afronta su situación con un gran sentido del humor que se convertirá en su mayor fortaleza a la hora de atravesar cada nuevo inconveniente, en su válvula de escape para mantener la cordura. En este punto es necesario destacar la actuación de Matt Damon, que atrapa durante toda la película.


Otro enfoque educativo que se puede plantear a partir de la trama de The Martian son los dilkemas morales. En la propia historia la tripulación del Ares III se enfrenta a la tesitura de salvar a su compañero poniendo en peligro al resto del equipo, frente a poner a salvo a la gran mayoría abandonando a un miembro del grupo. Otro dilema moral que se podría plantear es la inversión de medios económicos que se hace en los viajes espaciales, siendo quizás más necesarias otras emergencias humanitarias; esto se podría plantear tanto en la ficción como en la realidad. Sería muy nutritivo hacer una reflexión sobre la búsqueda del ser humano de nuevos planetas, nuevos mundos para colonizar, mientras destrozamos el tesoro que tenemos que es la Tierra.
A raíz de la película también se puede ver claramente cómo el gobierno manipula los mensajes que da a la población según sus propios intereses. Para adolescentes es esencial dejar claro este punto para que recapaciten sobre los mass media.
Para finalizar, creo que esta película da pie a relaciones  muy interesantes con otras obras de su mismo género. En cine, habría que nombrar otros dos largometrajes del mismo director que se consideran obras de culto: Alien y Blade Runner. También las que podrían ser las hermanas contemporáneas: Interestellar y Gravity. Y por último, otra obra de culto: 2001, odisea en el espacio. Todas ellas grandes películas que muestran diferentes facetas y resoluciones dentro del género de la ciencia ficción. Y en la literatura, otro clásico: Solaris (de Andrei Tarkovsky).

La dolce vita



Por Nerea Martinez Estevez



La dolce Vita es una película del año 1960 del director italiano Federico Fellini. La película se ambienta en la Italia de los años 60, un momento de gran crecimiento económico que influye decisivamente en la sociedad, la vida, y las costumbres Italianas después de la posguerra. Marcelo Mastroianni protagoniza el personaje principal, un periodista social, desde el cual, recorremos los ambientes de la alta sociedad de la época. Así mismo le acompañamos en su día a día, en las relaciones que mantiene con diferentes mujeres, sus amigos, su padre descubriendo su personalidad insatisfecha y frustrada ante su vida.

Introducción

Fellini, es un protagonista del movimiento del Neorrealismo italiano, aunque es difícil acotar su obra dentro de un movimiento. Este movimiento surgió como reacción frente a la producción artística durante la dictadura, que trataba de ensalzar al régimen, seguir su ideología y escapar de la situación real de decadencia en la cual estaba inmersa la sociedad. El régimen, conocía las posibilidades expresivas de la imagen y la influencia que tenía sobre la masa, por eso se producían musicales, alegres, como género de entretenimiento y evasión de la vida. Frente a esta situación, al finalizar la dictadura,  varios artistas trataron el cine - aunque también otras manifestaciones artísticas -, como herramienta para reflejar la sociedad en la que vivían desde una actitud crítica.

Había que mostrar la sociedad auténtica, tal cual era. Un ejemplo muy evidente de como evoluciona la sociedad Italiana en esos años, es la película Ayer, Hoy y Mañana (, del director, Vittorio De Sica, también perteneciente al movimiento del Neorrealismo. Ayer, muestra un pueblo a las afueras, en no muy buenas condiciones de vida dónde la mujer protagonista no puede hacer otra cosa que tener hijos para sobrevivir. Una metáfora de la situación que vivió Italia durante la posguerra. En mañana se muestra ya una ciudad, la protagonista vive en mejor calidad de vida pero no tiene del todo su independencia, contextualizado el crecimiento económico que tuvo Italia gracias a las ayudas y las agrandes inversiones de EE.UU.  Finalmente en mañana, ella vive en el centro de la ciudad y es completamente independiente.



 Primera parte de Ayer, Hoy y Mañana ( 1964)  de Vittorio De Sica.
Análisis de los temas principales en la película.

