miércoles, 17 de febrero de 2016

Cómo una película de Hitchcock puede estar dentro del ámbito educativo


Por Marina Castillo Caballero

Palabras Clave: Cine, Educación, Audiovisual, Nuevas Tecnologías, Innovación Educativa, Calidad, Hitchcook, Rear Window, La Ventana Indiscreta, Estética, Técnica, Crítica, Redes Sociales, Transversalidad, Arte, Mujer, Historia.

Resumen

Se pretende mostrar cómo el cine puede ser una herramienta importante ligada a la educación y no sólo de entretenimiento o disfrute como erróneamente piensa un porcentaje alto de gente. El cine en la escuela puede ser una herramienta muy útil a la hora de abordar diferentes temas ligados a sus cualidades específicas, calidad y complejidad técnica para poder desarrollar la capacidad analítica, crítica y de síntesis del alumno, dejar de lado el “todo vale” y conseguir que los alumnos profundicen más allá del mero hecho: me gusta o no me gusta. En este micro ensayo se analiza la película de Hitchcock, centrándonos sobre todo en una escena importante de la película para ver las ventajas que se puede obtener con el cine y su aplicación práctica dentro del aula.
Se ha seleccionado la película de Hitchcock, La ventana indiscreta, como punto de partida para la relación cine-educación.
Es una película rica en técnicas en la que podemos dejar de lado el contemplar una película sólo para el disfrute y entretenimiento y centrarnos con los alumnos en “desnudar” las técnicas y aprender a valorar, en este caso, la película de Hitchcock de una forma artístico-estética inicialmente por sus calidades técnicas y cualidades específicas que le hacen un pionero a la hora de utilizar recursos y marcar ritmos distintos a los ya establecidos en la época.
Para este análisis me voy a centrar en una escena en concreto para que sirva de ejemplo dentro del aula a la hora de analizar y valorar este film cinematográfico de calidad una vez analizada de forma general, con los alumnos si diese tiempo antes de un posible debate o directamente dados por nosotros.

LOS ASPECTOS IMPORTANTES A ANALIZAR SERÍAN LOS SIGUIENTES: (V.V.A.A. 2011)

1. EL RITMO NARRATIVO:

Entretiene.
“Su manera entender el ritmo narrativo es muy simple: ordenar las imágenes procurando mantener interesado al espectador. Dicho así, parece sencillo, pero... Imaginemos el comienzo de la película, con los consabidos "créditos", ¿qué hacer para que el espectador se interese mientras "pasan" los créditos?”. (Domínguez, E. 2011)

2. EL ARGUMENTO, EL GUIÓN Y LA ARGUMENTACIÓN DE LA PELÍCULA:

“Nos resultan "atractivas" gracias a la "magia narrativa" de su realizador, cuyo gran secreto descansaba en muy pocas circunstancias: apoyándose en las posibilidades de la industria norteamericana, controlar milimétricamente "la forma" de la película, con prediseños (story boards) definidos con precisión, y  cuidar minuciosamente el ritmo narrativo”. (Domínguez, E. 2011)

3. LA FOTOGRAFÍA.

Es de gran calidad, se tiene en cuenta dentro de los planos las distintas miradas que se quieren dar con los diferentes personajes y puntos de vista, la iluminación es compleja al querer simular un barrio a distintas horas del día pero gracias a la habilidad y los recursos se obtiene un resultado óptimo. Hay que tener en cuenta que todo es decorado y grabado  directamente en plató.

4. LA CALIDAD DEL GUIÓN.

Ejerce conexiones a lo largo de toda la película, es suelto y fluido dentro del film. (Para poder hablar del guión y también de la interpretación que será el siguiente punto se debe juzgar desde la versión original).

5. LA INTERPRETACIÓN Y LA IMPORTANCIA DE LA VERSIÓN ORIGINAL.

La interpretación de los actores que participan es buena, con una Grace Kelly espectacular como siempre, pero creo que en las películas de Hitchcock prima más la forma en sí que la propia interpretación. Aunque Hitchcock controlaba en sus largometrajes hasta el más pequeño detalle.

6. EL MONTAJE, LA AMBIENTACIÓN, LOS EFECTOS ESPECIALES.

La complejidad técnica de esta película se hace presente en los aspectos de decorado, iluminación de las escenas y planos que se quieren dar para el desarrollo narrativo.
En los escritos de Truffaut sobre Hitchcock, hablan especialmente del desafío de la película y se comenta lo siguiente:

F.T. Supongo que lo que le tentó como punto de partida fue, en primer lugar, el desafío técnico, la dificultad. Un inmenso y único decorado y todo el film visto a través de los ojos del mismo personaje...
A.H. Totalmente, pues ahí tenía la posibilidad de hacer un film puramente cinematográfico. Por un lado, tenemos al hombre inmóvil que mira hacia afuera. Es un primer trozo del film. El segundo trozo hace aparecer lo que ve y el tercero muestra su reacción. Esto representa […] la expresión más pura de la idea cinematográfica.[…] (Truffaut. J. 1974. p.186)

Chavarría, G. Detalle grúa rodaje. [Figura 1]. Recuperado de: http://alfredhitchcok.blogspot.com.es/p/la-ventana-indiscreta-1954.html
Distribución del espacio de la película visto desde la ventana de la casa de Jeff.

Chavarría, G. Planos rodaje. [Figura 2] Recuperado de: http://alfredhitchcok.blogspot.com.es/p/la-ventana-indiscreta-1954.html
 7. LOS ELEMENTOS ESPECÍFICOS DE LA HISTORIA.

“Con Hitchcock cambian los parámetros cinematográficos hasta dejar en un plano secundario a "la historia" en beneficio de "la forma", "la manera de contarla". Y en ese sentido estaríamos, sin duda y como tiene acreditado el MOMA, ante otra de las pocas grandes personalidades creativas del universo cinematográfico.
Es difícil encontrar relatos de gran interés en las películas de Hitchcock; por el contrario, casi siempre son historias estúpidas, protagonizadas por hombres de escasa personalidad y mujeres estereotipadas (suelen ser mucho más interesantes los "malos")”. (Domínguez, E. 2011)

SECUENCIA SELECCIONADA:

