sábado, 29 de diciembre de 2012

AMERICAN BEAUTY


Por Irene González Morán

Dice ser drama, pero es real e irónica, por tanto cómica. (No recomendada para menores de 13 años).
American Beauty es una de las mejores películas, y la mejor de 1999, según los Oscars (algo sorprendente por cómo es la película). Para mí lo es. Y además es una película que no nos deja indiferentes, que por supuesto nos hace reflexionar sobre temas como el existencialismo, la belleza, o temas aún de actualidad o preocupaciones sociales, muchas veces de los adolescentes (en ocasiones superficiales y absurdas), como el éxito y la avaricia, o la desintegración social. También trata temas “peligrosos” como la violencia, el sexo, el morbo, las drogas, que aunque los trata de manera indirectamente “sana”, quizá también sirven probablemente como manipulación social (aunque no creo que sea el objetivo principal de ello). Por esta razón hay que tener cuidado y cerciorarse de que no afecte negativamente a alumnos con problemas de personalidad o desarrollo, si no que los ayude. Las películas han de ser comentadas siempre que sea posible. La interpretación de éstas, en este caso en especial, es en ocasiones compleja para permitirse el olvidarse de esto.
El argumento consiste en y conlleva el aprendizaje de la primera lección de la película: no debe importarnos lo que nos digan, fuera la hipocresía, y el engaño (que suele ser autoengaño en definitiva) y  vive el momento, admira la belleza de la vida y todo lo que conlleva, antes, antes de que sea demasiado tarde. Y dentro de esa belleza sigue la verdad o los valores en los que tú creas (lo que te cuenten todos, amigos, familia, libro o audios de autoayuda –minuto 1, 37 de la película–  solo son una guía y no deben ser un medio de adoctrinamiento, sino deben ser valorados críticamente). Solo así conseguirás ser realmente feliz.
La película posee un buen ritmo a pesar de que en momentos se pretende que se contemple y sea lenta (abunda el ritmo analítico). Porque además de llevar a la reflexión, contiene una referencia artístico-estética muy interesante y también educativa o de referencia:

Historia: Una familia media americana, marido en la crisis de los 40 y sexualmente insatisfecho, esposa neurótica obsesionada por el éxito profesional e hija adolescente que apenas habla con ellos. Por fuera bonito y por dentro miserable, triste. Pero todo esto cambia cuando el padre se enamora de una amiga de su hija, un extraño chico narcotraficante, hijo de los nuevos vecinos y obsesionado por grabarlo todo con su videocámara se acerca a la hija y la esposa se acuesta con un hombre de la competencia en sector inmobiliario. A partir de ahora todo es caos (adulterio, drogas, corrupción de menores...), pero un caos que les ayuda a encontrar el verdadero sentido de la vida finalmente.  

Guión: El guión de Alan Ball tiene una calidad envidiable y en consecuencia ha conseguido también el deseado Oscar en el 1999.  Alan Ball, junto con el director, según Enrique colmena “no dejan títere con cabeza: familia, empresa, ejército, sexo... todo es fustigado con sorna en un filme que no dejará a nadie indiferente”.
Alan define sorprendentemente a cada uno de los personajes gracias a su guión. Aquí algunos pasajes del narrador:
Carolyn (la mujer de la familia principal): That's my wife Carolyn. See the way the handle on those pruning shears matches her gardening clogs? That's not an accident. (…) I get exhausted just watching her. Lo que nos muestra que es una mujer neurótica y además de volcada en su trabajo.

Reflejo de la obsesión de Carolyn
Jane (la hija): Janie's a pretty typical teenager. Angry, insecure, confused. I wish I could tell her that's all going to pass... But I don't want to lie to her. Define a Jane como una chica adolescente con los típicos problemas de su edad. Y además se puede ver el pesimismo de Lester, el protagonista.
Lester (el padre): Both my wife and daughter think I'm this gigantic loser, and…they're right. I have lost something. I'm not exactly sure what it is, but I know I didn't always feel this... sedated. But you know what? It's never too late to get it back. Así es, perdedor al principio, pero más tarde se encuentra.
Angela (la amiga de Jane) y sus palabras: If people I don't even know look at me and want to fuck me, it means I really have a shot at being a model. Which is great, because there's nothing worse in life than being ordinary. (Como si ser modelo no fuese ordinario). Angela aparenta ser una chica con éxito entre los chicos y promiscua, pero en realidad solo es una tapadera de sus inseguridades.
Finamente me gustaría destacar las últimas palabras del guión que son un claro acercamiento al existencialismo y que me parecen literariamente preciosas: I guess I could be pretty pissed off about what happened to me... but it's hard to stay mad, when there's so much beauty in the world. Sometimes I feel like I'm seeing it all at once, and it's too much, my heart fills up like a balloon that's about to burst...
...and then I remember to relax, and stop trying to hold on to it, and then it flows through me like rain and I can't feel anything but gratitude for every single moment of my stupid little life...
You have no idea what I'm talking about, I'm sure. But don't worry...
You will someday.

Interpretación: Cada personaje es el reflejo de un estereotipo social, todos diferentes. Y todos los personajes o actores están acertadísimos. En particular la interpretación de Kevin Spacey es buenísima y su personaje también. En las siguientes imágenes se muestran dos partes del zoom que se hace a Lester ensimismado al ver a Angela por primera vez y termina en un primerísimo primer plano que muestra un poquito de la gran interpretación del actor.


Descubrimiento de Angela por Lester 
O como se regocija (siguiente imagen) tras rebelarse contra su mujer con estas palabras (buen guión pero la interpretación destaca aún más):
On what grounds? I'm not a drunk, I don't fuck other women, I don't mistreat you, I've never hit you, or even tried to touch you since you made it so abundantly clear just how unnecessary you consider me to be. But. I did support you while you got your license. And some people might think that entitles me to half of what's yours.

Felicidad de Lester 1
Felicidad de Lester 2
 Fotografía: La imagen es bastante fría o desconcertante al principio, algo que refleja la situación emocional de la mayor parte de los personajes. Esa frialdad se puede ver en las imágenes de las dos familias del largometraje que se muestran a continuación. Paradójicamente dos lugares donde se trabaja la sociabilidad y la compañía en familia (la mesa y el sofá).


Familias frías 

La escena y la fotografía en la que se proyecta la bolsa  se recuerda como mágica. Alguna razón habrá. Pero existen muchos más encuadres que revelan las razones por las cuales se llevó Conrad L. Hall el tan apreciado premio americano de los Oscars.  La estética de la rosa como metáfora de la belleza aparece a menudo en la película y acertadamente.  Una de mis fotogramas preferidos es en el que Carolyn aparece apoyada en los cercos de la puerta del salón donde se encuentra Lester sentado cómodamente (también a continuación). También me parece genial el contraste en un mismo plano de la foto de familia, Lester y la pistola.

Metáfora rosa como belleza americana
Composición de fotografía 
Fotografía de detalles
Música: La música se quedó en una nominación pero tampoco está mal. El tema principal se mete en la cabeza y no sale y siempre se relaciona con la película. Intimista en sus momentos, pero adecuada a cada circunstancia. Las comidas a lo “Carolyn”,  los temas roqueros dan vida cuando comienza a haber vida en los personajes, etc.

Conclusión: Con el título se puede comentar otra lección: La verdadera belleza no es la del “american way of life”, no. Es la verdadera belleza, la que descubren los personajes al final (Angela se desmaquilla, Jane ya no quiere operarse los pechos, etc. La belleza no es una fachada, la belleza se puede contemplar en cada una de las cosas (And this bag was just... dancing with me. Like a little kid begging me to play with it. For fifteen minutes. That's the day I realized that there was this entire life behind things, and this incredibly benevolent force that wanted me to know there was no reason to be afraid. Ever. …Sometimes there's so much beauty in the world I feel like I can't take it... and my heart is going to cave in.), en la bolsa que no se olvida tras ver la película y que simboliza toda la belleza que nos perdemos por centrar la mirada en otras cosas más superficiales.
La contextualización se debe de realizar para adquirir un aprendizaje más significativo. Tanto en 1999 como en la actualidad existen familias como estas y se debe desmitificar el sueño americano. Con esta película se puede hacer.
En cuanto a las posibilidades transversales genéricas, se trabajan tanto la comprensión lectura como la verbal u oral. Y se fomenta la reflexión.