Contexto




En la Dolce Vita, el contexto también es muy importante.  La primera secuencia muestra en el aire, un helicóptero que viene hacia nosotros, del que cuelga una estatua de Cristo con los brazos abiertos. La cámara sigue el vuelo del helicóptero que nos lleva por un recorrido del Acqua Claudia, el acueducto que cruza la campiña Romana. Fellini empieza retratando la importancia de la Antigüedad, de la historia. Según avanza el Helicóptero, el plano en el aire se intercambia ahora con el plano en la tierra en la que se observa una ciudad a las afueras industrializada, con grúas y obreros y un montón de niños que corren y siguen el Helicóptero. Un reflejo del principio de industrialización y reforma después de los duros años de posguerra. La sombra que el helicóptero genera sobre una de las edificaciones le sirve a Fellini para conectar de nuevo con él en el aire y seguir su recorrido. Desde la vista aérea la música cambia cuando nos introduce ya en el ambiente de la película. Sobre la azotea de un edificio están unas mujeres que saludan e intentan intercambiar unas palabras con los personajes que pilotan el helicóptero. Como vemos, hay tres puntos de vista, el suelo, donde se sitúa la masa, la azotea, en lo alto, donde se sitúa la clase alta, y finalmente en el aire dónde se encuentran nuestros protagonistas que, posteriormente sabremos que se tratan de la “opinión pública”. El helicóptero retoma su vuelo y ahora vemos Roma desde arriba, liderada por la gran plaza de San Pedro. La siguiente imagen ya muestra la nueva escena en la que Fellini nos presenta al protagonista.
Otra de las secuencias que reflejan la situación que se generó en esos años, es la visita del padre de Marcelo que viene a Roma.El padre de Marcelo quiere ir al ,cha cha cha, un lugar que no tiene nada que ver con los sitios que frecuenta Marcelo. Su forma de hablar, de bailar, e incluso de tratar con la mujer que conoce, son propias de otro contexto más rural, del que intuimos que proviene. En muy pocos años cambió mucho la forma de vida de Italia, y las personas que vivían en las zonas más rurales emigraron a la ciudad en busca de ofertas laborares y mejorar su calidad de vida. Se creo un gran contraste entre los pueblos y la ciudad que estaba desarrollándose a una velocidad vertiginosa. Es notable el lujo de los lugares aristocráticos que visita Marcelo, que tienen hasta un espacio en la calle para su vida nocturna; Vía Veneto. Una calle de cafés, bares y tiendas, que frecuentaban los periodistas para “cazar” a los actrices y actores famosos que se paseaban por allí.


Los medios de comunicación



Una parte importante de la película son los periodistas o más bien paparazzis, palabra que, según parece, empieza a tener el uso que le damos hoy en día después de esta película. Son los fotógrafos de la prensa rosa. Marcelo, llama  paparazzo al fotógrafo que le acompaña para completar sus noticias. En la primera escena Marcelo está tomando nota de qué bebe el príncipe. Paparazzo consigue, aunque sin el consentimiento del restaurante, sacarle una foto al príncipe cuando minutos después, uno de los señores que están sentados en una mesa llama la atención de Marcelo y le dice:

- ! Que bellaco ¡
- ¿Por qué?- Responde Marcelo
- Te partiré la cara
- Yo formo la opinión pública, ese es mi trabajo, además les da publicidad.- Responde Marcelo
- Me meto yo en tu vida y en tus trapicheos,
- Tu no eres periodista.
- Lo llama periodista el tío. - La mujer que lo acompaña en la mesa
- Calladita