¿Por qué esta secuencia? He seleccionado una de las claves de la película para hablar un poco sobre ella. Bien es cierto que muchos eruditos y entendidos del cine escogen la secuencia inicial con los títulos de crédito en el que se enfoca de forma inusual, visual y con un enfoque muy narrativo la presentación de los personajes e incluso dando alguna pista al espectador de lo que puede ocurrir.
En la secuencia elegida Lisa decide ir a por una evidencia que delate al asesino y demuestre que Jeff está en lo cierto. I. Konigsberg, define el término secuencia y lo compara como si fuera un capítulo de un libro que muestra acciones completas e independientes, con su comienzo, su parte central y su final, y ambos concluyendo normalmente con algún tipo de clímax dramático. (2004, p. 488) Con la cámara, se siguen los movimientos de Lisa en un espacio y un tiempo real concreto que posee las tres partes de la narrativa secuencial que se ha comentado antes.
Predominan los colores cálidos. La iluminación es compleja por la problemática de simular momentos reales a lo largo de la película dentro del decorado, en este caso se centran en la iluminación de los interiores y una luz tenue de la noche.
La composición general de la escena es muy simétrica por las características de los edificios del decorado y las escenas en el interior vistas desde un único punto de vista. A través de la vista de Jeff, Hitchcock juega con los cambios de dimensiones de los planos. La vista con los prismáticos, con los objetivos de la cámara y los planos normales. (V.V.A.A. 2001)
El inicio de la secuencia parte de una escena con un picado que sitúa al espectador bajo la visión de Jeff desde la ventana de su piso en un plano general, también llamado entero, en el que se percibe a los personajes y parte del fondo en el patio interior de los edificios. (Figura 1) En las escenas predecesoras, se realiza un movimiento de cámara de acción con la grúa siguiendo a Lisa que sube por las escaleras eliminando ese plano picado del inicio. (Figura 2 y 3) En el montaje narrativo de la película, se utiliza el alternado de escenas simultáneas con los primeros planos de Jeff. (Figura 4) Con ello se pretende dar importancia a las reacciones de expresión y reacción tras observar esa escena que está sucediendo en el mismo instante en el exterior y adecuado cinematográficamente al tiempo real. Cuando Jeff coge la cámara, (Figura 5) se adecúa un plano americano a lo que percibe con ella y posteriormente un plano medio cuando la escena requiere un dramatismo mayor, como es el caso de la escena final (Figura 9) en el que se enfoca la cara del asesino mirando directamente en dirección a la ventana de Jeff. Para dar un mayor realismo y hacer ver al espectador que se está viendo a través del objetivo de la cámara de Jeff, aunque se le haya enfocado justo antes en un primer plano, se presenta el plano dentro de un perímetro circular o agujero negro (Figura 8) en el que hay una continuación del movimiento de la cámara y de manera escópica a través del ojo. (Sáinz, P. 2001 p. 6)
También hay momentos en la secuencia que se da importancia a otros hechos que transcurren a la vez en el mismo espacio, como es el caso de la vecina solitaria (Figura 6) y que se enfatiza con un picado y plano general, acción que tiene relación con los siguientes acontecimientos que van a transcurrir a lo largo de la secuencia, que en apariencia no tiene mayor trascendencia, pero realmente es un nexo de unión para el desenlace final de la secuencia. Después se pasa a un plano general mayor que el anterior, en el que se encuadra los dos pisos, evocando a los tebeos, en el que en cada viñeta pasa algo y que además va en armonía con la música que empieza a sonar. (Figura 7) Conrad habla del tríptico de paneles que aluden con frecuencia al formato de la pantalla del cine. (Conrad, P. 2003, p. 344)

APLICACIÓN TRANSVERSAL EN EL ÁMBITO EDUCATIVO

La selección de esta película nos puede dar mucho juego en una clase no sólo a nivel técnico, también podemos desarrollar aptitudes en el alumno como la capacidad analítica, crítica y de síntesis. Y la aplicación práctica también a esa “transversalidad” que deben tener las asignaturas como complemento y enriquecimiento dentro de las aulas.

Ejemplos prácticos como contenidos transversales:
  1. El papel de la mujer dentro de la mirada de Hitchcock.
  2. La mujer en el arte.
  3. Las nuevas tecnologías: Redes sociales.
  4. Obras literarias.
  5. Otras relaciones para comparar con la película.
Este artículo desarrollará el punto 1, 2 y 3, y deja planteados los otros puntos con ejemplos visuales con aspectos que pueden resultar de interés a la hora de seleccionar esta película para debatir después y crear actividades en el aula.

- El papel de la mujer dentro de la mirada de Hitchcock.

Todos los personajes femeninos de la película son un arquetipo femenino en el que Lisa podría llegar a convertirse. (Artium, 2016)

[Figura 3] Recuperado de: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/hitchcock/fotos/hitchcock_06.jpg
La mujer en el arte

Se ha hecho una selección reducida, a modo de ejemplo que puede ser ampliable en el aula para trabajar con los alumnos. Son una serie de obras que tienen relación indirectamente con las diferentes tipologías de mujer que aparecen representadas por Hitchcock en la película.
Así se les puede presentar a los alumnos obras de la Historia del Arte, bien sea centrándonos en el personaje que representa como el caso de la obra de Warhol “Marylin Monroe” como dar pie a hablar del propio artista, dependiendo de cómo queramos relacionar y enfocar la sesión nos puede dar lugar a muchas variantes.

Figura 4 Marylin de Warhol Recuperado de: http://www.biografiasyvidas.com/monografia/marilyn_monroe/fotos/monroe_10.jpgç
Otro ejemplo: “Judith decapitando a Holofernes” de una mujer artista, la gran Artemisia Gentilleschi, en este caso se podría incluso ligar a la historia general y también hacer hincapié y desarrollar la influencia de las mujeres artistas en el arte y olvidadas dentro del currículo.
Vemos una relación de carácter intrínseco con la Lisa de la película de Hitchcock, una mujer fuerte que lucha por conseguir lo que quiere sin importar los medios afines para conseguirlo. Tanto la artista como la propia representación seleccionada están inscritas en esta afirmación que acabamos de dar.
“El florecimiento del naturalismo en el siglo XVII llevó a un nuevo auge de la descripción del coraje y la proeza física de la representación. Imágenes de heroicas mujeres, suavizadas por la retórica moral de la Contrareforma y ceñidas a los requisitos del drama barroco, sustituyeron a los ideales anteriores más pasivos de la belleza femenina. […] Sea cual fuere la variopinta y azarosa vida de Artemisia Gentilleschi - y los relatos difieren ampliamente-, estuvo marcada por una producción artística ininterrumpida (a pesar de que se casó y tuvo un hijo), igualada por muy pocas artistas”. (Chadwick, W. 1992, p.96)

Figura 5 Artemisa Gentilleschi Judith decapitando a Holofernes 
Después traigo los tres estadios de la mujer representado por Edward Munch, en la que vemos que se han representado: la infancia, la mujer adulta que ha dejado de ser una niña y la vejez.
Se podría hablar de contenidos transversales relacionados con la biología, la filosofía y la psicología.

Figura 6 Munch Recuperado de:http://www.fronterad.com/sites/default/files/2012/33/galeria_N3_B1/MujerEnTresEstados_550.jpg
Pasamos después a la representación de la belleza, ya mencionada al analizar a Gentilleschi y su obra, y vemos como lo hace Modigliani con esta representación y se puede introducir a los alumnos a conceptos de amplitud transversal relacionados con la belleza, con la literatura Kantiana, la filosofía y las diferentes representaciones de los ideales de belleza femenina en el arte a lo largo de la historia.