Referencias: 
Guión original: [en línea] http://www.dailyscript.com/scripts/AmericanBeauty_final.html. 25/12/12
Colmena, Enrique. “Vitriolo en celuloide”, [En línea]. Criticalia. http://www.criticalia.com/pelicula/american-beauty/51. 25/12/12

jueves, 27 de diciembre de 2012

La clase

Por Carolina Romero Trueba

Ayer viendo esta película no pude evitar pensar en nosotros futuros profesores. François es un profesor que se ve envuelto en problemas de distinta índole al los alumnos no aceptar su metodología. François no duda en enfrentarse a sus alumnos, aunque esto en ocasiones se vuelve en su contra formándose un grupo de resistencia a él como maestro.
Con esta película el espectador no queda indiferente. La película nos presenta un instituto de un barrio humilde de inmigrantes de París y nos relata lo que ocurre durante un curso lectivo. Comenzamos viendo a los profesores antes del primer día de clase y finaliza con la típica entrega de notas. Antes de la entrega de notas transcurre "la batalla del curso". Cada día de la semana es una nueva batalla entre profesorado y alumnos. Todos hemos vivido situaciones de este tipo en las aulas, la relación profesor-alumno no es fácil (aunque siempre haya excepciones), las relaciones cada vez son más tensas, los alumnos más rebeldes y los profesores cada vez pasan más de todo. François es un profesor que no pasa e intenta responder a los alumnos, aunque su asertividad no siempre favorece.
La clase además de mostrar una serie de conflictos sociales y de narrar lo que sucede en un instituto, nos transmite como se tambalea el sistema y los profesores se ven absorbidos por este. Una situación preocupante que se ve reflejada al final de la película con las palabras de una alumna.



En la película encontramos diferentes situaciones reales que nos podemos encontrar en las aulas y como profesores tenemos que tener cuidado.
1. Una estudiante que se niega a participar en clase al sentirse intimidada y presionada por el maestro.
2. El arresto de la madre de uno de los mejores estudiantes del colegio, que coincide con el embarazo de una profesora.
3. El bajo rendimiento académico general.
4. La falta de motivación por parte de los alumnos.
5. Los conflictos sociales, dentro y fuera del aula. La agresión.
La clase podría considerarse una película documental, por la realidad de sus escenas, por la ausencia de música, si quiera tiene presencia en los créditos.
Sin duda más allá del entretenimiento el cine es un poderoso recurso informativo como vemos en esta película, gracias al que se accede a conocimientos culturales, prácticos, incluso científicos así como tiene la capacidad de hacer reflexionar al espectador, de posicionarse y de desarrollar juicios críticos, por ejemplo analizando los estereotipos que aparecen. El cine involucra al espectador, tanto en la dimensión cognitiva como en la afectiva, social haciéndonos participes.
La educación podría recuperar su "sentido", y el cine puede colaborar ayudando a los educadores a enterarnos antes que el resto de cómo se presenta la realidad, y a ver las soluciones que este ofrece, en este caso situaciones que nos podemos encontrar en el aula.




sábado, 3 de noviembre de 2012

Die Welle, o los profesores que quieren cambiar el mundo


Por Pablo García Romano

Denis Gansel dirigió en 2008 este film en Brandenburgo, Alemania, y supuso un alto éxito de taquilla, a pesar de tocar de manera tan directa un tema tan tabú para los teutones como es el Tercer Reich y las causas sociales y de manipulación de la población que llevaron a Hitler al poder a través de unas elecciones.
Es el tipo de largometraje que funciona por si mismo y es lo suficientemente explícito (a pesar de sus sutilezas) como para que no haga falta explicar nada del argumento principal, el relacionado directamente con el nazismo y sus infinitos paralelismos con la clase de instituto que nos presenta Gansel.


 Sin embargo el siguiente tema que hay por debajo es igual de interesante: la educación. Concretamente las técnicas de educación modernas o con pretensiones de innovar e implicar a los alumnos de manera activa y participativa, incluso, como en este caso, asumiendo roles de comportamiento de manera dogmática.
El suceso está basado en el experimento de Ron Jones en Palo Alto en 1967, y aunque la película lo lleva más allá por una cuestión de efectismo (puro guión, vaya) da unas nociones bastante claras sobre cómo una metodología que incluye juegos de rol o manipulación del individuo puede afectar a jóvenes con alguna inestabilidad emocional como la necesidad constante de ser aceptado por un grupo social determinado.


Esto junto a un profesor que esté más interesado en sus proyectos o experimentos pedagógicos y lo anteponga a las necesidades reales de su grupo de alumnos puede derivar en un verdadero problema si no asumimos que en la etapa de los 13 hasta los 19 años (y en algunos casos incluso más allá) el adolescente está aun conformando su personalidad, y manipularlo puede tener consecuencias directas; por hacer un símil, una persona adulta a la que manipulamos en un juego de rol sería como una de esas pelotas ‘antiestrés’ que recupera su forma pasado cierto tiempo dependiendo de la fuerza con que la apretemos, pero un adolescente con carencias afectivas, con poca inteligencia emocional o analfabeto funcional puede ser como una bola de arcilla sobre la que, si presionamos, deformamos en algunos casos de manera irreversible, y asumir como modelo de comportamiento lo que se preveía que él iba a entender como ejemplo de lo contrario.


Como siempre, la clave no está en la enseñanza mediante manipulación, sino en la capacidad de dar opciones al adolescente, o dicho de una manera más simple: si quieres que tu hijo sea ateo, llévalo a un colegio de monjas. Las decisiones lógicas se toman por uno mismo.

La peli completa:

http://www.youtube.com/watch?v=G-bJ-zpBXLc

viernes, 2 de marzo de 2012

TheDevil and Daniel Johnston. De Jeff Feuerzeig (2005)


Por Alberto Navarro

Me parece un filme ideal para trabajar con alumnos de educación secundaria. Además la propuesta podría cobrar mayor significación y dimensión al coincidir con  el anuncio de La Casa Encendida de dedicar una retrospectiva a su obra, bajo el título “Visiones simbólicas”. Una mirada al universo de Daniel Johnston, hasta ahora bastante ignorada en España, del 26 de Abril al 10 de Julio de 2012.
Yo propondría esta película como una manera de preparar a los alumnos antes de ir a visitar la exposición y si fuese posible presenciar el concierto que según el ABC (http://www.abc.es/20120228/cultura-musica/abci-daniel-johnston-201202281225.html) , dará el 18 de Abril (imagino que para inaugurar la exposición, porque las fechas no me cuadran demasiado según las fechas de La Casa de Encendida) también en La Casa Encendida.
Centrándome en la película, no diría que fuese un documental, al menos no uno convencional.  Reúne y narra momentos cruciales de la vida de Daniel Johnston, un artista multidisciplinar (dibujante de cómics, ilustrador, compositor, cantautor, etc.) norteamericano, poco reconocido por el público en general e icono de la escena underground. Un artista marcado por sus enfermedades mentales y al que le han ido diagnosticando trastorno bipolar, depresión maniaca y esquizofrenia.
Pero, lo hace con tanta pasión y cuidado y delicadeza que es obvio que el director,Jeff Feuerzeig, como seguidor de la obra de Jonhston,  que desde finales de los años ochenta estuvo más de diez años recopilando información y documentos,también vuelca parte de su visión acerca de la obra y vida de Daniel. En cualquier caso, algo que la avala es el premio de mejor cinta documental en el Festival de Sundance en 2005. Así que mis consideraciones acerca de, bajo qué parámetros clasificar el filme valen bien poco. Buscando información en otras fuentes he visto que emplean  para referirse al filme el términobiopic, pero no sé si es el más adecuado. Quizá autobiopic, pero me parece demasiado rebuscado.
La película nos muestra  la vida de Daniel desde su infancia y adolescencia a través de múltiples fotografías y testimonios de su familia y amigos , cintas en formato súper 8 grabadas por el propio Daniel  (y donde suele alternar y representar el mismo todos los papeles),sus dibujos y cómics y sobre todo y brillando e integrando todas estas facetas creativas, su música.
Es un documento interesante para acercarse a este artista y su obra, tan fabulosa como poco conocida.
Una vida, y una tendencia a la creación artística que muchas veces  cobra la apariencia de terapia. Da la sensación de que estas ocupaciones artísticas de Daniel son lo único que, a duras penas y haciendo equilibrios imposibles, lo unen al mundo convencional, coherente y sano.
Parece la forma que tiene Daniel Johnston de exorcizar sus demonios  o según sus palabras textuales “patearle el culo a Satán” e intentar no hundirse.
Estas confrontaciones  con satán,  su fiebre cristiana, su admiración por la música de The Beatles y los cómics dibujados por Jack Kirby, la concepción de su salud mental deficiente se vuelven recurrentes a lo largo de toda su trayectoria tal y como nos lo cuenta el filme y como podemos ver en las canciones de Daniel.
Junto al absurdo  amor no correspondido que Daniel siente por su musa Laura Allen,  son el epicentro de sus creaciones y hacen de él un personaje entrañable. Parece William Blake reencarnado. Incluso en su forma de dibujar podemos encontrar un rastro del místico artista inglés del siglo XVIII y ver la repercusión, vigencia e influencia que su obra sigue teniendo aún.
Además subyaciendo en toda la película están algunas de las viejas interrogantes que todos nos hacemos alguna vez y que sería importante empezar a tratar con aquellos que quieren polarizar sus estudios hacia el conocimiento de lo artístico.
¿Qué es verdaderamente el arte? ¿Para encontrarnos ante un genio artístico tenemos que valorar una vida particular, atormentada y a la vez sugerente?
¿El artista es como Midas y todo aquello que toca se convierte en oro?
O más que eso ¿su vida se ve atravesada por esa genialidad y es arte en si misma? ¿Es esto lo que muchas veces los vuelve, a partes iguales, desgraciados malditos y atractivos y cautivadores : su excesiva lucidez y genialidad les condena a una excesiva sensibilidad y consciencia acerca de la vida?
Esta lucha entre lo divino y genialidad de la faceta artística y lo mundano, vulgar y dificultoso se ve claramente en Daniel Johnston produciendo unas canciones increíbles y trabajando en un McDonalds.
Otra idea es lo cercanas que parecen la genialidad y la locura cuando atendemos a la vida extravagante de algunas personalidades artísticas, véase Van Gogh, AntoninArtaud, Lord Byron, etc.
Parece evidente que muchos se han visto atraídos por forzar estas dimensiones del sufrimiento y el autoconocimiento a través de un camino lleno de tormentos experimentando con drogas,  en busca de alcanzar la genialidad o al menos ver hasta donde son capaces de ir a la deriva. Daniel Johnston no parecía necesitar consumir ningún tipo de sustancia para ir a la deriva y sin embargo producir creaciones alucinantes. Tan obsesionado estaba con convertirse en un artista convencional que se lanzó a probar con el ácido y otras drogas, pues es lo que los músicos reconocidos que él admira hacen.
Daniel Johnston estaba convencido desde su niñez de que lograría ser un músico famoso. Razones no le faltaban.  Al ver esta película me ha dado la sensación de que parte de lo agravado de su situación mental radica en su excesivo empeño por ser un artista y lo complicado que esto puede llegar a ser.  Al final Daniel conseguiría salir por la MTV, la cadena en la que veía a sus ídolos. Pero esto no serviría para más que para, según sus propias palabras, vivir sus sueños rotos y es que, siempre que estuvo cerca de ser reconocido Daniel se saboteó así mismo.
Hacer una mención a la calidad sonora del filme me parece de Perogrullo. Queda claro, desde los títulos de apertura, cuando un gigante y desvalido Johnston se presenta con una ridícula guitarra -que en sus manos parece de juguete- y se arranca a tocar Sillylove, que es uno de los mejores músicos del pasado siglo. Sú música y sus creaciones han sido reivindicadas por otros grandes y mucho más reconocidos artistas  como David Bowie, Tom Waits, MattGroening,KurtCobain,  Beck, Sonic Youth, Yo la tengo, Bright Eyes, etc.