El Guión de la película es muy bueno. De forma concisa, breve y con una maestría literaria, Fellini es capaz de transmitir mensajes contundentes. Cada frase es pensada y no hay nada al azar. Algunas veces son sentencias que dejan lugar a la reflexión.
A Marcelo no le importa lo que piense de él. El hombre queda ridiculizado al no hacer nada, y Marcelo consigue lo que se propone. Los paparazzis aparecen en escena en tres momentos fundamentales : En la llegada de Sylvia, en la secuencia de la aparición de la virgen y en el anuncio de la muerte de Steiner a su esposa.
En las tres escenas suceden cosas en común. Por un lado, forman la opinión pública en tanto que forman el escenario, y se observa como colocan mueven o hacen lo que les interesa para conseguir contar la historia a su manera. De alguna manera determinan lo que sucede. Cuando los paparazzis aparecen, por ejemplo en la primera parte con Silvia, se trata de un plano contraplano que dialoga con la aparición de Silvia en el aeropuerto. Por un lado los paparazzis y por otro lo que se va a contar en la prensa. Es como si acudiésemos a la elaboración de un spot publicitario. Sucede lo mismo cuando acuden al lugar en el que se les apareció la virgen a los niños. Cogen a los padres y les obligan a poner una postura, en el escenario colocan focos, y mueven a las personas como si fuesen actores dentro de la misma película. Da la impresión que estamos de rodaje. Por último en la última parte, surge una característica también fundamental de forma más evidente. No tienen moral, les da igual que la mujer haya perdido a su marido y a sus hijos, ellos siguen fotografiando de una manera  incluso cruel la situación.  No tienen escrúpulos.
¿ Puede que Fellini se retrate a sí mismo en la imagen de los paparazzis como director de cine?.

El papel de la mujer



El papel de la mujer es muy diferente en las tres mujeres principales de la película. La primera que aparece Magdalena, es su amante. La segunda, es Emma, su novia, que tiene un carácter maternal y que a mi juicio es la figura de la tradición de la cual, Marcelo no puede despegarse aunque quiera. Por último Silvia tiene el papel de Eros, de lo sensual y Dionisio que pierde a Marcelo en la escena tan representativa en la Fontana de Trevi.

La música

Un aspecto fundamental de la película es la música. En la segunda secuencia, un ritual nos introduce en la escena del Restaurante con un danzarín oriental y una música instrumental. Esta música aparecerá por segunda vez, en el interior de la casa de los Steiner. Los músicos están sentados y se escucha a una mujer que canta una canción exótica. Tenemos la impresión de asistir a una ceremonia.
Este género de música, se puede ver interrelacionado con el género de la Tragedia griega. Más aún cuando nos percatamos que la estructura general de la película responde al hilo de la tragedia en la cual Marcelo se siente arrastrado por la fuerza de los acontecimientos a una degeneración total de su personaje. Algo similar a la fuerza del sino en el Duque de Rivas, una fuerza incontrolable. Aunque esto no deja de ser una hipótesis, es interesante observar como tanto la música como la estructura podrían responder a las partes en las cuales divide la tragedia griega Aristóteles en su poética.
Por otro lado, hay otro género de música que se repetirá a lo largo de varios momentos, una música instrumental, que aporta claridad a la imagen y la dinamiza. Es como una música juvenil que da pasos hacia delante y que introduce las secuencias como un punto y a parte.
Otra de las intervenciones que hace la música es cuando Marcelo se encuentra dentro de la iglesia con Steiner y le toca la fuga de Batch.
La música crea espacios, y , sobre todo, crea imágenes. Esto se percibe dentro de la casa de Steiner, cuando reproduce unos sonidos que ha grabado de la naturaleza mientras todos escuchan. Éste es el poder de la música, que no sólo refuerza las escenas si no que crea imágenes invisibles que también forman parte de la película.



El Arte

- Morandi: Envuelve los objetos con una luz irreal, sin embargo, los muestra con rigor precisión y objetividad. Puede decirse con rotundidad que en su arte no hay nada casual.

Esta definición la da Steiner en su casa contemplando un cuadro de Morandi con Marcelo. Resulta contradictorio que, este personaje que después acaba con su vida, hable primero con admiración de la precisión, la objetividad o la falta de signos azarosos o imprevistos cuando después afirma:

-Es mejor una vida anárquica, créeme, que una existencia basada en una sociedad organizada donde todo está previsto, todo es perfecto.”