Figura 7 Modigliani  Recuperado de: http://www.fondazioneitalianelmondo.com/2004
Otros personajes de nuestra historia como Tamara de Lempicka y su forma característica de representar en sus cuadros la feminidad con un fuerte potencial. Evoca un poco a la figura de Lisa, tan inmaculada, bien vestida y con gestos femeninos, pero que a la vez esconde esa mirada interior de femme fatale que va a conseguir lo que se propone en todo momento a través de sus actos y estrategias de seducción.

Figura 8 Tamara de Lempicka Recuperado de:http://blogdehistoria.info/wp-content/uploads/2015/10/tami.jpg
El cuadro de Gustav Klimt “Pallas Athenea” en el que se representa a la mujer luchadora. Dentro de las obras de este artista se pueden destacar también otras obras de mayor peso. La forma de representar a las mujeres de Klimt ha dado mucho de qué hablar en su búsqueda de ideal femenino, enturbiando esa visión a otros aspectos más oscuros de la vida del artista.

Figura 9 Pallas Athenea Recuperado de: http://www.gustav-klimt.com/images/paintings/Pallas-Athena.jpg
Para finalizar esta parte sobre las mujeres en el arte, se debe mencionar a las Guerrilla Girls que plantean de qué modo están las mujeres presentes en la historia y en el mundo del arte.

Figura 10 Guerrilla Girls cartel. Recpuerado de: http://graffica.info/wp-content/uploads/01_Guerrilla-Girls-expo-AlhondigaBilbao.png
“Las mujeres que hoy se dedican a la pintura suelen verse negociando un complejo territorio al tratar de situarse a sí mismas dentro de una tradición donde han sido históricamente discriminadas en detrimento suyo, y que ha sido definida en términos masculinos. Las mujeres que asumen una postura en relación con el arte del pasado, y en especial con las tradiciones de la pintura, tropiezan con numerosos prejuicios: sobre el proceso creador, el “estilo” artístico o los métodos de aplicarla pintura, sobre los temas, etc. Mientras que algunas mujeres han tratado de resolver esos escollos descomponiendo la imaginería visual y desafiando las omisiones que en sus dogmas la historia del arte hace de casi todas las mujeres, otras han explorado críticamente los procesos de formación de la imagen y la relación entre la creación de marcas y la construcción social de la feminidad”. (Chadwick, W. 1992, p.350)
La parte final nos puede centrar el diálogo con los alumnos a la actualidad de la mirada de la sociedad ante la mujer. ¿Se ha llegado ya realmente a una igualdad entre hombres y mujeres dando igual el ámbito en el que estemos?
- Las nuevas tecnologías: Redes sociales.
Otro punto interesante a la hora de debatir sobre la película. Lo podemos centrar más en la historia, sobre todo en la secuencia seleccionada y llevarlo a un ámbito que atañe a este mundo tan tecnológico en el que vivimos.
Las redes sociales. ¿Somos conscientes o no de quien observa, quien lee y quien mira todo lo que subimos a las plataformas que tan interiorizadas tenemos ya? (Figura 9)
Pros y contras. Los peligros de no ser consecuentes al utilizar las redes sociales. Utilizar el sentido común. Generar debate.

- Obra literaria.
El cuento de Cornell Woolrich de 1942 “It had to be murder” con el que se basó Hitchcock para la historia de la ventana indiscreta.

- Otras relaciones para comparar con la película.
Ejemplo comparativo: La Rue del Percebe 13 de Francisco Ibáñez.
Ibañez. 1990. La Rue 13 del Percebe. [Figura 11]. Recuperado de: http://3.bp.blogspot.com/-6kM_Nsqhyjc/TtIdzkAoQoI/AAAAAAAABvg/tG0dlyTZ4mE/s1600/rue_percebe-_color.gif

Aquí no hay quien viva. [Figura12] Recuperado de: http://www.mundodelocio.com/television/imagenes/series/aqui-no-hay/edificio2-mini-capitulo18.png

Cinescopia. Capítulo de los Simpsons.[Figura13]. Recuperado de: http://cinescopia.com/wp-content/uploads/2014/06/6BD.jpg

Luecke, T. [TimLueckeArt] 2013. Hitchcock Animated Medley.[Archivo de vídeo] [Figura 15]. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=0JWxWTYI0Mc

Scott, J. [Scott Hardkiss] 2007. "HBO Voyeur" Trailer featuring Scott Hardkiss music. BBDO, Nueva York. [Archivo de vídeo] [Figura 14]. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=_W9RmsWpHGY



CONCLUSIONES:
Como se ha podido comprobar, dependiendo del enfoque y los temas que queramos plantear, se puede llevar a término de muy diversa índole con resultados muy satisfactorios. La mejor forma para abordar los diversos temas que se pueden relacionar con la película estaría bien que se realizaran mediante el debate o también generar un planteamiento previo para que los alumnos en casa investiguen primero y luego relacionarlo en el aula y fomentar así la investigación y participación en los diferentes temas transversales.

REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS

ARTIUM. (2016) Catálogo: La ventana indiscreta. [Recurso en Línea] Recuperado de:http://catalogo.artium.org/book/export/html/380#sthash.iGQJ529h.dpuf
CHADWICK, W. Mujer, arte y sociedad. Londres. Ediciones destino.
CONRAD, P. (2003) Los asesinatos de Hitchcock. Madrid. Turner.
DOMÍNGUEZ, E. (2011) Introducción a la historia del cine: De los hermanos Lumière al vídeo-arte. Una filmografía (El cine como forma expresiva) [Recurso en Línea] Recuperado de: http://cine-como-expresion-estetica.blogspot.com.es/
KONIGSBERG, I. (2004) Diccionario técnico Akal de CINE. Madrid. Akal Ediciones.
SÁINZ, P. MARTÍN, L. (2001) Número 132. Alfred Hitchcock. [Revista digital] Valladolid. Caja España Obra Social. Recuperado de: https://www.cajaespana.net/obs/cultura/cine/filmoteca/escritos_de_filmoteca/escritos/Nmero132AlfredHitchcock.jsp#2
TARRÍO, J.M. (2009) Historia de la Filosofía 2º Bachillerato. Madrid. Editex.
TRUFFAUT, J. (1974) El cine según Hitchcock. Madrid. Alianza Editorial.
V.V.A.A. (2001) ¡Qué grande es el cine!: La ventana indiscreta. Parte 1-6. [Vídeo digital] Madrid. Nickel Odeón. Televisión española. TVE2. Recuperado de: https://www.youtube.com/watch?v=CGCCJ9w2XxM
V.V.A.A. (2011) El Cine Como Instrumento Educativo Transversal: Las posibilidades del cine. [Recurso en Línea] Recuperado de: http://elcinecominstrumentoeducativotransver.blogspot.com.es/2011/11/las-posibilidades-del-cine.html

ANEXO 1: FOTOGRAMAS DE LA SECUENCIA:

Hitchcock, A 1954. La ventana indiscreta. [Figura 1].
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura 2].
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura 3].
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura 4].
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura 5]
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura6].
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura7]
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura 8].
Hitchcock, A. 1954. La ventana indiscreta. [Figura9].