Algunos links interesantes para seguir leyendo e investigando sobre Daniel Johnston.
http://medicinaycine.blogspot.com/2008/09/el-diablo-y-daniel-johnston.html
http://www.youtube.com/watch?v=Ditm-KetUnY
http://www.filasiete.com/articulos/the-devil-and-daniel-johnston-la-historia-de-un-genio-artistico

EL PERFUME


Por María Gómez.

Por supuesto que cualquier película se percibe. Pero rápidamente pasa a través de nuestros ojos y pone en marcha toda clase de mecanismos emocionales e intelectuales (pero no siempre sensoriales) sin que nos demos cuenta de ese “paso por nuestros ojos”. Viendo cine es difícil ver el acto mismo de ver -sin hablar de lo difícil que resulta tocar, oler o gustar, viendo-,  pues no todas las películas ponen de manifiesto la importancia del proceso perceptivo.
Cuando vemos una película, en la oscuridad de una sala, nos convertimos fácilmente en otros, dejando atrás nuestro cuerpo. Tenemos la capacidad de olvidarnos de nosotros y proyectarnos en los personajes reflejados en la pantalla. Nuestra percepción, nuestra capacidad de abstracción y nuestra habilidad en la lectura de imágenes son sofisticadas hasta el punto de posibilitar que nos introduzcamos en la historia de la que estemos siendo testigos. Y por ello es tan difícil darse cuenta de cómo nuestra mirada mira hacia adentro…
Así pues, propongo la película de El perfume, no solo por las muchas posibilidades que ofrece para un trabajo transversal e interdisciplinar,  sino porque creo que funciona especialmente bien para hacernos partícipes, con nuestros sentidos, de lo que se cuenta. Y porque nos hace darnos cuenta de cómo incluso cuando vemos algo por primera vez, podemos reconocer y compartir muchas experiencias gracias a nuestra propia memoria sensorial.
Destaca en esta película el llamamiento a los sentidos a través de la imagen: su manera de apelar al sentido del olfato desde el poder de evocación de la imagen y la descripción que hace, desde sí misma, del fenómeno de la sinestesia.
La sinestesia en sentido psicológico es la imagen o sensación subjetiva, propia de un sentido, determinada por otra sensación que afecta a un sentido diferente.
Tal vez, entender lo que es esta sensación explicándolo con palabras sea posible porque, al hacerlo,  se pongan en marcha mecanismos sinestésicos  que conecten sonidos con imágenes e ideas (lenguaje). Pero de lo que no hay duda es de que esta película se construye poniendo en juego este fenómeno constantemente. Por eso pienso que define lo que es la sinestesia de manera sinestésica, y eso la dota de una suerte de lógica interna que nos llena de placer descubrir.
Para el cine es todo un reto llevar a la gran pantalla una novela como la de Patrick Süskind, quien, con su relato, conseguía hacernos oler. Leyendo su novela podemos apreciar olores conocidos, otros en los que no solemos reparar, y otros que yacían olvidados en nuestra memoria olfativa. Su gran logro es el de hacernos soñar con un mundo por descubrir: un mundo lleno de nuevas fragancias y olores que incluso sin conocer ya “nos hacen la boca agua”.
En este sentido la película se ciñe a la novela homónima. Sin embargo la manera de evocar el efímero mundo de los olores se plantea de manera radicalmente distinta en uno y otro, pues no se accede a él de igual modo mediante la palabra que a través de la percepción visual. Mucho podría hablarse pues de cómo se ha resuelto el problema de la adaptación del libro,  de lo condicionada que queda nuestra visión de los personajes por cómo se nos presenten ( en función del medio por el que son percibidos) y la importancia de la imaginación en el caso de la literatura. Pero, para centrar la cuestión y dar un paso, desde el reconocimiento y la valoración de lo sensible en esta película, hacia lo que de esta historia tiene más que ver con la razón, no voy a quedarme en este punto.
Me interesa señalar los muchos niveles de lectura que tiene esta película, y la riqueza que podemos extraer de cada uno de ellos.
Tanto la novela como la película son un buen pretexto para acercarse al contexto histórico, social y cultural de la Francia del siglo XVIII, unos años antes de la Revolución.
Podemos empezar por preguntarnos porqué Süskind eligió ese lugar y esa época para situar a su protagonista, si la historia de un asesino puede ubicarse en cualquier momento. Desde luego no parece deberse a que el mundo de los olores tuviera más importancia en el siglo XVIII que en cualquier otro. Pero sólo ese momento hace posible situar a Grenouille junto a otros monstruos geniales, como De Sade, Sain-Just, Fouché o Napoleón .

“En el siglo XVIII vivió en Francia uno de los hombres más geniales y abominables de una época en que no escasearon los hombres abominables y geniales. Aquí relataremos su historia. Se llamaba Jean-Baptiste Grenouille y si su nombre, a diferencia del de otros monstruos geniales como De Sade, Sain-Just, Fouché, Napoleón, etcétera, ha caído en el olvido, no se debe en modo alguno a que Grenouille fuera a la zaga de estos hombres célebres y tenebrosos en altanería, desprecio por sus semejantes, inmoralidad, en una palabra, impiedad, sino a que su genio y su única ambición se limitaban a un terreno que no deja huellas en la historia: al efímero mundo de los olores."