-A veces por la noche, esta oscuridad y este silencio me oprimen . La paz me da mucho miedo, la temo más que a ninguna otra cosa, imagino que es solo apariencia y que oculta el infierno, pienso que es lo que verán mis hijos mañana. El mundo será maravilloso dicen,  y no sé en que se basan si una llamada de teléfono basta para que todo acabe. Debemos vivir fuera de la pasiones de los sentimientos, en la armonía de la obra de arte lograda, en ese orden encantado, deberíamos amarnos tanto como para vivir fuera del tiempo, distantes, distantes..
La  estructura de la película opta más bien por lo anárquico, aunque sí se puede leer un argumento, como decía una estructura de tragedia, cada secuencia es un mundo y no parece que tengan conexión entre sí. Lejos de contar una historia lineal, Fellini, trata lo que cuenta con cada secuencia, como si cada una de ellas fueran una historia aparte y finalmente todo ello derivase en un monstruo marino. Parece que vivimos con Marcelo las cosas que le van pasando, las personas que se va encontrando pero al mismo tiempo, como los paparazzi, se seleccionase la información que se nos muestra. Hay personajes que aparecen en una secuencia y no vuelven a aparecer más. Las secuencias se cortan de forma muy drástica y cambian mucho de una a otra. Las cosas que suceden nos van sorprendiendo, Fellini juega con la intriga, que metafóricamente forma parte de la vida real. Al final se despierta en el espectador lo absurdo, una extrañeza de las cosas que suceden que no tienen sentido alguno, parece que esto es parte del juego.

Para finalizar, cabe destacar la importancia en la película de la tradición y la religión, elementos de los que Fellini parece burlarse constantemente, favoreciendo una actitud de reflexión frente a las creencias y verdades establecidas por la sociedad.



PROPUESTA DIDÁCTICA

Justificación

Esta película es considerada una obra fundamental del cine y referencia para muchos artistas. Dado su carácter de obra de arte con mayúsculas, sigue teniendo vigencia a día de hoy, sus propuestas y reflexiones no son, ni más ni menos, que temas que se han ido recorriendo a lo largo de la historia por diferentes pensadores y que se siguen planteando en la actualidad. Como alguien decía, los temas son siempre los mismos y lo que cambia es la manera de contarlos. Una buena obra de arte no sólo plantea los problemas de su tiempo si no que adquiere un carácter universal. Por ello, para que los alumnos puedan entender la complejidad de la obra, es necesario abarcar no sólo el lenguaje cinematográfico si no también otras cuestiones relevantes que han influido decisivamente en la película ya sean el contexto histórico, el papel de la música, el arte de vanguardia,  el contexto en Italia, la cultura romana, el movimiento cinematográfico… He hecho una síntesis de los contenidos que podrían tratarse, pensado que podría verse de manera colaborativa con otras asignaturas.

Como la película dura 2 horas y media lo que son ( 171 min ), planteo la posibilidad de trabajar con ella desde las secuencias. El conjunto se puede dividir en 16 secuencias que podrían traspasarse de 16 sesiones o 8 dependiendo de la cantidad de horas y de la relación entre secuencias. Se trataría de que al inicio de una sesión se presentase una sola secuencia y a continuación se comentase y se tratase dentro de los contenidos que desarrollo a continuación.  Cada bloque de contenidos están desarrollados como un esquema previo del que se podría partir. Los contenidos no tienen siempre por qué tratarse de forma teórica por lo que he incluido en algunos momentos actividades que podrían ser interesantes.

El objetivo principal será dotar al alumno de los conocimientos necesarios para entender la película en su totalidad,  poder desarrollar un análisis crítico de la misma, y utilizar lo aprendido para comprender mejor el arte de la actualidad. Simultáneamente el arte trata de ser un vehículo transversal que no se ciñe a un ámbito si no se plantea en conjunto con otras materias.

Estaría enfocado a alumnos de Bachillerato para promover una actitud crítica y de reflexión sobre los medios audiovisuales.