Sufragistas (Sufragette) // Sarah Gavron (2015)

Por Lorena Fernández Prieto


Sufragistas es una película británica estrenada en diciembre de 2015. Se trata del segundo largometraje de su directora, Sarah Gavron.                    
La película cuenta una parte de la historia del movimiento por el derecho al voto femenino en Gran Bretaña. A partir de la creación de un personaje ficticio, Sarah Gavron nos mete en la piel de una militante sufragista, Maud (Carey Mulligan), una mujer de clase obrera que trabaja en condiciones de semi esclavitud en una lavandería. Sus condiciones laborales y vitales corresponden a las de la época: mujeres que comenzaban a trabajar siendo niñas, cobrando sueldos de miseria, mucho más bajos que los de sus compañeros masculinos. Muchas veces sufrían abusos por parte de los patrones, tanto laborales como sexuales. Su vida laboral en las lavanderías no duraba mucho, debido a la toxicidad de los elementos con lo que trabajaban.
La vida de Maud transcurre con normalidad, hasta que un día, mientras entrega un paquete, se ve envuelta en una acción de protesta por el derecho al voto femenino. Las militantes sufragistas tiran piedras a los escaparates, creando un clima de confusión. En medio del alboroto, Maud reconoce a Violet (Anne-Marie Duff), otra trabajadora de la fábrica, y se da cuenta de que es una de aquellas mujeres sufragistas.
A partir de ahí, Maud comienza a cuestionarse su situación y la situación de las mujeres en general y va tomando conciencia de las injusticias que soportan sólo por el simple hecho de ser mujeres. Poco a poco, y no sin reticencias, termina uniéndose al movimiento sufragista, perdiendo por el camino su empleo, su casa, a su marido y a su hijo.


 La película retrata muy bien cómo, en aquella época, visibilizarse como sufragista podía traer muchos problemas, sobre todo siendo una mujer de clase obrera. A las sufragistas se las consideraba como mujeres locas, irrespetuosas con sus maridos, caprichosas, insensatas. Los patrones podían despedirte tan solo con saber que eras “una de ellas”. Las sufragistas sufrían una ridiculización constante por parte de toda la sociedad. Los medios de comunicación las ignoraban, sus demandas y protestas no tenían ninguna repercusión, pues la sociedad creía que eran ridículas y por ello se veían abocadas a una invisibilización constante.

Cartel ridiculizando a una Sufragette
La película tiene sus altos y sus bajos, pero acierta en su representación del movimiento, sobre todo al presentar a Emmeline Pankhurst, la líder de la facción más radical en Inglaterra. Lady Pankhurst ejercía como líder absoluta, a partir de la premisa “hechos, no palabras”. Después de más de 40 años de protestas pacíficas y de intentos de llevar al parlamento la propuesta por el voto femenino -intentos que no tuvieron ningún éxito-, Lady Pankhurst decidió que era hora de cambiar la estrategia. Si protestaban violentamente, generando altercados y desorden público, los medios ya no podrían ignorarlas. Así se creó la National Union of Women Suffrage (NUWS), escisión de National Society for Woman’s Suffrage.

Emmeline Pankhurst hablando en Trafalgar Square
En la lucha por el reconocimiento de su derecho al voto, las sufragistas tuvieron algún valioso aliado, como es el caso de Jacob Bright, un parlamentario que presentó una y otra vez propuestas en la Cámara Baja para ayudar a que por fin las mujeres pudieran tener éxito en su lucha por la conquista de sus derechos políticos. Pero de igual manera, una tras otra, las propuestas y enmiendas fueron rechazadas, obligando al movimiento a buscar otros sistemas mediante los que conseguir y asegurar aquellos derechos que les eran constantemente negados. Después de 40 años de intensa lucha por medios legales las sufragistas se hartaron, y, cansadas ya de ser constantemente desoídas y desdeñadas, decidieron pasar a la acción directa. Empezaron a emplear tácticas muy diversas, todas enmarcadas por ese paso a los hechos que promulgaba su ya legendario lema, y que era una respuesta a la gran decepción de los años de lucha sin resultado alguno. A partir de entonces las sufragistas se iban a dedicar a boicotear mítines políticos, a interrumpir los discursos de los ministros, a irrumpir en las iglesias al grito de “voto para la mujer”, encadenarse a los monumentos, a realizar actos violentos contra edificios públicos, a destruir escaparates, atacar obras de arte y presentarse en las reuniones de los partidos políticos para hacer oír sus demandas. Muchos de estos actos han sido representados de una forma más o menos fiel en la película. Eso sí, nunca realizaron ningún atentado contra persona alguna, y nadie fue dañado como consecuencia de sus actos y sus protestas, pues ellas defendieron siempre no atentar contra la vida de las personas y sí contra la propiedad, ya fuera esta pública o privada, que era entendida como un símbolo. Así mismo, el espacio del museo fue para ellas un espacio de protesta, y muchas obras y museos fueron vandalizados y asaltados, pues eran entendidos como la representación de una cultura y una historia que era directamente culpable de la situación injusta en la que se encontraban ellas como mujeres, a las que les era sistemáticamente negada la posibilidad de emanciparse.
             
La Venus del Espejo de Velazquez dañada por Mary Richardson en marzo de 1914
Como resultado de esta nueva fase de la lucha de las mujeres sufragistas, muchas terminaron en la cárcel. La policía solía imponerles multas que no podían o no querían pagar y terminaban por dar con sus huesos en una fría celda. Además, iniciaron de esta forma una lucha dentro de la propia institución penitenciaria para que les fuera reconocido el estatus de presas políticas, que terminó con las mujeres declarándose en huelga de hambre y siendo posteriormente alimentadas a la fuerza bajo la ordenanza del primer ministro.

                     
Todo este recrudecimiento de la lucha por parte de las mujeres en la lucha por sus derechos y contra las injusticas sociales que estas sufrían, quedó representado en el sacrificio de Emily W. Davidson en el hipódromo de Epson, hecho que se narra muy bien en la película. Su muerte fue el culmen de una serie de actos que buscaban la visibilización del movimiento y el apoyo de la sociedad a la causa sufragista.