En este contexto presentar a un personaje como Grenouille se hace mucho más significativo: con el debate sobre la naturaleza moral del hombre abierto –por aquel entonces planteaba Rousseau que el hombre es bueno por naturaleza a través del mito del buen salvaje- sitúa Patrick Süskind a nuestro protagonista. Grenouille, que ha crecido alejado de los hombres, parece haber sido un monstruo desde el mismo principio de sus días. “Eligió la vida por pura obstinación y por pura maldad."
Un personaje tan depravado y maldito - que no sigue más reglas que las que su propia ambición le dicta,  que ansía capturar los olores, para combinarlos y hacer que de ellos resulte una belleza tan sublime que haga a la gente amarle- parece lejos de la concepción roussoniana del hombre. Pero su comportamiento se acerca, en cambio a las ideas de Jonathan Swift (podríamos ver el parto de la madre de Grenouille en el mercado de pescado a la luz de la modesta proposición de Swift)  o Thomas de Quincey sobre el asesinato. Este último defendía- en clave de humor- que cuando el asesinato está cometido y no podemos hacer nada por las víctimas, debemos dejar de considerarlo moralmente y pasar a juzgarlo como obra artística según las leyes del buen gusto.












 

  




 


De modo que esta historia, que se nos presenta con la sencilla apariencia de un cuento, (acusando sus rasgos más fantasiosos, como los catastróficos desenlaces de las personas que rodean a Grenouille cuando él se aleja de ellos, los temblores en París…) es un perfecto pretexto para acercarse a la historia, a la literatura, a la filosofía y al arte. A partir del mundo de las sensaciones podemos adentrarnos en el escabroso terreno de la historia del XVIII, que pese a la luz de la Ilustración, permanece todavía en la penumbra.

lunes, 27 de febrero de 2012

Nightwatching (La Ronda De Noche) de Peter Greenaway


Por Paula Fernández

Sinopsis:
En 1642, Rembrandt era un pintor conocido y respetado en toda Holanda. El artista consideraba que su último encargo, un retrato de grupo de la milicia de arcabuceros de Ámsterdam, no estaba a su altura, pero terminó aceptándolo ante la insistencia de su esposa. A medida que se adentraba en el mundo de los mercaderes, Rembrandt iba descubriendo un entramado de corrupción que terminaría en un crimen espantoso. El artista decidió denunciarlo en su obra, sin saber que esto sería el inicio de su declive personal y profesional.
La película está clasificada para mayores de 13 años, por lo que sería adecuada para proponerla en Bachillerato, en asignaturas como Imagen o Historia del Arte.
Temas a tratar en el aula:


La historia detrás de un cuadro
Es una buena película para introducir a los alumnos en el mundo del arte. En ella se presenta todo lo que puede haber detrás de un cuadro o un artista: El contexto histórico, el social y el del propio artista; por qué pinta eso, por qué así, y qué intenta decirnos. Es un acercamiento a la complejidad que pueda tener cualquier obra de arte.
La composición, la imagen y la estética
Es una obra con una fotografía muy cuidada, con composiciones muy teatrales. Hace uso del claro oscuro y alude constantemente a bodegones pictóricos de la época, ayudándose de todo ello para enmarcar la composición. De esta forma nos muestra teatro y pintura a través del cine. Se pueden tratar cuestiones como los fundamentos sintácticos de la alfabetidad visual, el principio de adecuación al marco espacial, la estructura espacial de la imagen, el peso visual, las direcciones visuales, el equilibrio visual, tipos de composiciones y esquemas compositivos.


 • Color
En la película puede analizarse la labilidad de color, las sugerencias asociativas del color, por ejemplo en esta escena en que Rembrandt habla de cómo explicar los colores a un ciego, así como de las síntesis aditiva y sustractiva y el efecto Purkinje. También puede analizarse la percepción visual y cómo funciona la visión humana.
Ritmos
Durante el desarrollo de la película se aprecia la importancia de una continuidad y de un ritmo narrativo, lo que puede ser tema de estudio con los alumnos.

El Bosque Animado de José Luís Cuerda


Por Paula Fernández

Basada en la novela homónima de Wenceslao Fernández Flórez, en esta película se relata el fantástico mundo del bosque animado, donde ocurren diversas historias. Un bandido, un pocero, una niña que trabaja, un chico que no quiere trabajar, una muchacha que emigra, un fantasma que busca compañía... Estos, y otros personajes, constituyen el diverso panorama que vamos descubriendo entre los árboles de "El bosque animado".
Esta propuesta podría ser adecuada como acercamiento a la literatura, para proponer un análisis comparativo entre la novela y su adaptación a guión cinematográfico. Teniendo en cuenta que es para todos los públicos se podría proponer en diversos cursos.
Podemos analizar una serie de aspectos que se podrían proponer en el aula:
La obra en su adaptación cinematográfica ha sufrido ciertas variaciones y modificaciones. Se han eliminado fragmentos de historia  debido a las limitaciones propias del medio (tiempo, coste y aceptación del público).
La singularidad de la obra de Fernández Flórez frente a un tono más costumbrista de la adaptación de José Luis Cuerda. Aunque la adaptación es de calidad, la obra del literato la supera gracias a un mayor tono fantástico. Ello se debe a que el tema principal del libro no es la acción de un personaje o personajes principales, sino la fraga de Cecebre y sus diversos habitantes. Así, en la obra de Wenceslao Fernández Flórez vemos un mayor tratamiento de los animales y plantas, que son los elementos más relevantes de la Fraga, y este hecho queda menos patente en la obra de Cuerda. Sin esta fauna y flora a la que en el día a día no prestamos la atención que se merecen, nuestra vida en este planeta sería imposible.
Éste es un aspecto que no queda tan claro en la obra cinematográfica. Todas estas criaturas tratadas como fantásticas en la novela, en la adaptación prácticamente no aparecen, y si lo hacen no se exponen de este modo místico y lírico. El único personaje irreal de la fraga que queda reflejado en la película es el alma en pena de Fiz de Cotobelo y la Santa Compaña. Todos estos seres no representados, además de aportar un aire surrealista, hacen referencia a otros aspectos que en esta adaptación quedan sin expresión o se les concede menos importancia. Véase los árboles y el telégrafo como oposición entre lo tradicional y las nuevas tecnologías.
Otra gran diferencia es la división de ambas obras en el tiempo. Si bien en la adaptación fílmica José Luís Cuerda ha realizado un entrelazado de historias, Fernández Flórez busca una división más o menos rígida con las llamadas “estancias”.
Es interesante el paralelismo de la novela y la película con la obra del escultor vasco Agustín Ibarrola, en el bosque de Oma. En su obra, el escultor dota de vida fantástica a los árboles, rocas y paisaje, por medio del color; pintando en los troncos de los árboles figuras geométricas, humanas o animales y llenando de habitantes mágicos el bosque.

EL MONOLITO EN EL INSTITUTO

Por Alba Ceide


Lo atractivo de la ciencia ficción reside en alejarse del argumento y llegar a elucubrar sobre futuros indescriptibles. Un detonante que impulsa la mente hacia otras fronteras jamás exploradas lanzando al espacio las preguntas sin respuesta que tanto han fascinado a la psique humana.
La sed de conocimiento del hombre es insaciable y la ciencia ficción permite esas reflexiones, en ocasiones descabelladas, que nos inquietan. La adolescencia desafía los dogmas con posibilidades que unos años más tarde tintaríamos de pueriles. Alimentar la mente juvenil con relatos de ciencia ficción no sólo puede ser enriquecedor si no que resultará fascinante.

Por ese motivo me aventuraría a proyectar en un instituto “2001, Una Odisea del Espacio”. Desde luego acompañado de la lectura de la novela de Arthur C. Clarke.
Imagino que lo interesante sería desarrollar una unidad didáctica en torno a ello. ¿Por qué no? Hay mucho material disponible al respeto. Quizá, la unidad debería comenzar con unos breves destellos sobre su argumento. Destellos que no serían más que: “Vamos a ver una película sobre unos monos que evolucionan”. ¿Sería necesario decir más? No.
Pero nosotros si podríamos ahondar más. “Unos monos que evolucionan con la ligera ayuda de…”
He aquí la cuestión principal en las tertulias de café. Desde luego, este aspecto es despejado en la novela de Clarke, pero Kubrick no lo deja tan claro. De todos modos podríamos repasar ciertos datos del film para completar la anterior sentencia y descubrir quién se ha dedicado a esparcir losas por el espacio.