Contenidos

1. Contexto General de la Segunda Guerra Mundial.
2. Los Medios de Comunicación. si non é vero, e ven trovato.
3. La burla y lo Absurdo.
4. Escaleras.
5.La música y los Espacios Visuales.
6. La fuerza de la antigüedad.
Grecia: Origen del teatro. La tragedia en Aristóteles, poética.
El banquete.
La Musa hasta hoy.
Roma: Historia de los lugares. Un incentivo para el viaje.
7. Lenguaje cinematográfico.
8. Aplicación en la actualidad: La gran Belleza de Sorrentino.


Desarrollo de los Contenidos

1. Contexto General de la Segunda Guerra Mundial.

En el contexto de la II Guerra Mundial, Italia como segunda fuerza junto con Alemania de los partidos nazis, pierden la batalla y con ella se sumerge en una situación de pobreza que empeora las condiciones de vida de la población. Un creciente partido comunista dentro del contexto de la guerra fría en Italia provoca la reacción de EE.UU para ayudar a crecer a Italia y contar con su apoyo. El boom económico que se experimenta o “ miracolo económico” supone un cambio en toda la sociedad, cultura y forma de vida Italianas. A partir de esta introducción podrán tratarse los siguientes temas:

- El arte del Régimen fascista.
- Reacción de las Vanguardias.
- Final de la II Guerra Mundial y establecimiento del Plan Marshall. Ayudas económicas para Italia.
- Lo que supuso la Guerra Fría. Influencia de los EE.UU y la URSS.
- Florecimiento de una cultura frente a la decadencia de la Guerra.
- El movimiento Neorrealismo en el Cine en Italia.


2. Los Medios de Comunicación. Si non è vero, è ben trovato.

En relación a el guión de Fellini, “yo formo la opinión pública”, se trata la importancia de los medios de comunicación para formar la opinión de la sociedad. Se analizaría el papel de los paparazzis en la película y el papel de los medios de comunicación en la sociedad actual.
Se vincularía con el poder de la crítica de finales de siglo XIX y la influencia decisiva que tubo en los movimientos de vanguardia de principios de siglo XX.

Propuesta de actividad:

Para esta sesión sería interesante traer a clase una noticia, en diferentes periódicos y analizar como en cada periódico se hace una lectura de la misma. Si queremos relacionarlo con el Arte se podría tratar de una noticia en relación a cualquier exposición.
Finalmente se podría poner el ejemplo de Joan Fontcuberta como artista que juega con el papel que tienen los medios documentación y la fotografía documental.

Fontcuberta, en un fotomontaje, como el astronauta Istochnikov.
Fellini caricaturiza las clases altas de la época. La actuación de Silvia se convierte casi en un espectáculo, no habla y emite ruidos extraños, actúa como una niña malcriada. Por otro lado Emma está desesperada por llamar la atención de Marcelo, y Magdalena ridiculiza a nuestro protagonista cuando le habla desde las alturas en una de las últimas escenas. En la última de las secuencias en la fiesta, esta sátira se lleva hasta el extremo.

“Fellini ni siquiera intenta ya ser un moralista o un poeta que lo sublime, sino que pasa a convertirse en un observador irónico y divertido de sus criaturas, vistas en su extrañeza y maravilla, imperfección y monstruosidad. Seres incompletos, sin vida.  Muy caricaturescos. Pasa a convertirse en un observador irónico”.

La burla, broma, juego e ironía son elementos que se abren al arte moderno de forma más explicita con la aparición de Duchamp y sus coetáneos. Esta sátira que propone Fellini a la clase alta es un buen punto de partida para introducir la que hizo Duchamp en 1917.

La Fuente, Marcel Duchamp, 1917.

4. Escaleras

Una cuestión importante en la película y un tema sobre el que podría realizarse un buen proyecto serían las escaleras. Como símbolo, han sido utilizadas en el arte ya sea en cine, pintura, escultura, o en literatura. En Fellini los planos de escaleras son muy representativos. El primero cuando Sylvia sube los 700 escalones de la Cúpula de San Pedro, la segunda escena es el principio de una secuencia en la que Marcelo vuelve a casa de Steiner a ver qué ha sucedido, cuando llega al edificio ve hacia arriba y observa la escalera de caracol y los pequeños rostros asomándose.

