viernes, 16 de enero de 2015

El discurso del rey

Por M.B.

Sinopsis.

El duque de York se convirtió en rey de Inglaterra con el nombre de Jorge VI (1936-1952), tras la abdicación de su hermano mayor, Eduardo VIII. Su tartamudez, que constituía un gran inconveniente para el ejercicio de sus funciones, lo llevó a buscar la ayuda de Lionel Logue, un experto logopeda que consiguió, empleando una serie de técnicas poco ortodoxas, eliminar este defecto del rey.
La película ha sido reconocida con numerosos galardones destacando sus 4 Oscars en las categorías más relevantes: mejor película, mejor director para Tom Hooper, mejor actor para Colin Firthy el mejor guión para David Seidler.

Posibilidades educativas.

Me parece una película muy pertinente para proyectarla en el aula a alumnos de la ESO o bachillerato, su argumento es sencillo, en él abunda el diálogo y prescinde de elementos tales como violencia, sexo y efectos especiales. No por ello pierde el ritmo narrativo (no por ello debería perderlo), ni deja de ser entre otras considerables cualidades, una película muy divertida.
En primer lugar la película es una herramienta para aprender competencias lingüísticas, concretamente el inglés.
‘El discurso del rey’ está enmarcada en la historia de Inglaterra y Europa. Por este motivo durante el filme se atisba ligeramente la convulsa situación política del momento, así como la lucha de este rey contra la Alemania de Hitler y el inicio de la segunda guerra mundial. Por lo que supone un acercamiento del alumno hacía la historia. Además, Lionel (el logopeda) y sus dos hijos muestran una gran afición a la literatura, de esta forma las alusiones realizadas a figuras de este ámbito de la culturaresultan interesantes en el aula.
No obstante,es en los valores transversales donde veo más posibilidades y lo más interesante de la película en el ámbito educativo. Habría que destacar dos asuntosr elevantes:

  • Capacidad de superación del personaje del Rey Jorge VI. 
  • El sentimiento que se fragua entre los personajes principales: la amistad.

Es necesario matizar que la película trata estos dos temas de manera honesta, solemne, es decir, sin recurrir a sentimentalismos.


El Rey Jorge VI es un hombre de mal carácter a priori, pero que esconde una enorme ternura, ésta última va evidenciándose a la lo largo de la película a medida que crece su amistad con el logopeda. Lionel (el logopeda) va descubriendo sus miedos y lo arrastra inconscientemente hacía un personaje más noble; podríamos decir que el Rey es contagiado por Lionel de su optimismo, de su delicadeza, y lo que esmás importante para él: de la confianza en uno mismo.

"Dígamelo a mí, como a un amigo" 
Lionel, dirigiéndose al Rey. 1:40’


Pero el alumno al que vamos a mostrarle esta película, no solo percibirá la amistad como una cualidad que sirve para ennoblecer las cualidades del rey (al que el logopeda insiste en llamar por su apodo: Bertie) si no que en la película se muestra como una virtud recíproca. Igualmente para Lionel Logue supondrá un reto completamente nuevo, en el que tendrá que construir férreamente el amor propio y la confianza en sí mismo para superarse ahora en su propia batalla

"Gracias Logue, buen trabajo, amigo mio" 
Bertie, diriéngose a Lionel.1:49’

miércoles, 14 de enero de 2015

Trois couleurs: rouge

Por EJGarrot

Trois couleurs: Rouge es una película de 1994 escrita dirigida por el polaco Krzysztof Kieślowski y protagonizada por Irène Jacob, Jean-Louis Trintignant, Jean Pierre Lorit, Frédérique Feder y Samuel Le Bihan.
Rouge ganó el Premio Independent Spirit a la mejor película extranjera en el año 1994 y el Premio Cesar a la mejor música, además de ser candidata a tres premios Óscar; fotografía, director y guión.