Lo primero que hay que tener en cuenta es que ha aparecido un inmenso ladrillo negro sobre las rocas. Si hasta el momento, los seres vivos más evolucionados del Planeta Tierra eran los mono-humanoides, malamente una tortuga o un escarabajo pelotero podrían haber construido tal cosa. Pero nuestra estupefacción inicial se vuelve fascinación cuando una segunda losa (TMA-1, Tycho Magnetic Anomaly One) aparece sobre la superficie lunar. Es descubierta por unos mono-humanoides que han sido capaces de embutirse en trajes espaciales. La pandilla primate de Moon-Watcher ahora es capaz de desplazarse entre los planetas y ha conseguido alunizar en el cercano satélite.
Ahora sabemos que fuera lo que fuese el ente, cosa o ser que repartió las losas espaciales no sólo debe de ser más antiguo que el hombre si no que su nivel tecnológico y cognitivo le permite adaptarse al espacio. Es una reflexión obvia. Pero más importante es recordarla.
El ladrillo negro que encuentra Dave resulta todavía más esclarecedor. Y si atendemos a los momentos puntuales en los que aparecen estas oscuras construcciones quizá descubramos su razón de ser.
Mono-humanoides primitivos. Humanos en la luna. Dave en la puerta de las estrellas (siguiente losa en la órbita de Saturno para Clarke, Júpiter para Kubrick)


Hace unas semanas escuché otras opiniones sobre el argumento de “Una odisea espacial”. Hasta ese momento jamás había pensado en Dios como posible constructor de tales arquitecturas rectangulares. Sigo sin pensarlo. Pero lo cierto es que fuera Dios o una civilización alienígena superior quien insuflara el espíritu evolutivo en los primates, el discurso no cambia en absoluto. Seguimos hablando de evolución. Dudo que la intención de Kubrik fuera el creacionismo. Y mucho menos el creacionismo evolutivo. En el caso de que el director hubiese tratado de representar a Dios por medio de una estructura geométrica no lo haría sin la evolución de su ser. Del mismo modo que los alienígenas de Clarke han evolucionado, Dios habría comenzado siendo un primitivo ente que habría llegado a un nivel superior. Un retazo de humor, incluso en “El Árbol de la Vida”, la madre señalaba al cielo indicando la morada de Dios. Allá entre las estrellas. Más allá de la órbita de Saturno. Más allá del Sistema Solar y de la Vía Láctea. Quien busque el final del camino jamás lo encontrara en Dios.


Uno de los aspectos básicos de la educación es mostrar que no siempre hay una respuesta. Que en muchas ocasiones no llegamos a discernir lo que hay más allá de la punta de nuestra nariz. Este no debe ser el motivo por el que establezcamos límites invisibles para tratar de calmar nuestra insaciable sed de curiosidad.
No hace mucho he visto el documental “El Universo de Stephen Hawking” en el que el científico decía: “Hemos descubierto más acerca del cosmos en el último siglo que en toda la historia de la humanidad. Finalmente estamos resolviendo los misterios básicos que dejaron perplejos a nuestros ancestros durante al menos doscientos mil años. Lo que más me gusta de todo es que los hechos son increíblemente sutiles y sorprendentes”. Acerca de la teoría que expone en el documental: “En mi opinión una historia fascinante y mucho más extraña que cualquier explicación que hubiesen pensado nuestros antepasados”
Resulta fascinante el planteamiento de “2001” en el que un Dave muere para dejar paso a un Dave inmortal. Conocimiento puro. Quizá el último estado evolutivo para el hombre. El último que tuvieron los alienígenas que ayudaron al desarrollo cognitivo de los primates. Nuevamente, Hawking: “Cuando entendamos realmente por que existe el universo. Puede que entonces, cuando por fin hayamos resuelto el enigma cósmico y nos convirtamos en masters del universo, del nuestro y del de al lado”
La película “2001, Una odisea del espacio” puede ser una potente herramienta interdisciplinar para hablar de evolución. Acompañado de la novela de Arthur C. Clarke, de su relato “El centinela” y por que no, de “El hombre que evolucionó” de Edmon Hamilton.
Incluso permite acercarse a la inteligencia artificial, que no se ha tenido en cuenta en el presente escrito. Quien desee hacerlo, que lo discuta con Cleverbot.

BARRY LYNDON

Por Elisa Díez


Ficha Técnica: Director Stanley Kubrick. Guión: S Kubrick basado en la novela de William M. Thackeray del mismo título publicada . Actores principales: Ryan O´Neal y Marisa Berenson. Produción: Warner Bros (Jan Harlan, S.Kubrick y B. Williams). Fotografía: John Alcot. Música: Leonard Roseman con piezas de Haendel, Schubert, Mozart y canciones populares irlandesas. Duración: 182 minutos

La historia se divide en dos actos:

El primer acto ambientado en irlanda (S. XVIII) retrata la vida de Redmond Barry, joven de origen humilde con aspiraciones nobiliarias y que tras aparentemente matar en duelo al prometido de su prima de la que está enamorado, escapa y se mete en el ejército inglés donde lucha en la compleja guerra de los siete años y protagoniza numerosas andanzas. En determinado momento deserta y viaja por Europa llegando a convertirse en agente secreto al servicio de Prusia para acabar como jugador profesional y busca fortunas.
En el segundo acto se relata como el protagonista se casa con  Lady Lyndon, una viuda adinerada, a la que no ama y con la que tiempo después tiene un hijo. Lady Lyndon tiene otro hijo del matrimonio anterior que no aprueba la relación de su madre con Barry. En esta etapa, la historia se centra en el juego de convivencia del matrimonio, y las relaciones paterno filiales y sociales que se producen y cómo la vida vuelve a poner en su lugar de origen al protagonista.


Más que por criterios teóricos de carácter didáctico, mi elección de Barry Lyndon viene condicionada, en gran medida, por mi experiencia personal. A los 17 años, vi la película por primera vez. Carecía de datos previos sobre las características del film. Solo sabía que era muy larga y muy lenta, por lo que mi predisposición era de resignación ante el más que probable aburrimiento que la película me podía a ofrecer. Sin embargo, desde el principio, fui adentrándome en la historia y nutriéndome de elementos de los que nadie  me había advertido. Desde aquel momento se podría decir que Barry Lyndon ha influido y marcado de manera permanente mis inclinaciones en relación con tres aspectos fundamentales de mi visión de las cosas: El gusto por la música (la impronta musical que deja esta película, es indiscutible), sobre todo la clásica, el aprecio de la belleza de la luz (que ha visto reflejado en mi propio trabajo artístico) y el interés por la narrativa de las complicaciones y vicisitudes de las relaciones e intereses del individuo, tres aspectos magistralmente tratados por Kubrick en Barry Lyndon.
Aunque es cierto que existe el riesgo de que un sector de los alumnos pudiera rechazar la película por su duración, lentitud narrativa y ausencia de un sistema definitorio de buenos-malos (todos los personajes son duales, con flaquezas, como en la realidad), la simple posibilidad de que los alumnos pudieran “descubrir” la calidad del film justifica, a mi modo de ver, su aplicación en el aula.

jueves, 23 de febrero de 2012

“SHINE,EL RESPLANDOR DE UN GENIO” – Scott Hicks.


Por Jesús Palacios

La película “Shine, el resplandor de un genio” es un drama basado en hechos reales del director australiano Scott Hicks. Narra la historia de David Helfgott, un famoso pianista australiano del siglo XX.
 El protagonista  nace en el seno de una familia judía de origen polaco. Desde niño estudió piano con su padre en casa. Sumamente introvertido y con muy pocos atributos para el relacionamiento social, encontró en este instrumento el único lazo de comunicación con los demás. La figura del padre es determinante en la vida de David. Un padre autoritario, dictador y con un estilo educativo castigador, donde se enseña a ser el más fuerte, y se castiga la desobediencia con fuertes maltratos físicos. Son sentimientos dicotómicos, por un lado le quiere mucho pero le pega, y por otro lado, quiere que sea el mejor pero le prohíbe irse con una beca a EE.UU. Con tal panorama, David se verá afectado psicológicamente de por vida. A los 19 años, volvió a ser becado, esta vez por la Academia Real de Música de Londres, y decide irse sin el consentimiento del padre. Dos años después, padeció un colapso nervioso en su examen final con el 3er Concierto de Rajmáninov y regresó a Australia, donde su padre no lo acogió. Su estatus psicológico fue a peor y estuvo ingresado en una clínica, donde se le prohibió(a modo de terapia) tocar el piano. Allí conoce a una trabajadora voluntaria que le reconoce, y decide llevárselo para que viva con ella en su casa (debido a que el centro psiquiátrico decía que sólo estaba allí por que no tenía a donde ir). Helfgoot vuelve a tocar el piano en un pequeño bar, donde conocería la que será su mujer, y poco a poco volvería al mundo del piano.
Es una película con un ritmo narrativo entretenido, una buena fotografía (Geoffrey Simpson), y una banda sonora seleccionada muy apropiada para cada momento por David Hirschfelder, donde podemos escuchar piezas de Chopin, Paganini, Liszt,.. El guion es de JanSardi, un guion bastante dinámico y bien adaptado y creíble. Esto puede ser debido a la colaboración de la hermana de David, y del mismo David, lo cual enriquece muchos de los diálogos, con frases que se repiten  “casi literalmente” a como fueron en realidad.
Los actores principales: Geoffrey Rush, en una composición magistral de David; pasando por el impecable Armin Mueller Stahl, que dota al padre de unos gestos y matices espectaculares y Noah Taylor, excelente como David en la adolescencia.