Escena de la película de Vértigo de Alfred Hitchcock, 1958.
Obra: Chema Madoz, (1958).

Relatividad.(1953)  M. C. Escher.

5. La música y los espacios visuales.

La Música en la película de Fellini propone espacios visuales. Para tratar este tema en clase se propone analizar como el uso de la música y a continuación escuchar estos dos artistas visuales que trabajan con la imagen y el sonido.“Barthes señala que el oído no es solicitado jamás en el sueño, sino que éste es un fenómeno estrictamente visual y es por la vista por donde se percibirá lo que se dirija a la escucha.”

Título de la obra:
The Caretaker. All You Are Going To Want To Do Is Get Back There

https://www.youtube.com/watch?v=dtfTwqBfxgo

Título de la obra:
William Basinski - d|p 1.1

https://www.youtube.com/watch?time_continue=4&v=qYOr8TlnqsY

Después ,se propone un debate y se finaliza comentando la relación entre el lenguaje visual y musical.

6. La fuerza de la antigüedad.

6.1. Grecia
- Origen del teatro y de la tragedia. Aristóteles, la Tragedia como purificación de las pasiones.
- El banquete. Platón.
- La Musa, desde la escultura clásica hasta hoy.

La estructura de Tragedia de la película es un buen punto de partida para conocer el origen del teatro y de la tragedia. Se podría recurrir en filosofía a la poética de Aristóteles.
Por otro lado ¿ No se parece mucho el concepto que tenían en la antigüedad de Banquete, a las fiestas a las que acude Marcelo?.
A lo largo de la historia del arte se ha recurrido numerosas veces al Banquete. La musa y la sensualidad de la mujer también ha sido temas que ha tratado la historia del arte. Muy interesante para tratar como las diferentes épocas han ido definiendo un Cannon diferente.

Tondo de una copa ática de figuras rojas del pintor de Colmar, h. 480 a. C, de Vulci.
El rapto de Proserpina , 1621 y 1622. Gian Lorenzo Bernini

6.2.  Roma
La ambientación de la película es un estímulo para relacionar los lugares que aparecen en la película con su historia.

- La Fontana di Trevi
- La Cúpula de San Pedro
- Piazza Barberini
- Via Veneto
-  El Acueducto Claudio

Vista panorámica del Acueducto Claudio

7. El lenguaje cinematográfico

Estudiar el lenguaje cinematográfico , sus elementos y su aplicación en la obra de Fellini.

8. Aplicación en la actualidad.

Como trabajo complementario o como ampliación de la Unidad Didáctica se plantea la posibilidad de proponer la película de La Grande Belleza (2013) de Paolo Sorrentino para vincular el cine clásico con el cine de actualidad.


Conclusión Personal

Introducir el arte clásico en el aula es una forma de que los alumnos aprendan a valorar el cine clásico y la historia como elemento indispensable para tener una actitud crítica y comprender el presente. Aunque en un primer momento pensé en descartar la película porque es de larga duración, sería interesante plantearla como unidad didáctica por todos los temas que trata pudiendo analizarse con más detalle cada secuencia y la riqueza en todos los aspectos de cada plano. Como elemento de complementación  y de cine actual , la película de la Gran Belleza de Paolo Sorrentino, sería una buena propuesta para continuar trabajando ya desde la actualidad, replantear lo aprendido y volver a poner en cuestión nuevos temas y contenidos.


Recursos Bibliográficos

P. Lévêque. La aventura Griega. Editorial Labor, S. A. : Calabria, 235-239. Barcelona - 15. 1968.( Traducción por Pedro Mulet).
P.Pedraza, J.López, Gandía. Federico Fellini. Editorial Cátedra, S.A., 1999. Signo e imagen.