La historia de Rouge comienza con Valentine, una joven estudiante que se gana la vida como modelo, salva la vida de una perra atropellada por su propio coche, se la queda y se le escapa, la perra le conduce a su dueño, un juez jubilado que tiene una extraña obsesión: escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. Si antes el espionaje telefónico formaba parte de su trabajo en cierto sentido, ahora se ha convertido en un vicio. A Valentine le desagrada la conducta del hombre pero no puede evitar ir a verlo. Este hombre vive solo y de forma insospechada para el espectador, debido a la antipatía que inspira este personaje solitario, resulta que la joven y él se hacen amigos, se acaba descubriendo que tienen cosas importantes en común, por ejemplo, lugares. La película trata varios temas, el más evidente es la casualidad, la coincidencia, los accidentes que acaban por ser positivos en la vida de los protagonistas. Además la película, en cuanto a estilo, cuida muchísimo los detalles, por eso es tan humana, por eso el espectador entra en ese juego de "realidad" fácilmente. A través de la historia principal de los protagonistas, se dan a conocer otras historias relacionándose. Se da ese ejercicio de espectador que observa a otros espectadores que a su vez espían a otros. La perra atropellada que se queda la protagonista hasta que encuentra al juez, se le vuelve a escapar a ella, se mete en una Iglesia y cuando Valentine entra a por ella, la perra sale de la Iglesia en otra dirección hasta que llega a la casa del hombre.

Respecto al contexto educativo, decir que  si deseamos tomar decisiones acertadas y creativas, no basta con educar la parte consciente de nuestra mente, ya el simple hecho de que sea un película, hace que el espectador haga ya de por si un ejercicio de "pensamiento rápido, automático o inconsciente", pero es que además esta película enfatiza la retrospectiva puesto que hay localizaciones que se repiten a lo largo de la película que hace que al espectador le resulte familiar y reflexionen sin necesidad de que el ritmo de la película se ralentice. La protagonista busca a la perra y comprende en un determinado momento, que no la encontrará, al tiempo, cuando la encuentra, resulta ser un imán de atracción entre los dos protagonistas, da para reflexionar sobre si los animales son más justos que los humanos, el espectador juzga al principio al juez igual que lo hace la joven porque éste espía por teléfono, el espectador cree que por esa acción que consideramos "repugnante e ilegal"( de hecho el propio juez lo define así) Valentine ha caído en manos de alguien malo, se trabaja el problema de la concepción del bien y el mal mediante prejuicios de las personas, entre otros temas, este quizás sea el más interesante de trabajar con alumnos de todas las edades, pero sobretodo con adolescentes.


"Tienes la sensación de que la protagonista casi tiene una vida soñada, sabes que estudia pero no sabes el qué, sabes que tiene una madre que le preocupa pero no sabes dónde y sabes que tiene un novio pero no sabes de qué manera ni dónde está(...) El espectador tiene la sensación de ser voyeur(...) El drama no te detiene, la vida sigue." 

Fresa y chocolate

Por MissZero 

"¿Conoces a Oscar Wilde, a Guide, a Lorca...? Pues todos tenían algo en común conmigo. Pero además no solamente ellos, la lista es extensa querido, y ahí aparecen hasta los guerreros más valientes y famosos de la Historia: Alejandro Magno, Hércules, Aquiles en el compromiso de Patroclo...y dicen las malas lenguas, que hasta Hemingway."
           