El doblaje de la película no es malo, pero sí que interesaría verla en V.O. para determinar la buena o mala actuación Oscarizada de Rush. Para hacer este juicio también se puede comparar con videos/grabaciones del propio pianista que se pueden encontrar por la red fácilmente.
No se podría hablar de buenos y malos en sentido estricto. Quizá sea la figura castigadora y maltratadora del padre la que actúe de manera menos ética. Pero también se podría hacer el juicio de que lo único que hace el padre con Helfgoot,es lo que su padre pudo hacer con él. En ciertas escenas de la película se pueden observar estas connotaciones. De todos modos, no voy a realizar un juicio moral personal, lo que sí quiero mostrar es el dilema que plantea, y una de las posibilidades de debate que esto crearía, y según las respuestas de los alumnos, podríamos hacernos una idea de qué nivel de desarrollo moral medio tienen los jóvenes con los que estemos tratando (Desarrollo moral – Kohlberg).
Como he indicado, la película tiene una fotografía bastante buena y se puede mostrar a los alumnos algunos ejemplos típicos de tipos de planos, movimientos de cámara, flashback,…
En cuanto a posibilidades transversales, la más característica es el acercar la música clásica al aula, donde aparte de la historia del propio David Helfgott, la película contiene obras y composiciones de diferentes Maestros de la música como son Chopin, Rajmáninov, Liszt,…
Otro de los motivos por los que sería adecuada para el contexto educativo sería el fomentar algunos valores universales como la superación personal mediante el esfuerzo.
En fin, creo que es una buena película para llevar al aula, ya que infunde todos estos temas transversales de manera contextualizada y entretenida a los alumnos.

“EN BUSCA DEL FUEGO”, Jean-Jacques Annaud.


Por Jesús Palacios

“En busca del fuego”es un film difícil de categorizar estrictamente, ya que se puede ver como una película de aventuras, además de “documental”, histórica,…Estáambientada en el Paleolítico Medio, hace unos 80.000 años.  Es una película franco-canadiense del director  Jean-Jacques Annaud. La película narra las condiciones de vida en las que vivía el hombre, y sobre todo, aludiendo a su nombre, hace hincapié en la importancia vital del fuego. Los protagonistas son una tribu de neandertales (los Ulam) que, tras haber perdido el fuego que protegían por el ataque de un clan rival, deciden que tres jóvenes marchen en su búsqueda, ya que aún no sabían cómo fabricarlo y su obtención dependía de las circunstancias naturales (como los rayos). Al final aprenderán de otra tribu más avanzada el secreto de la producción de éste.
Es una interpretación personal del director de la novela de J.H. Rosny “la conquista del fuego”. Para una reconstrucción realista de la época, Annaud contó con la ayuda de expertos en la Prehistoria, como el zoólogo Desmond Morris o el novelista y lingüista Anthony Burgess, que se inventó el modo de comunicarse de los personajes a base de gruñidos y lenguaje no verbal, los cuales mediante su interpretación dotan a la película .
La ambientación de la película es buena. Algunas de las escenas están rodadas en Canadá, África,…todo ello para intentar trasladarnos a esa época, y a mi juicio bastante bien conseguido. Estos escenarios son propicios para (con una ejecución correcta) cualidades fotográficas como las resultantes en esta película.
La fotografía fue dirigida por Claude Agostini.Los escenarios, como hemos indicado, son todos exteriores, naturales, donde no podemos encontrar muchos elementos añadidos (ya que el hombre en esa época dejaba pocas “huellas” de su presencia. Agostini se centra en dotar de amplitud y magnificencia a los paisajes naturales, sacándole buen partido a los paisajes abiertos y a las escenas nocturnas iluminadas por el fuego.
Tiene un ritmo narrativo bastante bueno, aunque en algunas escenas cuando se muestra  los paisajes y se ralentiza la acción, puede impacientar un poco. En cuanto al guion, sería difícil evaluarlo en sentido literal, ya que como he dicho antes, los personajes se comunican por gruñidos, no hay un idioma que hoy en día se hable en algún lugar, y el guionista tampoco añade subtítulos para explicar qué es lo que están comentando.. Pero sí cabe decir que el lenguaje inventado por el lingüista es original, y sobre todo, el lenguaje no verbal ejecutado por los actores, es muy creíble.
La música/B.S.O. a mi parecer es de órdago. Philippe Sarde fue el encargado de realizarla. Está compuesta por una serie de melodías con sabor primitivo al estar elaboradas con instrumentos de viento y percusiones. Por la London SymphonyOrchestra y Les Percussions de Strasbourg bajo la dirección de Peter Knight. Sabe cómo utilizarla inteligentemente para cada momento, y ambientarnos en los momentos de tensión, de tranquilidad,…y cubriendo en cierto sentido la falta de diálogos.
Los actores, como ya he anticipado antes, realizan una interpretación muy creíble y realista. Algunos de los más destacados son  Everett McGill (el Mayor Powers en “El sargento de hierro“) o Ron Perlman o Rae Dawn Chong. Todos consiguen, sin decir ni una sola palabra entendible, transmitir más que muchos de los diálogos de otras películas.
No podríamos hablar de bueno o malos en sentido estricto, ya que las acciones de los diferentes personajes se mueven por instinto y supervivencia.


Pienso que es una película con bastantes posibilidades educativas. Por un lado, y como he estado describiendo, a mi parecer es una película de notable técnicamente hablando, por lo que se podría dar un repaso con los alumnos sobre los tipos de planos, escenas, movimientos de cámara, angulación,…
Por otro lado, es una película con muchas posibilidades transversales, aparte de la Historia que es evidente, también relacionadas con las ciencias naturales, o incluso de teatro, todo depende de las habilidades y motivación del profesor que les muestra la película.
Además, es una película que aunque sin diálogos, es bastante entretenida, y lo más importante, que ese entretenimiento es activo, ya que la formación de las conversaciones debe ser por parte del alumno, imaginando qué es lo que se pueden estar diciendo. También en este caso el profesor, deberá inducir a que hagan este ejercicio, con preguntas tipo –“y que creéis que le está diciendo a la joven”-.
Otro de los motivos respecto a su utilidad en el aula, es la oportunidad que brinda el hándicap de no poseer un lenguaje-idioma determinado y  basarse únicamente en gestos y ruidos amorfos. Esto sería muy útil a la hora de visionar la película con grupos donde la población inmigrante es un número considerable y su conocimiento de la lengua aún puede ser bastante básico. Así, podrían adquirir un conocimiento aproximado en prehistoria sin que el desconocimiento del idioma sea un inconveniente.

“Fahrenheit 451”


Por Galya Hristova

He elegido la película “Fahrenheit 451” (1966) para ser trabajada con los alumnos de segundo de ESO (13-14 años). Está dirigida por el director francés  François Truffaut basada en la novela de RayBradbury con el mismo título.
La película, al igual que el libro, retrata una sociedad futurista, una utopía negra en el que uno ha de ser feliz por ley. Se representa un mundo cada vez más rápido al que la gente intenta vivir en una felicidad perenne, vacua, implantada en las mentes de las masas a través de la televisión o de pasillas que apacigüen cualquier inquietud o interés. Impera el culto al hedonismo y la ignorancia se considera una panacea. Leer impide la felicidad pues los libros provocan que los lectores piensen por si mismos y para evitarlo el cuerpo de bomberos se dedican a quemar los libro clandestinos, que encuentran.
Más que un libro de ciencia-ficción, al igual que otras obras de StanislavLem o Isaac Asimos, Bradburynos presenta un hipotético futuro, crea un mundo ficticio, que al día de  hoy no nos resulta nada improbable. En 1953, cuando Bradburyescribe el libro la televisión esta en su apogeo. Hoy en día las pantallasocupan toda la pared, la televisión es la fuente más influyente de información y de distracción al que el ciudadano destina gran parte de su tiempo. Es la forma más efectiva de controlar las masas, un instrumento político perfecto que crea opiniones y manipular la conciencia ciudadana.
Me parece muy importante que en la edad de los alumnos de ESO, cuando se forma la identidad y la personalidad, se traten los temas que trata esta película. Por un lado se invita a la lectura de esta obra maestra convirtiendo el acto de leer en un acto subversivo y liberador