Emily W. Davidson irrumpe en el Derby en Epson y es arrollada por un caballo.
La muerte de Emily W. Davidson fue un hecho decisivo para el sufragismo inglés, sobre todo porque su funeral se convirtió en un acto histórico grandioso en el que una gran cantidad de carrozas siguieron al féretro desfilando por la ciudad. Pero ni tan siquiera con esta trágica muerte se consiguió que sus demandas fueran atendidas. Aún hubo que esperar muchos años más, hasta el inicio de la Primera Guerra Mundial, cuando las mujeres tuvieron que ser organizadas a petición del rey Jorge V para sustituir a los hombres que habían sido alistados para combatir en el frente. Finalmente, el 28 de mayo de 1917 fue aprobada la ley de sufragio femenino por 364 votos a favor y 22 en contra, pero tan sólo para aquellas que fuesen mayores de 30 años. Hubo que esperar hasta 1928 para que las condiciones del sufragio femenino fueses iguales a las del masculino.
En España, las mujeres tuvieron que esperar hasta el 1 de octubre de 1931 para obtener su derecho a voto -conseguido gracias a Clara Campoamor, entre otras-, derecho que perdieron después durante la época de la dictadura militar y que no recuperaron hasta la muerte del dictador.

Clara Campoamor
Como hemos visto, a través de esta película se pueden llevar al aula temas históricos como el movimiento sufragista, tanto en Inglaterra como en EEUU, incluso puede servirnos de conexión para tratar el tema del voto femenino en España y la pérdida de derechos en la posterior guerra civil y dictadura.
También se puede hablar sobre la sociedad en esa época, justo antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, y analizar sus problemáticas, así como las consecuencias positivas de la instauración del sufragio universal gracias a la heroica y feroz lucha de las mujeres sufragistas y los beneficios que supuso a la causa por la igualdad en derechos y oportunidades que iniciaron estas mujeres.

viernes, 12 de febrero de 2016

LA SONRISA DE MONA LISA

Por Raquel Cánovas



Sinopsis

Katherine Watson  es una profesora de historia del arte que viaja desde California al campus de la universidad de Wellesley en Nueva Inglaterra en el año 1953. Estamos en plena postguerra y la profesora Watson tiene en su clase a las mejores estudiantes del país a las que espera abrir muchas puertas, aprovechando las oportunidades que se les ofrezcan. Sin embargo, poco después de su llegada, Katherine se da cuenta de que la prestigiosa institución es bastante conservadora y parece tener otro tipo de prioridades que no son precisamente académicas. La propuesta de matrimonio de una joven está considerado como un premio mayor que una buena educación. Esta nueva docente cambiará esa mentalidad y las enseñará a pensar por sí mismas abriéndose camino en un mundo lleno de tradición, estereotipos y movido por el “qué dirán”. Sin embargo, a pesar de los intentos de ésta por encontrar un futuro profesional a sus alumnas, Katherine también aprende que debe predicar con el ejemplo y respetar el derecho que tienen sus estudiantes a elegir un camino u otro.

Análisis

El filme nos habla sobre la mentalidad que tenía la sociedad de los años 50 hacia la mujer. Durante la trama, se nos hace reflexionar acerca de los estereotipos, el tipo de educación, los roles creados en una sociedad machista y el papel que adopta la mujer en ella.


Nos viene a decir que el hecho de  que haya un interés por mandar a las mujeres a la escuela está encubierto en realidad por una intención de prepararlas como “las mujeres perfectas” que, como dice claramente la película: “son capaces de sazonar el pollo con una mano y esbozar una redacción con la otra” sometidas siempre al servicio del hombre, donde, su palabra no tiene peso alguno en esa sociedad, donde no se les tenía permitido pensar, opinar ni tener un juicio crítico de las cosas.
Esta película nos relata esa necesidad que tiene la mujer por progresar, por avanzar, por romper esas barreras que la tenían oprimida para poder realizarse no sólo a nivel académico sino también a nivel personal, buscando una vida más allá del matrimonio, de los hijos y del mantenimiento de la casa.
En definitiva, la trama fundamental es la liberación de la mujer, sometida a la condición social femenina de mediados del siglo XX que las chicas universitarias tienen perfectamente interiorizada y aceptada y que la profesora se niega a aceptar, convirtiéndose esta discrepancia en el tema de confrontación principal sobre el que se desarrolla la trama.
En  cuanto a temática, en la película, se tratan temas de todo tipo tales como la educación (tanto académica como personal), la familia, las relaciones personales, relaciones sexuales, religión, historia, historia del arte, arte, cultura, etc.. Pero donde se hace realmente más hincapié es en el tema de la enseñanza y en el del machismo vivido en la época donde ya se empieza a luchar por la igualdad de la mujer.
En ambos casos los dos temas principales van ligados, superponiéndose e interponiéndose a medida que avanza la historia. Cuando trata el tema educación lo hace recalcando la manera que tiene ésta de influir y manipular los pensamientos e ideas de las personas para conseguir implantar una determinada mentalidad o fin, sirviéndose de reglas estrictas de comportamiento, horarios, etc. Siempre enfatizando y promoviendo un aprendizaje por memorización en el que a las alumnas no se les permite pensar, sólo escuchar la exposición del profesor, ya que se limitan a recitar los manuales y libros que aparecen en el programa.



Pero en éste film las jóvenes universitarias de Wellesey se encontrarán de frente con otro tipo de enseñanza que contrastará drásticamente con los modelos establecidos por la universidad y que les hará cuestionarse su futuro más allá del matrimonio,  cambiando su mentalidad de “aquello para lo que han sido educadas”. Esto se hace posible al cruzarse con una profesora de historia del arte, Katherine Watson, que hará que sus jóvenes alumnas piensen por sí mismas, deformando sus conceptos cotidianos y tradiciones para abrirles los ojos ante la tradición que llevan interiorizada.



Utilizando métodos de enseñanzas constructivistas que fomentan el aprendizaje significativo, esta profesora liberal, defiende que el aprendizaje se adquiere utilizando la observación, la crítica, el análisis y el pensar por uno mismo para poder generar así nuevas ideas. Les otorgará nuevas herramientas para poder obtener conocimiento y no sólo quedarse en el hecho de memorizar, les enseña a pensar y a hacer que se cuestionen las cosas, evitando que se limiten a recitar lo que dicen los libros, y enseñándoles a construir su propio juicio crítico  rompiéndoles los esquemas con preguntas tales como ¿qué es arte? y ¿Quién decide que arte y que no?