Fresa y Chocolate es un canto a la amistad por encima de las convenciones. Al valor humano por encima de los ideales y al amor ajeno a los estereotipos.
David, un estudiante de sociología cubano en el apogeo de su sentimiento patrióticamente revolucionario, es abordado por Diego, un artista y marchante homosexual atraído por él. En un juego de tira y afloja entre el rechazo de David y la curiosidad que empieza a sentir por Diego, surge entre ambos una incipiente amistad. Aunque David pretende utilizar a Diego para denunciarlo y demostrar así su buen hacer por el régimen, por encima de los prejuicios se irá forjando entre ellos una relación más profunda que ayudará a ambos a comprenderse más humanamente. A la par, David se adentrará en el mundo amoroso con la vecina de Diego, comprendiendo que, por encima de clichés y estereotipos, prima el valor de las personas.
La película está rodada de forma sencilla, con la casa de Diego como escenario principal, siempre llena de obras de arte. La casa de Diego se convierte para él en un refugio donde guarecerse, donde expandir la sensibilidad y leer todo lo que no puede mostrar fuera, donde guardar las obras que en el exterior se consideran, inquisitorialmente, no aceptables o depravadas. Donde Diego puede ser él mismo, alejado del qué dirán. Algunos exteriores de la Habana, esa Habana tan cautivadora por su pasado colonial como anticuada en sus viejas aspiraciones, la ciudad de las columnas.
Prácticamente toda la película está rodada con planos medios y primeros planos, centra toda la atención en la psicología de los personajes, contraponiéndolos, pues toda la línea argumental está basada en el diálogo. Por un lado David, representante del tipo de persona que teme lo que no conoce, cuyos esquemas sobre el mundo le aportan tranquilidad y cuya noción de normalidad se enraíza en unas cerradas creencias. Frustrado en el amor precisamente por eso, por pensar que las cosas sólo ocurren de una manera concreta. Por otro, Diego, su antítesis, el personaje que no encaja con el mundo que le ha tocado vivir, que viene precisamente a romper los esquemas de David para enseñarle, en el preciso momento de su vida en el que menos parece comprender las relaciones amorosas, que hay un "ser" detrás de lo que "parece ser", que lo que a veces consideramos normal y correcto no tiene por qué serlo para todo el mundo, que en la vida no hay verdades universales ni modos de vivir más correctos que otros. Diego es la representación de aquel que no puede desarrollar sus aspiraciones como le gustaría, que necesita encontrar algo más de lo que la vida le ofrece, tanto para sí mismo como para los demás y que acabará encontrando, paradójicamente en David, al amigo que no encontraba dentro de su pequeño mundo. Una comprensión más profunda que surge desde el abismo de la diferencia.
En la iluminación prevalece la luz natural, la fotografía de interior sí emplea juegos de luces con algún carácter cromático, los movimientos de cámara son muy ligeros, algunas panorámicas siguiendo el movimiento de los personajes y muchas situaciones en las que la cámara permanece fija, haciendo el cambio de plano para enfocar al personaje que habla. La música extradiegética no acompaña a todas las escenas de la película, si no que aparece en algunos momentos para dar más intensidad emocional a la situación.



No es una película de una gran complejidad técnica, pero las interpretaciones son notables y tiene una gran narratividad, creo que es un buen ejemplo de cómo en el cine se puede hacer algo de intensidad argumental y emocional con pocos elementos, algo que para los estudiantes es adecuado si van a contar con pocos medios en sus trabajos. Además, el cine que más consumen hoy en día probablemente sea el de muchos efectos especiales, continuos movimientos de cámara que pretenden dar espectacularidad y argumentos pobres. El problema que conlleva esto respecto a esta película es que al no estar acostumbrados al cine de tanto diálogo, puede que no les resulte dinámica y les aburra, pero de todos modos no es un film especialmente espeso en cuanto argumento y duración, se trata el tema de forma sencilla y directa.