El ritmo de la película es entretenido y unos conceptos accesibles ayudan a plantear posibles futuras  cuestiones para un posterior debate:
- ¿Podemos hablar de libertad, elección o incluso imaginación sin conocimiento?
- Plantear el tema de la televisión y los medios de la comunicación e información. ¿Cómo se podía hacer un filtro y tener una opinión propia?,¿Es posible ser neutral?
- El papel del “ejecutor” (los bomberos de la película):¿es culpable ejerciendo su obligación profesional?
- Hablar sobre la opinión de la mayoría. ¿Qué una idea sea apoyada por la mayoría la legitimiza? ¿La hace más verdadera?
La película es una buena introducción de temas como la identidad, la comunicación, el sistema social, los medios de comunicación e información de masas, y los productos culturales.
Quizá el punto débil de la película son los efectos especiales utilizados. Tratándose de una película hecha en los años 60, el futuro que se recrea tiene hoy en día un toque caduco, casi cómico. Sin embargo podemos utilizar este supuesto hándicap a nuestro favor contextualizando la película en la época que fue hecha, hablar de la música  realizada porBernard Herrmann), el color, esta fue la primera película realizada en color por el director François Truffaut, analizar el vestuario, la fotografía y la ambientación de la película.
En resumen: una película y libro altamente recomendables para los alumnos y para cualquier edad. Un antídoto contra la manipulación y el adoctrinamiento masivocada día más indetectables y sofisticados.

miércoles, 22 de febrero de 2012

La mirada de Ulises

Lo propone Raquel Hernández


El contrato del dibujante


Por Luis Lancho

Mi propuesta se basa en la película del director galés Peter Greenaway "El contrato del dibujante".
En cuanto a temas transversales se refiere, voy a hacer una pequeña lista de lo que humildemente creo que puede ser de interés.
La relación de la imagen de Greenaway con la pintura del siglo XVII y con especial atención hacia la pintura flamenca, se ve claramente en muchas de las secuencias de la película, en las que ilumina con velas o luz natural en los exteriores, influenciado quizá por Barry Lyndon….  a esta brillante puesta en escena se suma una banda sonora basada en la orquestación de diferentes autores barrocos y clásicos, esencialmente Purcell y Mozart, dirigidos por Michael Nyman.
Por otro lado, alejándonos del tema formal, nos percatamos de la densidad del argumento y diálogos de la película, que no por ello menos interesante, por momentos es complicado de seguir en la versión original.
Dentro de que esto pueda provocar un pequeño rechazo en el espectador, en nuestro caso en los alumnos, la película y toda la obra de Greenaway está compuesta por una iconografía y mitología en mi opinión óptima para desgranar con un grupo de alumnos, previamente puestos en contexto.
La mitología en esta película no es ni mucho menos fácil de desgranar ya que se compone de diferentes mitos. A lo largo de la película se realizan alusiones al mito de Perséfone, primero mediante Mrs Talmann quien explica parte del mito a su sobrino y más tarde tras el contrato del décimo tercer dibujo, cuando Mrs Herbert le explica al dibujante el mito. El mito cuenta como, los hombres infértiles y temerosos de la fecundidad de la mujer, las raptan como Hades a Perséfone, y construyen jardines y palacios como en el que ella(Mrs. Herbert) vive para paliar y compensar la infertilidad y el cautiverio.


Otro mito que podemos encontrar en la película es el de Hércules ya que el dibujante se encarga de realizar 12 dibujos según el contrato, comparable a los las doce pruebas impuestas por Euristeo pero en realidad decretados por Hera/Juno, la diosa enemiga del héroe. Por otra parte el dibujante está en una posición social incierta, es odiado por los aristócratas que se sirven de él al igual que Hércules es odiado por algunos dioses que a su vez se aprovechan de sus cualidades.
Otro tema que puede ser relevante y a su vez transversal son las conversaciones que mantiene el dibujante y Mrs. Talmann sobre la postura e intelectualidad del artista, existe una tensión y a su vez una fusión entre una visión racionalista y científica de la realidad con otra simbólica, mágica e irracional, lo que a mi modo de ver se puede traspasar al debate en el arte.
Por un lado los dibujos de mr. Neville (el dibujante), se enmarcan en las técnicas del renacimiento italiano, en el carácter científico y racionalista, la obsesión por la perspectiva, como se puede observar en la película en el elemento técnico fundamental del dibujante, el atril cuadriculado que funciona como diafragma.
Además, se cita en varias conversaciones una reflexión sobre la inteligencia del artista, si es o no es inteligente, puede ser también un buen punto de partida para un debate en clase. Investigando en la red he encontrado posibles referencias bibliográficas que nunca han sido citadas por Greenaway en las figuras de J. Frazer o R. Graves.
La iconografía en la obra de Greenaway no acaba aquí ni mucho menos y creo que puede ser de gran interés para una clase la reflexión sobre su obra, no solo de esta película sino de muchas otras, como por ejemplo The Tulse Luper suitcases (P. Greenaway, 2003-2007), proyecto formado por una trilogía fílmica, una serie de performances VJ y videoinstalaciones.
Os invito a todos a buscarlos por la red y compartirlo ya que creo puede ser de gran interés y no lo encuentro. Un saludo.

Los espigadores y la espigadora- Agnès Varda- 2000


Por Teresa Ariza

Es una película-documental grabada en vídeo.
En el arranque se muestran imágenes de las espigadoras de Millet y de Jules Breton y también la definición de espigador tomada de una enciclopedia; a partir de aquí se cuenta una historia de espigadores y espigadoras actuales que, según avanza la película, se va entrelazando con las  pinturas realistas del comienzo.
Estos espigadores contemporáneos subsisten principalmente de alimentos que son desechados por sus dueños, especialmente en los campos de cultivo, donde toneladas de patatas, tomates, hortalizas y manzanas quedan abandonadas después de la recolección, alimentos que, si no se espigan, se pudren.
La directora también muestra espigadores urbanos que se alimentan de comida encontrada en la basura, a un jubilado espigador de muñecos que los acumula haciendo grandes esculturas, a otro espigador pintor que reutiliza objetos y los transforma en marcos para sus pinturas, espigadores de electrodomésticos... Y alterna todas estas historias con imágenes de sí misma enseñando su mundo, sus objetos preciados, sus gatos, su gotera en el el techo que le recuerda a Tàpies y a Guo Qiang, sus juegos inventados mirando sólo con un ojo, sus pinturas preferidas y sus productos espigados: patatas en forma de corazón y un reloj sin agujas.
Uno de los motivos por los que considero esta película adecuada para el aula es por la manera en la que muestra la espalda de la sociedad de la abundancia y el consumo: aunque muestra historias de gente que vive en situaciones desfavorecidas no utiliza trucos lacrimógenos ni adopta un punto de vista paternalista, sino que, al contrario, estas personas aparecen como supervivientes que, sin estar dentro “del sistema” saben aprovechar las fisuras y residuos de éste y salir adelante.



Por otro lado hace bastante hincapié en la legalidad de la forma de vida de estos espigadores (al menos en Francia), cuestión importante para que la película se pueda llevar al aula sin problemas y,  también, factor que acentúa las posibilidades transversales de fomento de la sensibilidad hacia la integración social.
El único acto delictivo que aparece en la película tiene relación con un grupo de okupas, y se aborda a partir de testimonios de los denunciados, del denunciante y también de la jueza que lleva el caso; punto de partida interesante para abrir un debate.
El ritmo de la película, sin ser trepidante, es bastante ameno. El hecho de tratarse, además, de una película que cuenta con muy pocos recursos materiales creo que puede animar a los alumnos a coger la cámara de su teléfono móvil y ponerse a grabar.
Además tiene una fotografía cuidada que sobre todo trata de mostrar lo que se mira desde un punto de vista afectuoso y cercano.
La película no promueve especialmente la práctica de la lectura, pero sí el gusto por la pintura y la cultura artística. Muestra con mucho detenimiento pinturas de Rembrandt, estampas de Ukiyo-e, el Juicio Final de Van der Weiden, las fotografías y el lugar de trabajo de Marey, la obra de Louis Pons... y menciona a otros artistas e instituciones relacionadas con la alta cultura.
Por otro lado sí enfatiza el esfuerzo y la capacidad de supervivencia de los personajes que retrata y que, por cierto, no aparecen como pobres desubicados sin criterio, sino todo lo contrario. De hecho no todos los personajes espigan por los mismo motivos, algunos tienen trabajo, seguridad social, etc, pero defienden la reutilización de los productos desechados como una cuestión ética, independientemente de lo barato que pueda resultar.