Rashomon

Por Carlos Pérez

Siempre hemos tenido mucha tradición maderera en construcción. Poco a poco se ha ido perdiendo y sustituyendo por estructuras metálicas o mixtas, empleándose puntualmente en zonas rurales y cascos antiguoscon viejos entramados y corralas de forjados de madera flectados y pasamanos trabajando como jácenas pero cuando se busca calidez, estética natural, buena acústica o espacios representativos, siempre se recurre a este material tan agradecido. Desde hace siglos, hemos apoyado piezas con dientes de perro, rayos de júpiter, apoyos a media madera, colas de milanoy construido cerchas de cuchillo con pendolones o imitando otras composiciones de países con mucha más tradición. No obstante no hemos sido capaces de igualar en técnica a los maestros artesanos japoneses.

Templo de Asakusa. Extraído de http://www.paisrelativo.net/que-hacer-en-japon-y-disfrutar-del-pais-del-sol/
Tradicionalmente, para ellos, la madera es una material noble y vivo y para no interferir en su pureza y armonía debe utilizarse aislada, sin ningún elemento que interfiera en su configuración. Utilizan ensambles machihembrados con múltiples colas de milano y pasadores de madera que quedan ocultos o apenas se aprecian en la fase final. Un trabajo meticuloso, artesanal, complejo y difícil de imitar.
En el siglo VIII, Japón albergó innumerables puertas de templos y castillos que representaban iconos para sus ciudadanos pero las inclemencias del tiempo, terremotos, huracanes e incendios transformaron la mayoría de estas en escombros y reliquias imposibles de restaurar dada la nefasta situación económica que padecían. Obras construidas por familias de artesanos que conjugaban las más grandes técnicas en construcción de madera de todos los tiempos.
Su escenario se transformó y se convirtieron en lugares oscuros, perfectos para ocultar secretos inconfesables, dar cobijo a ladrones y guarecer a desechos de la sociedad.
Kurosawa supo apreciar el significado decante y de abandono de la puerta de Rashomon y trasladarlo a su película con la fusión de los cuentos de Akutagawa “Rashomon” y “En el bosque”. Aunque el film comparte título con uno de los cuentos, su argumento es más cercano al otro con multitud de matices. Desde el punto de vista técnico es una obra maestra, con una ambientación sublime y en muchos aspectos desconocida hasta la época.

Puerta Shinmon. Extraído de http://www.yunphoto.net/ko/photobase/yp13946.html
Debido a que la puerta de Rashomon ya no existía, Kurosawa tuvo que ideárselas para reconstruirla con las características y el diseño original que habían supuesto los expertos pero ambientada en el cuento, parcialmente derruida. El resultado fue espectacular. Zapatas, entramados, pies derechos, cubiertas y ornamentos perfectamente situados en lo que podía ser una representación perfecta de la puerta del templo.
En el contexto educativo, la película podría formar parte de los recursos fílmicos a utilizar en bachillerato y para entenderla debería de acompañarse de la lectura de los cuentos de Akutagawa y una síntesis del entorno sociocultural de la época en la que fue rodada. Imprescindible un primer visionado en versión original subtitulada. Podemos acercar la cultura japonesa a los alumnos, la forma de vida y las tradiciones y si la clase se presta a ello el papel del hombre y la mujer especialmente. Se puede utilizar transversalmente para “educación en valores” y formar parte de la proyección de un ciclo de Kurosawa. Como modelos arquitectónicos, podemos nombrar a Wright, muy apegado a la cultura japonesa, e incluso comparar los modelos de casas japonesas tradicionales con las europeas.

 

Referencias

https://es.wikipedia.org/wiki/Rashomon
http://eternacadencia.com.ar/blog/ficcion/item/rashomon.html#more-40021
https://es.wikipedia.org/wiki/Rashomon_(película)
https://www.youtube.com/watch?v=Y1oMZKYuSI8
http://el-cuadernode-alp.blogspot.com.es/search?q=rashomon
http://cosasdebaradeldia.blogspot.com.es/2011/02/kappa-la-nariz-rashomon-ryunosuke.html
http://www.plataformaarquitectura.cl/cl/tag/arquitectura-japonesa
http://moleskinearquitectonico.blogspot.com.es/2009/03/machiya-la-casa-japonesa.html
http://moleskinearquitectonico.blogspot.com.es/2011/04/conceptos-de-arquitectura-japonesa-i.html