La película es un ejercicio humilde que ha logrado abordar un tema de actualidad en aquella época y en la nuestra, que plantea este problema en Cuba pero que podría plantearse en cualquier país del mundo, siendo la de este país una situación especial en la que se confrontan la lucha política de la isla por la libertad económica del mundo capitalista que la rodea, y una lucha individual de los ciudadanos por sus libertades dentro de ella.  Una paradoja entre personas que pretenden mantener vivo el espíritu de la revolución, pero que a la vez temen enfrentarse a la modernidad con una mirada nueva.
Sin embargo, lo que me interesa para los alumnos, que podrían verla a partir de los quince ó dieciséis años, edad en la que comprendan adecuadamente la realidad social de la película y el tema,  no es tanto el contexto como la situación en sí misma, situación que como digo se daba en nuestros país y se sigue dando a día de hoy aunque parezca que la homosexualidad tiene mucha más visibilidad. De hecho, esa visibilidad es patente, pero continua sin estar completamente libre de estigmas. Y esos estigmas son precisamente creados a partir de las nociones de normalidad, del lenguaje de uso común, de la diferenciación en muchos aspectos de algo que debe estar comprendido y asimilado como parte natural de la vida. A esto se une la abundancia de alumnos de algunas culturas en los centros educativos, en las cuales la homosexualidad está aún más estigmatizada. No creo que con el trabajo sobre la película se trate de imponer a los alumnos que acepten algo como bueno y punto, pero al menos que les ayude a reflexionar sobre ello.
Unido a esto, la situación psicológica de la adolescencia, de profundo cambio, de descubrimiento de la orientación sexual, de los primeros pasos en las relaciones sentimentales y por tanto, de inquietudes respecto a estos temas, la convierten en una película propicia para generar debate en clase, para que los alumnos se planteen un tipo de relaciones con mujeres y hombres basadas en un mayor nivel de comprensión, porque muchas veces las relaciones que se plantean a través del medio audiovisual, sobre todo en los programas televisivos y las películas de la industria del espectáculo son, cuanto menos, muy superficiales.
Siendo, quizá, unos fines difíciles de conseguir hasta el punto que nos gustaría, es, al menos, un primer paso. 

martes, 13 de enero de 2015

Gran Torino

Por Irpe


“¿Quieres saber lo que se siente al matar a un hombre? Pues algo horrible, maldita sea. Lo único peor es que te den una medalla de valor para matar a un pobre crio que lo único que quería era rendirse. “

Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un anciano grosero debido a su participación en la guerra de Corea (1950-1953), obrero jubilado del sector del automóvil que ha enviudado recientemente. Desde entonces su única pasión es cuidar un coche Gran Torino de 1972. Es un hombre inflexible y testarudo, al que le cuesta trabajo asimilar la llegada de sus nuevos vecinos coreanos. Sin embargo, las circunstancias harán que se vea obligado a replantearse sus ideas.


Es un film sencillo y lineal en su construcción formal, a pesar de su sencillezargumental se pueden sacar muchos valores y debates ; violencia, respeto, multiculturalidad, inmigración y presión de grupo.
Como primera lectura el film es un alegato contra los prejuicios racistas y la amistad. El diálogo testarudo y cariñoso del personaje de Clint Eastwood permite un acercamiento al público que nos permite comprender cómo las circunstancias conforman el carácter de las personas;  En este caso tanto los emigrantes como Walt (el propio personaje de Clint Eastwood) son “víctimas” de los contextos sociales y económicos de un momento determinado. Uno de ellos por haber participado en una guerra habiendo matado y sin perdonárselo de por vida, y otros por intentar vivir en paz siendo aceptados en un nuevo lugar.
Es una película que se acerca mucho a nuestra realidad actual debido al incremento de personas que se ven obligadas a cambiar de residencia y establecerse en un lugar diferente lejos de su cultura y su familia. Lo que puede suponer un problema si no se lleva a cabo un esfuerzo de integración e intercambio cultural. Es importante destacar el respeto y la tolerancia con otras culturas, un tema bastante acorde con las circunstancias que estamos viviendo ahora mismo…
En este caso podríamos hablar de la guerra de Corea y la etnia hmong que aparece en la película. Una antigua aliada estadounidense en la Guerra de Vietnam. Miles de hmongs fueron pagados por EEUU por asociarse a la CIA y luchar contra el comunismo en la conocida “Guerra Secreta de Laos”. Tras la derrota y expulsión estadounidense fueron perseguidos y discriminados en sus países de procedencia al ser vistos como traidores.
Este tema además de introducirles en historia nos permite acercarles a un debate crítico. Por otro lado, la película tiene una doble lectura pues si nos paramos a analizar el contenido y lenguaje interno podemos descifrar cantidad de mensajes americanos envueltos en esa apariencia de seguridad y modelo patriótico.Clint Eastwood encarna el papel de héroe; de héroe americano, él es el que dará seguridad a la nueva cultura que se incorpora en el barrio y por la que se sacrificará. A su vez la conversación que mantiene la hermana de Thao con Walt también induce a la reflexión;