Las minorías a las que presta atención y dedica una mirada afectuosa no son solamente los espigadores y las espigadoras. También se presta atención a sí misma como mujer próxima a la vejez.
La situación que muestra el documental (estrenado hace doce años) de pequeñas economías organizadas a partir de los residuos que va dejando el esquema económico oficial es una cuestión candente en la actualidad y de gran interés, ya que desde el 2008 se ha visto acentuada.
Otro cineasta en sintonía con este documental de Agnès Varda: Alain Cavalier.

martes, 21 de febrero de 2012

HISTORIA DE UN CRIMEN


Por Alba Ceide

Truman Capote (Toby Jones), viaja a Kansas atraído por la noticia de un homicidio que se le “ha pegado a los dientes como un trocito de caramelo”. Su curiosidad le conduce a Holcomb. La investigación del escritor para su futura novela avanzará hasta entrar en contacto con los autores del asesinato: Perry Smith (Daniel Craig) y Dick Hickock (Lee Pace).
“Historia de un crimen” contiene los destellos de humor necesarios para que el espectador se embriague con el dulzor de un relato áspero y duro. No sólo para los culpables del delito si no también para el propio Capote quien tras una épica investigación completa la novela que culmina su proyección literaria.

A SANGRE FRÍA

La película es un detonante. Su visionado concluye con el espectador en el mostrador de una biblioteca solicitando la novela de no ficción “A sangre fría” de Truman Capote.
Su lectura es embriagadora. El retrato de un pueblo que deseando encontrar a los culpables del crimen en la vecindad parece sentir pesar al descubrir a dos desconocidos convictos. Las amplias descripciones ofrecen un abanico de personalidades que invitan a reproducir aquellos momentos en los que el pueblo de Holcomb advirtió que la confianza y ejemplaridad de sus vecinos no significaban nada.
En 1959, cuatro de los miembros de la familia Clutter aparecían muertos en su domicilio, la granja River Valley de Holcomb, Kansas. Un robo estimado en cuarenta dólares parecía ser el único móvil de uno de los primeros homicidios masivos de los Estados Unidos. Con cuatro capítulos, Capote, estructura un inmenso documento periodístico. Tras la dedicatoria a Harper Lee figura la página de los agradecimientos:
“Todos los materiales de este libro que no derivan de mis propias observaciones han sido tomados de archivos oficiales o son resultado de entrevistas con personas directamente afectadas; entrevistas que, con mucha frecuencia, abordaron un período considerable de tiempo. Como estos “colaboradores” están identificados en el texto, sería redundante nombrarlos; sin embargo quiero expresar mi gratitud formal, ya que sin su paciencia y colaboración mi tarea hubiese sido imposible”
Tras “Historia de un crimen” la lectura de “A sangre fría” no se demoró demasiado. La magnitud de la obra era excitante. Cierto que parte del interés inicial era Perry Smith. El personaje de Daniel Craig resultaba tan sugestivo que produjo un ligero chasco con el Perry Smith real. Más achaparrado, grueso, tullido y demente (inconveniente de los biopics). Pero la obra no tardaría en fascinarme. Ya no trataba con personajes de ficción. A medida que avanzaba mi lectura y era consciente de la realidad de sus líneas me emocionaba asistir a aquella documentación narrada en la que personajes, lugares, historias y recuerdos se entrelazan con gesto sencillo detallando cada retazo del contexto.
En las páginas uno toma conciencia de que la vida de un hombre no desaparece por mucho que sea sustantivada con el término “asesino”.
Quizá esta sea una de las mayores diferencias entre los personajes de ficción y los retratos de “A sangre fría”. En el cine estamos acostumbrados a que las acciones de los personajes determinen su carácter y su personalidad. A veces ahondamos un poco en sus recuerdos, pero nunca lo suficiente para sacarle peso a un término tan potente como el de “asesino”. Y si lo hacemos, acabamos sintiendo clemencia eliminando el peso de todos sus crímenes.


En la novela de no ficción “A sangre fría” nunca olvidas el acto homicida que ha llevado a Dick y a Perry a conseguir tal distinción. Pero también adviertes sus historias, creencias, vivencias y experiencias. Te planteas si ese hecho puntual es el que define su personalidad. Y en esta reflexión cobra sentido el título de la obra de Capote.
Se advierte en el juicio que conduciría a los acusados a la Hilera de la Muerte de Lasing. La despiadada formalidad del pueblo que clama venganza resulta tan estremecedora como el homicidio de los Clutter.
La atmósfera hostil. La imparcialidad de un jurado conmocionado por el asesinato de sus vecinos. La estrecha amistad del juez con el muerto Sr. Clutter. La inutilidad del papel de los psicólogos castrados por la Ley M’Naghten “fórmula totalmente ciega a cualquier matiz entre el blanco y el negro”. El ansia de venganza del pueblo de Holcomb.
- ¿Qué es injusto?
- El proceso entero. Esos chicos no tienen ninguna posibilidad.
- Buena posibilidad le dieron a Nancy Clutter.
- Perry Smith. Santo Dios. Ha tenido una vida tan perra…
- Más de un hombre puede contar historias tan lastimeras como las de ese hijo de perra. Yo incluido. Quizá yo beba demasiado, pero te juro que en mi vida maté a cuatro personas a sangre fría.
- Ya, y lo de ahorcar al hijo de perra ¿qué? También eso se hará con una puñetera sangre fría.
Perry y Dick fueron ahorcados en el “almacén” de Lasing el 14 de Abril de 1965. Truman Capote publicó la novela al año siguiente. Richard Brooks leería la obra poco antes de su divulgación. Era el propio Truman Capote quien deseaba a Brooks como director para la adaptación al cine de los crímenes de River Valley. En 1967 se estrenaría la película “A sangre fría”. Los años de investigación que Capote invirtió en el caso también serían reflejados en la pieza “Capote” de 2005 dirigida por Bennet Miller.
“Historia de un crimen” es la mecha perfecta para ser seducidos por Capote y el caso Clutter. “A sangre fría” es considerada la primera novela de no ficción. Es inevitable que el espectador-lector se sienta atraído por el género e indague en los casos más sorprendentes.

REDACTED

Por Eva Gutiérrez


No tengo muy clara la propuesta de esta película debido a la cantidad de violencia implícita y explicita de su contenido, aunque, por el momento histórico en el que nos encontramos y teniendo en cuenta lo que puede ocurrir en los próximos meses, preferiría equivocarme. La propuesta se realizaría en la clase de Cultura Visual con alumnos de 2º de Bachillerato.
La película propuesta es “Redacted” de Brian de Palma, protagonizada por Kel O'Neill y Daniel Stewart Sherman.
Esta película, a modo de falso documental, muestra lo ocurrido el 16 de Marzo en la matanza de Mahmundiya: una adolescente es violada por un grupo de soldados americanos, siendo posteriormente asesinados ella y los miembros de su familia.
La película, inspirada (en mi opinión) en el documental de Deborah Scranton, “War Tapes”, donde la realidad mostrada está recopilada por las cámaras digitales de tres miembros del ejercito norteamericano destinados en Irak, muestra lo ocurrido antes, durante y después de la matanza de Mahmundiya, desde la perspectiva de la cámara de uno de los soldados, y de los videos y la contra-información mostradas en internet y en los informativos irakies. El planteamiento de “Redacted” es realizar la denuncia a través de las imágenes que se mueven en los aledaños de la corriente normalizada, el único espacio que los resistentes arrancan al poder, donde acontecen las historias sojuzgadas.*
Redacted es una película con críticas contrapuestas: unas la tachan de sensacionalista y de grandes expectativas no alcanzadas, "La ilusión de hiperrealidad topa con varios obstáculos: en la pantalla no vemos personas sino arquetipos y la alternancia de texturas no traduce una multiplicación de miradas. (...) De Palma es traicionado por el sensacionalista que lleva dentro." (Jordi Costa: Diario El País), y otras la veneran, "Un trabajo asombrosamente lleno de fuerza. La declaración política y cinematográfica más dura de De Palma desde 'Corazones de Hierro'. La película es una llamada a nuestra vergüenza nacional; una nueva medalla de honor para De Palma." (Richard Corliss: Time).
En mi opinión, la película tiene grandes posibilidades educativas con respecto a los medios de comunicación y las estrategias empleadas frente a una posible guerra en Irán. La propuesta sería: primero visionar la película "Redacted". Seguidamente se realizaría una revisión histórica de la guerra en Irak estudiando el contexto mediático en el que se desenvolvió y las consecuencias que ha conllevado y, posteriormente, un debate comparando esa situación con el actual conflicto Iraní.
La película tiene un ritmo dinámico, una buena fotografía (Jonathan Cliff) y una destacable dirección de actores pero, tiene un gran contra: habría que estudiar mucho la personalidad del grupo de alumnos con el que se vaya a trabajar, pues puede resultar una dinámica excesivamente conflictiva.
Y, aprovechando que nunca llevaré esta práctica a cabo debido a la temporalidad de la situación y a que, es un tema sobre el que todos deberíamos reflexionar, dejo caer el debate.


ENLACES de interes:
Cahiers du cinema. Nº6 noviembre 2007
http://thewartapes.com/