Pero todas estas técnicas tan innovadoras confrontan con los métodos conservadores de la universidad, que da más importancia a los cursillos prematrimoniales de sus alumnas que a que éstas progresen profesionalmente. La religión, la conducta y un modo de actuar “correcto” priman más en una universidad que prefiere cuidarse por guardar las buenas apariencias que satisfacer las necesidades intelectuales y profesionales de las jóvenes, ya que han de dejarlas en un segundo plano para centrarse en lo verdaderamente importante que es el cuidado de sus futuros maridos.
A nivel técnico nos encontramos con muchos planos generales y planos detalle para enfatizar la escena y situar al espectador. El director, Mike Newell, también juega mucho con los contrastes lumínicos para crear un clima íntimo en algunas escenas y para acentuar el dramatismo en otras, acompañando en algunas ocasiones con planos picados y contra picados para acentuarlo, jugando mucho con la teatralidad. También recurre al primer plano y al plano contra plano para enfatizar una conversación importante para la trama de la película.
En cuanto a la estética de la película, podemos apreciar que predomina una paleta con tonos ocres y pardos, en la que acompañada del vestuario y de la música, el espectador puede transportarse sin esfuerzo a la época de los años 50.



Objetivos y materias transversales:

Seguidamente después del visionado de la película se trataran diversos contenidos y materias transversales:

Estudiar el momento histórico en el que transcurre la película, sacando conclusiones sobre  la mentalidad de los años cincuenta y su forma de vida.

Profundizar y sacar impresiones sobre el papel que tenía la mujer en este período de posguerra.

Reflexionar sobre lo que significa ser hombre y ser mujer en nuestra sociedad; e identificar cómo se enseña a ser hombre y a ser mujer en una sociedad patriarcal de los años 50

Identificar los estereotipos de género presentes en nuestra sociedad y saber de la repercusión de los estereotipos en la vida de las personas.

Identificar los mecanismos cinematográficos que influyen en las emociones.

Contenidos y contenidos transversales de la película:

Sociales
Religión
Ética
Arte
Plástica y visual
Historia del arte
Humanidades
Historia (años 50)
Geografía
Música
Educación
Estereotipos
Machismo/igualdad
Cultura
Educación para la ciudadanía

Propuestas para hacer en el aula

Después del visionado de la película, se les preguntará que les ha parecido la película y que parte ha sido la que les ha gustado más o le ha llamado más la atención.
Temas: Machismo y discriminación de la mujer. Igualdad de derechos y de oportunidades, tanto en la educación como en el mundo laboral.
Áreas y niveles: Educación para la ciudadanía y Educación plástica y visual. 4º E.S.O y Bachillerato.

Sugerencia de trabajo didáctico


  • Debate moderado. Se realizará un debate moderado con preguntas que hagan cuestionarse a los alumnos los diferentes temas tratados en la película y se volverán a formular las preguntas que anteriormente aparecieron en la película, sobre ¿qué es arte, que no y quién dice que lo es? Para que reflexionen sobre esa cuestión.
  • Trabajo de investigación personal: Hacer carteles publicitarios, utilizando métodos y técnicas de dibujo, diseño y pintura, que no sean machistas, donde se promueva la igualdad de derechos entre hombres y mujeres.

Posteriormente los trabajos se compararán y se trataran en una próxima sesión para intentar llegar todos juntos a conclusiones.

A modo de conclusión es interesante la recreación del ambiente social de la época, con las chicas del colegio sometidas a las convenciones sin miramientos y viéndolo como algo natural.
Creo que puede ser muy interesante para los alumnos que comparen la situación que se vivía en los 50 con la situación actual, ya que eso les hará ver algunas diferencias y cuestionarse muchas cosas, de entre todas ellas, que no siempre seguir las tradiciones tiene porque ser lo correcto, aunque todo el mundo opine que lo es.
Además me parece muy acertado el enfoque artístico que otorga la película al comparar la situación del aparentar y la mentalidad de los años 50 de mujer perfecta, con la figura de la mona lisa, que parece que sonríe y que es feliz, pero ¿Es realmente feliz o lo parece?

jueves, 11 de febrero de 2016

Cadena de favores

Por Andrea Yllera Rancaño

Cuenta la historia de un niño, Trevor (Haley Joel Osment), al que le mandan un trabajo en clase en el que ha de proponer una solución para cambiar el mundo, tratándose de algo hipotético Trevor lo lleva mas allá llevándolo a cabo. El trabajo trata de ayudar desinteresadamente a tres personas con algo realmente importante, algo que no puedan hacer por si solos, y estas tres personas deberán seguir la cadena ayudando cada una a otras tres, y así sucesivamente. Esto causa furor entre la gente ya que llega muy lejos como un movimiento.


Se trata de una película entretenida y la vez reflexiva en todos los aspectos, es interesante pues cuenta la vida de un niño de un barrio marginal y sin recursos que adopta una personalidad muy madura a su temprana edad pero no solo se centra en él, los papeles de la madre (Helen Hunt) y su profesor (Kevin Spacey) también juegan un papel importante ya que nos habla del entorno de Trevor, y forman parte de su cadena. Trevor ayuda a su madre en lo que puede, en las tareas de casa, con sus parejas, etc., el papel del hijo cambia por el de padre de familia, hombre que no quiere en su vida pues nunca se porto bien con ellos.
A través de su madre y el profesor nos mete en temas de maltrato, alcoholismo, etc., como esto no afecta solo a la persona sino también a los que están alrededor y aun que igual sea un poco fuerte el tema no nos mete imágenes violetas que nos lleven

La reflexión principal de esta película es que los pequeños detalles pueden hacer grandes cosas, no hace falta ser una mente maravillosa, ni ser rico, para poder ayudar a los demás, lo único que hace falta es voluntad. La película nos deja este termino bastante claro pasando por la cadena por gente de todo tipo, desde vagabundos, ladrones, profesores, madres, diputados, periodistas.. etc. y todos terminan llevando acabo la cadena por una razón u otra, algunos simplemente como reto pero otros por el gran agradecimiento que sienten al recibir el favor que les dieron.

Al transcurrir la película en un entorno escolar nos hace que sea mas entretenida para los alumnos, y que se vean de una manera más identificados ay que es un alumno el que cualquiera el que lo lleva acabo, vemos que hace falta ser fuerte para llevar acabo lo que se quiere y que no vale rendirse fácilmente. Es una película que habla de la superación, del reto, de la esperanza, términos que en la edad educativa son muy importantes de tener en cuenta.


Por otro lado vemos que no todo lo que queremos es posible, que hay veces que debemos recurrir a otras personas y no tratar de resolver todo por nuestra cuenta, el final marca perfectamente la personalidad del protagonista que no se rinde por nada y acaba con un final fatal tratando de conseguir llevar acabo su cadena. Esto nos enseña que podemos ayudar pero también ser precavidos, tener en cuenta nuestras posibilidades sin ponernos en peligro. Este final nos habla también de un tema importante en la escuela hoy en día, el bulling, como una simple pelea se le va de las manos a unos chicos terminando con la muerte de otro que llegado a este punto “nos cae bien” y por el cual sentimos lástima, un punto que igual busca solo la atención del publico así como darle el dramatismo y no de los mejores.