Sue: Ojalá nuestro padre se hubiera parecido a ti. […] Fue muy duro con nosotros, era muy tradicional, realmente de la vieja escuela.
Walt: Yo también soy de la vieja escuela
Sue: Sí…pero tú eres americano…


Para ser una película de no muy alto presupuesto ha demostrado tener los elementos claves para ser buena; Sencillez argumental, buen guión y buen ritmo. El lenguaje es sencillo y cómico en determinadas partes por lo que es cercano al público adolescente. Tiene una cuidada y clásica fotografía y muy buenas interpretaciones con Clint Eastwood de cabeza. Obtuvo una nominación a los Globo de Oro a la mejor canción yel premio César a mejor película extranjera.

Eduardo Manostijeras (1990)

O Edward Scissorhands como título original es una película dirigida por Tim Burton, director de otros largometrajes como Pesadilla antes de Navidad, La novia cadáver o Charlie y la fábrica de chocolate entre otras.
Tuvo una nominación al Óscar en la categoría de mejor maquillaje y otras cuatro al mejor diseño de producción en los premios BAFTA.



Sinopsis
Todo comienza con una nevada y la conversación de una abuela llamada Kim y su nieta, quién realiza la pregunta de el porqué de la nieve, así que ella empieza a explicarlo.
La historia transcurre en un pueblo de Florida custodiado por un gran castillo, donde al entrar una intrépida mujer vendiendo sus productos de maquillaje conoció a Edward, un chico solitario e inocente quién había sido creado aunque inacabado por el hombre que vivía allí, pues tenía una particularidad, tijeras en lugar de manos.
Ella al ver que era inofensivo lo llevó a su casa y se dispuso a tratarlo como a uno más de la familia.
Edward era un chico diferente al resto, incomprendido, muy tímido, con un aire gótico y ropas negras de látex y cuero.
Todo el vecindario siente curiosidad por conocerlo, y todos se aprovechan de sus habilidades e inocencia haciéndole podar sus jardines, cortarles el pelo, muñecos de hielo etc.
En el ámbito familiar, la hija de la mujer que lo acogió, Kim, no se sintió cómoda a su lado desde un principio, quién lo rechazaba por su aspecto, sin pararse a conocer su interior.
La relación de ambos, va estrechándose a medida que avanza el relato, por lo que Jim el novio de Kim empieza a sentir increíbles celos hacia Edward queriendo hacerle daño y alejarlo de su chica para siempre.
Tras una serie de malentendidos, entre los que se encuentran un corte en la mano a Kim por un susto que provocó Jim y otro en la mejilla al hermano de ésta para salvarle de un accidente, todos le toman por un peligro.
Todos lo persiguen, incluido Jim, así que Edward huye de nuevo al castillo de donde procedía buscando refugio.
Jim lo alcanza y comienza a golpearlo sin recibir respuesta, por lo que Kim lo defiende siendo herida. Edward reacciona como protector, matando al chico.
Finalmente Kim proclama la muerte de ambos, salvando así a Edward de las masas.
Él queda atrapado en el castillo, que al estar en lo alto del pueblo, cada vez que esculpe con sus tijeras estatuas de hielo hace caer la nieve sobre ellos.

¿Por qué esta película?

Este largometraje sacado de un dibujo de la adolescencia del propio Tim Burton puede ser usado como un buen material didáctico ya que se trata de una película amena con la que alumnos puedan sentirse identificados gracias a sus diferentes estéticas, mezclando lo gótico con lo elegante o lo oscuro con lo colorido creando vínculos con diferentes gustos y preferencias.
Los chicos no se aburrirían y prestarían la suficiente atención, siendo ésta apta para todos los públicos.
Contiene la posibilidad de en su lengua original el inglés, por lo que sería útil tanto para colegios bilingües como para los que no.
Se hablaría sobre el arte y el don del protagonista de crear figuras fantásticas a partir de arbustos y bloques de hielo, haciendo que valorasen diferentes aspectos artísticos dando pie a hablar sobre todo tipo de creaciones.
Al terminar la película me gustaría que reflexionasen sobre ella y lo que quiere expresar. El pensar en cómo tratamos a los demás y si nos guiamos demasiado por una fachada en vez de pararnos a indagar y descubrir que hay dentro de los demás. Ser conscientes de si juzgamos demasiado rápido y si debemos dar segundas oportunidades.

Babel

Por Mariam GM

Babel es una película del 2006 dirigida por el mejicano Alejandro González Iñárritu, cuyo guión original pertenece a Guillermo Arraiga Jordán, escritor, productor y director cinematográfico mejicano, y protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Adriana Barraza y Koji Yakusho.
Babel ganó el Globo de oro a la mejor película dramática en el año 2007 y fue candidata a siete premios Óscar, entre ellos mejor película y mejor director, aunque finalmente sólo consiguió el premio en la categoría de mejor banda sonora.


La historia de Babel comienza con dos niños marroquíes que están probando el rifle de su padre y disparan a una turista norteamericana que va en un autobús. Este hecho causa una serie de sucesos en tres partes del mundo diferentes: Marruecos, donde se encuentran los turistas norteamericanos de vacaciones; Japón, donde encontramos la historia de una adolescente sordomuda que vive en Tokio cuya historia está relacionada con el hecho de marruecos ya que su padre fue quien vendió el rifle a un marroquí; y Méjico, lugar de procedencia de la niñera de los hijos de los turistas que se encuentran en Marruecos. Entonces la historia se centra en tres conjuntos interrelacionados de situaciones y personajes, y muchos acontecimientos se revelan fuera de secuencia.
Respecto al contexto educativo, decir que el mito de la torre de Babel es un mito judeocristiano que da explicación a la proliferación de las diferentes lenguas a lo largo del mundo. Antes todos los hombres hablaban un mismo idioma  y querían construir una torre para llegar al cielo; Yaveh, para evitar que los hombres llevaran a cabo todo lo que se propusiesen descendió y confundió el lenguaje de los hombres, para que no se entendiesen los unos con los otros y los dispersó por toda la superficie de la tierra. Por ello a la torre se le llamó Babel, que significa lugar o situación de confusión y desorden. Y este mito da nombre a la película, ya que trata entre otras cosas de la imposibilidad o los problemas de comunicación al hablar diferentes idiomas o al ser sordomudo. El lema es "si quieres ser entendido, escucha".
La película también nos muestra sobre todo las diferencias culturales, políticas, económicas y sociales de cuatro países muy desiguales, Estados Unidos, Marruecos, Japón y Méjico. Se puede hacer ver al estudiante como nos afecta la globalización, las relaciones y la incomunicación personal, el aislamiento por la diferencia de cultura, los prejuicios y la tecnología en la sociedad en la que vivimos.


"Lo mejor de Babel fue que empecé rodando una película acerca de las diferencias que separan a los seres humanos, las barreras físicas y el idioma, pero en el camino me di cuenta de que estaba haciendo una película acerca de lo que nos une, el amor y el dolor. Es muy posible que lo que hace feliz a un marroquí y a un japonés sea muy diferente, pero lo que nos hace sentir mal es lo mismo para todos." 
(González Inárritu, 2007)