El film tuvo una gran controversia ya que es una adaptación de la novela editada por Catherine Ryan Hyde, en la cual el niño era de raza negra y posteriormente en sus próximas ediciones se cambio aun niño blanco para parecerse a la película. Pequeño fallo por parte del director, Leslie Dixon, el cual se puede apreciar en algún punto de la película, donde el ladrón, el “más” malo de la película resulta ser también de ese color. No se sabe exactamente por que lo hizo pero dio mucho que pensar en USA.


La novela también esta editada en español y la editora a formado una fundación con el nombre de la película en la que proporciona este libro para uso educativo.
La película esta citada en muchas de esas listas que usamos para escoger película que ver, como pueden ser “las películas mas emocionantes”, “las mejores películas del 2000”,  “películas aparentemente normales que tienen algo especial”. Mientras que pode ser tan valorada en este tipo de listas en Filmaffinity, pagina web que todos hemos visitado alguna vez en relación al cine, le ponen una nota bastante baja y unos comentarios negativos para lo que pudo llegar a gustar en España.
Para mi parecer y el de algún otro las interpretaciones de los protagonistas fueron realmente buenas, se meten muy bien en el papel y sobre todo Haley Joel (Trevor) que solo con la edad de unos 10 años interpreta ala perfección conocido pro sus películas como el sexto sentido o A.I. inteligencia artificial, también podemos destacar el papel del profesor, Kevin Spacey también con una larga carrera cinematográfica así como Helen Hunt, la madre.
Básicamente, creo que es buena en todos los sentidos si hablamos dentro de un ámbito educativo, igual no tiene demasiado ritmo y puede llegar a ser algo lenta, sobre todo el final, pero esta dotada de muchos valores a tener en cuenta. Película para mi muy recomendada tanto para dentro como fuera de la escuela.

Dersu Uzala (1975) de Akira Kurosawa

Por Paola Ros Bartolomé


Se trata de la adaptación al cine llevada a cabo por el director Akira Kurosawa del libro autobiográfico de viajes del explorador ruso Vladímir Arséniev,  en el que cuenta sus vivencias como cartógrafo en la taiga





siberiana junto a un anciano cazador de la tribu de los Hezhen a principios del siglo XX.
Dersu Uzala es la única película de Kurosawa filmada fuera de Japón, con un reparto no japonés y en un idioma diferente al japonés. También fue su primera película en color y en pantalla ancha.
La película comienza con una visita del capitán Vladimir Arseniev al lugar en el que años atrás enterró a su viejo amigo Dersu, antaño era un bosque pero ahora se encuentra con un aserradero. Desde este punto de partida, toda la trama está contada como un flashback que le da una fuerte nota nostálgica y melancólica a la película, identificando a la figura de Dersu como un símbolo de un tiempo perdido y añorado a modo de elegía.
Podría pensarse que los únicos papeles protagonistas son Dersu y el capitán, sin embargo, Kurosawa hace que la naturaleza tenga tanta importancia como ellos con impresionantes escenas de la majestuosidad y extensión de Siberia y luchas a vida o muerte de dos pequeños hombres frente al poder de los elementos dejándola en un lugar admirable y temible para el espectador.

La película consta de dos partes que narran respectivamente los acontecimientos de dos expediciones, una en 1902 y otra en 1907.
Dersu, interpretado por Maksim Munzuk, es un cazador nómada que vive en armonía con esa naturaleza tan terrible como hermosa, y nos muestra una forma de vivir y de entender la vida pura y primitiva. "Capitán, si cazo lo tengo todo". Los valores que nos transmite son la humildad, la generosidad, la paciencia y el respeto entre muchos otros. Se enfrenta a las vicisitudes con ingenio, valiéndose de su vasta sabiduría y de su lógica para salvar en varias ocasiones tanto su propia vida como la del capitán y su destacamento.


El capitán Vladimir Arseniev, interpretado por Yuri Solomin, es un hombre observador, amable y comprensivo que está al mando de una misión militar para recorrer y topografiar el terreno. Dersu se topa con los militares una noche, que le invitan a unirse a la expedición como guía por su profundo conocimiento del terreno y él acepta.
Primeramente, la mayor parte del destacamento toma poco en serio al cazador, incluso le ridiculizan. No profundizan en el contenido y en la enseñanza de las frases de Dersu, quedándose solo con la superficie que, ciertamente, a falta de un análisis, pueden sonar como disparates de un anciano extravagante, "El fuego, el agua y el viento son gente importante". Con el desarrollo de la trama, Dersu se va ganando la admiración de todo el grupo y entabla una sincera amistad con el capitán. Con cada acción que realiza demuestra su capacidad lógica y de observación, su ingenio y una serie de valores que progresivamente le llevan de ser el guía excéntrico a ser el alma del grupo y la mano derecha del capitán, al que impresiona especialmente, "Dersu me fascinaba, tenía un instinto increíblemente desarrollado fruto d su vida en la taiga, tenía un alma grande y limpia. Se preocupó por alguien que no conocía y que quizá nunca conocería".


Tras finalizar la misión de exploración, los caminos de Dersu y de los demás se separan de manera aparentemente definitiva, pero habiendo dejado una huella inolvidable en todos los miembros del grupo.
Cinco años más tarde, Dersu y el capitán vuelven a encontrarse casualmente mientras este último lleva a cabo una nueva expedición en una región selvática. Pero la alegría del reencuentro dura poco. A lo largo de la aventura el cazador va dando muestras de su avanzada edad, que le dificultan la caza a causa de su visión y le amargan el carácter.
Dersu se ve forzado a matar a un tigre que le obsesionaba y al que llamaba Amba, y este hecho le persigue y le hace sentir culpable, como si algo se hubiera roto en su relación con la naturaleza, dando muestras de compasión y de sensibilidad. Al finalizar la nueva misión, y viendo el estado del cazador, el capitán decide invitar a su amigo a vivir con él y con su familia en Khabarovsk, a lo que él acepta.
Una vez en la civilización, Dersu se ve imposibilitado de cazar, cortar madera o dormir a la intemperie, lo que le frustra y le entristece. Los placeres de la civilización no lo son tanto para Dersu, que se siente aprisionado y acaba por pedir al capitán regresar a su entorno a pasar el resto de su vida.


Los dos amigos se despiden definitivamente, el capitán le regala como muestra de afecto un rifle que le facilite la caza a pesar de sus problemas de vista, a causa del cual el cazador muere tiempo después a manos de unos ladrones que se lo arrebatan.