West Side Story

Por AC

Dos bandas rivales se enfrentan en las calles de una gran ciudad. Los miembros de cada una de ellas responden a un perfil social muy distinto, determinado por su raza, su procedencia, su situación económica y las posibilidades de progreso de las que parten. Aún así, ambas deben convivir en un mismo espacio físico, algo que no siempre es sencillo. El marco para este conflicto podría ser cualquier lugar en el mundo en cualquier época, ya que forma parte de los problemas que casi todas las sociedades han enfrentado en algún momento con más o menos dificultades. Esto se hace especialmente visible en el caso de las grandes ciudades en momentos de crecimiento económico, cuando grandes oleadas de inmigración llegan de todas partes buscando una vida mejor. La coexistencia de “los que ya estaban allí” con los nuevos habitantes es, en ocasiones, conflictiva. Unos reclaman su derecho a buscar una vida mejor,  otros “su derecho a proteger lo que es suyo frente a los recién llegados, que tratan de robárselo”. Aparentemente son tantas las diferencias entre unos y otros, y tan grande el desconocimiento y el miedo a lo ajeno, que terminan creándose guetos en los que cada “tribu” lleva una existencia paralela a la de al lado, totalmente ajenas unas de otras, y que rara vez se tocan. Pero es en estos momentos excepcionales, cuando ambas se encuentran frente a frente por casualidad, cuando una pequeña mecha puede provocar que esa paz aparente salte por los aires y salga a la superficie el odio y el recelo al diferente con imprevisibles consecuencias.
Ésta es la historia que cuenta West Side Story. La película está basada en el musical del mismo nombre estrenado en Broadway en 1957. Se trataba de una adaptación contemporánea de la obra Romeo y Julieta de Shakespeare, en el Nueva York de los años 50. Dirigida por el coreógrafo Jerome Robbins con música de Leonard Bernstein, tuvo un enorme éxito y supuso una revolución en el mundo del teatro. Fue tal su popularidad que en 1961 se llevó a la gran pantalla dirigida por el mismo Robbins, junto a Robert Wise -director de cine que posteriormente rodaría Sonrisas y Lágrimas. Entre los actores estaban Natalie Wood, (María), Richard Beymer (Tony) como coprotagonistas, Rita Moreno, George Chakiris y Russ Tamblyn entre otros. Fue ganadora de diez óscars y ha permanecido como uno de los mejores musicales de la historia.

Su uso docente podría ser interesante tanto por su contenido como por el empleo de abundantes recursos cinematográficos y su atractiva puesta en escena. En lo referente a la temática, actualmente los conflictos sociales derivados de las diferencias culturales, raciales, económicas o religiosas siguen, desgraciadamente, estando muy presentes. La creciente radicalización de algunos movimientos y el auge de partidos políticos y asociaciones con discursos xenófobos como consecuencia, hacen imprescindible reflexionar sobre estas cuestiones en el aula. A mayor información, mayor conocimiento, y a mayor conocimiento, mayor aceptación del otro. Los alumnos han de comprender que la violencia, finalmente, no sirve de nada; que las diferencias, en lugar de ser un obstáculo, nos enriquecen; y que la convivencia pacífica es necesaria y beneficiosa para todos. Todo esto es lo que trata de decirnos West Side Story. Además al tratarse de otro contexto -otro lugar, otra época- y observar el conflicto desde fuera, puede resultarles más sencillo hacer un análisis objetivo y extraer conclusiones que al mismo tiempo son atemporales, y por tanto, igualmente válidas hoy en día.


Por otro lado, el lenguaje cinematográfico y los recursos empleados son muy ricos por lo que su visionado podría ser útil para introducir en el aula ciertos conocimientos sobre medios audiovisuales y cine. Desde el famoso inicio con planos cenitales que van desvelándonos poco a poco el lugar donde transcurre la acción, (una gran ciudad, un barrio, una pista de baloncesto que podría ser cualquiera), el empleo de fundidos para pasar de la realidad al interior de los personajes, hasta el magistral uso del color, la música y el movimiento como un elemento narrativo más.


Para terminar, como ya he dicho, creo que a los alumnos podría gustarles ya que su puesta en escena es magnífica. Seis de los diez óscars que ganó corresponden a: mejor dirección artística, mejor música, mejor fotografía, mejor sonido, mejor vestuario, y mejor montaje.  Destacan especialmente sus números musicales, algunos de ellos tan famosos que ya forman parte de la cultura popular, como America, ó el del gimnasio, en mi opinión el mejor de la película (https://www.youtube.com/watch?v=DDsKxjHQUeA). La banda sonora de Leonard Bernstein, con un gran despliegue orquestal, muy innovadora en su día y una de las más famosas de la historia del cine, la convierte en un instrumento muy útil para la asignatura de música.
Se trata, pues, de un clásico del cine que los alumnos no pueden dejar de conocer, y del que pueden extraer numerosas conclusiones sobre la importancia de la convivencia social y la inutilidad de la violencia, mientras disfrutan de todo un espectáculo visual, sonoro, técnico y cinematográfico.