LA PELÍCULA COMO ELEMENTO EDUCATIVO TRANSVERSAL

Dersu Uzala es un innegable ejemplo de lecciones éticas que se podrían analizar en el aula. Además constituye un clásico del arte cinematográfico mundial y está reconocida por todos los críticos como una de las mejores películas de todos los tiempos, por lo que sería muy interesante analizar todos sus elementos y ahondar en su contexto y en su director.
Posiblemente, al comienzo del visionado de la película, los alumnos tendrían una visión del cazador similar a la que tenían inicialmente los soldados. Con sus piernas arqueadas, sus andares graciosos y sus frases aparentemente inocentes puede dar una impresión algo cómica a ojos de los estudiantes, pero, a medida que va avanzando la trama la película, consigue atrapar al espectador a pesar de su ritmo lento y de sus largos silencios y mostrar la esencia y el valor del personaje.
Ofrece la visión de una forma de vida y de entender la relación con la naturaleza como parte de nosotros mismos muy interesante para los alumnos de hoy en día, tan ajenos a ella en su mayoría. La representa como algo tan imponente como impotente. Imponente por su fuerza salvaje y potencialmente letal, pero impotente ante una civilización actual con unas ansias de poder y de riquezas aparentemente imparables que ya podían atisbarse en la escena en la que el capitán visita el irreconocible lugar donde descansaba su amigo.


Además de sus enseñanzas en base al respeto a la naturaleza, también nos muestra el valor y la riqueza de la amistad entre personas de diferentes culturas, como lo son el capitán y el nómada; la potencialidad del trabajo en equipo, cuando trabajan conjuntamente para lograr sus objetivos y salvar sus vida; la confianza; el respeto; la nobleza; la tolerancia; la paciencia; el esfuerzo… valores que tan a menudo se echan en falta en la sociedad actual y en especial en los jóvenes.
Sirve como análisis y debate de la contraposición entre la naturaleza y la civilización; el hogar de Dersu y el hogar del capitán; la sencillez y la avaricia; la esencia amenazante del paraíso natural frente a las comodidades de una civilización distópica.
Dersu representa a la naturaleza humana más primigenia con su ingenuidad y falta de maldad, mientras que el capitán y su destacamento representan a la civilización, que comienza por burlarse de Dersu, pasan por admirarle e, irónicamente, al final son precisamente sus exploraciones las que permiten la destrucción del hogar de Dersu y también son la causa de su muerte por la avaricia ajena hacia el único bien material del cazador. Esto puede enfocarse de tal manera que haga plantearse al alumno en qué lado de la contraposición se encuentra y cual le parece más justo, fomentando el análisis de la influencia de la sociedad en cada individuo a todos los niveles, haciéndole consciente de sus ventajas pero también de sus inconvenientes y de su papel y responsabilidad dentro del sistema social.


REFERENCIAS:
http://akirakurosawa.info/forums/topic/dersu-uzala-kurosawas-poem-of-despair/
http://dersuuzala.cba.pl/wordpress/?page_id=82


miércoles, 10 de febrero de 2016

El paciente inglés

Por Rocío Villa

A lo largo de las dos horas y media que dura la película, el, personaje de Ralph Fiennes, un misterioso conde, domina la situación en dos tiempos paralelo en el desierto, donde se enamora de una mujer casada, interpretada por Kristin Scott Thomas, y en Italia, tras la II Guerra Mundial, cuando la enfermera Hana, a quien encarna , Juliette Binoche cuida sus heridas.
Conocemos entonces  a un misterioso paciente, quemado en la mayor parte de su cuerpo y que no recuerda su vida ni quién es, perlo el mismo lo irá recordando gracias a la intervención de otros personajes y también con la ayuda de un libro que siempre le acompaña.
Anthony Minghella, director de la película nos cuenta lo siguiente: “Creo en la idea de que el corazón es un horno dé fuego, y la película nos recuerda que a veces, en nombre del amor, nos volvemos ciegos, sordos, estúpidos, traidores, inmorales, y con esto no quiero decir que eso esté mal o bien. No hay juicio en la película sino descripción de motivos. Algunos críticos han sugerido que yo asumía un comportamiento determinado y no es así. Como director no juzgo porque creo que si se hace así la audiencia se vuelve pasiva.”


Una de las cosas que el director trata de contar en la película es que la gente, en la guerra, desconoce las consecuencias de sus actos., Y también ha intentado reflejar el daño que la gente hace en nombre del amor, a sí mismos y a otros, ya que hay muchos que ingenuamente piensan en el, amor únicamente como bendición nunca como maldición. Y en el, amor coexisten los dos rasgos.
Esta reflexión del propio director de la película que puede ser interesante plantearla a los alumnos, pues generalmente se da por hecho que todos los actos realizados en nombre del amor se validan por si solos, pero la doble lectura o el simple hecho de no determinar si un acto de amor es bueno o malo abre una puerta a la reflexión del alumno.
Sobre el protagonista de la película, "No es un héroe", dice el director. "Una de las imágenes que tengo de él procede de Dante, porque durante todo el metraje se está. quemando. Esa, es su sentencia, arder por fuera y también interiormente a causa de la culpa, la pérdida del amor y la terrible ironía de las situaciones de guerra.”


La figura de Dante como un indispensable de la literatura, se puede revisar en clase y también proponer a los alumnos lecturas de su obra y localizar las similitudes que propone el director con el protagonista de la película.
El ambiente árido de el Cairo, el desierto, y el cuerpo del protagonista quemándose, todo esto apunta a la frase “El corazón es un horno de fuego”.Al  igual que esta, existen numerosas conexiones estéticas del lenguaje verbal y  visuales en la película fundido con una música que despierta la sensibilidad y puede agilizar la percepción estética del alumno.
Desde un punto de vista narrativo la manera de contar la historia mediante el continuo recurso de Flash Back, nos hace descubrir poco a poco la verdadera historia del paciente ingles, quien no recuerda ni siquiera su nombre. Gracias a un libro que siempre le acompaña y donde ha ido guardando detalles importantes para el como dibujos o manuscritos, va recordando detalles de su vida.
El hecho de que el protagonista no recuerde quien es, puede abrir un debate sobre la identidad de los individuos, sobre que nos define como personas, que resulta relevante de lo que somos y qué queda de nosotros cuando desaparecemos.
La II Guerra Mundial  y momentos relevantes como el final de la guerra, se narran en la película, algo que puede relacionarse directamente con la asignatura de Historia y Geografía. También se refleja en la película la manera de vivir de la época,  y se ven de cerca paisajes de Egipto y rasgos culturales, fundamentalmente estéticos.


Durante la película hemos visto el sufrimiento tanto psíquico como físico que sufre el paciente y es al  final de la película cuando paciente pide a la enfermera que emplee una dosis mas elevada de morfina. Ella  con la gran pena de alguien que ha ofrecido tanta dedicación y esmero a cuidar al paciente, procede a suministrar la dosis. La eutanasia es uno de los grandes debates de nuestro tiempo, y con esta escena queda abierto de nuevo para la clase.