jueves, 26 de enero de 2012

“LA CLASE”, de Laurent Cantet. 2008.

Por Guillermo Martínez del Olmo
Temo que resulte una elección muy obvia ya que es una película de reciente distribución y cuya acción remite al mundo académico y la relación entre profesor y alumnos, pero a mi juicio creo que podría ser útil como ejercicio de empatía por parte del alumnado, ya que lo habitual es cuestionarse hasta qué punto es el profesor el que debe ponerse en la piel del alumno y no lo contrario.
Para quienes no la hayan visto, aclarar que la acción transcurre en un instituto francés y narra la relación de un joven profesor de lengua francesa con unos alumnos de 14/15 años, de perfil tirando a peliagudo: algún que otro pandillero, chavales con orígenes humildes, muchos de ellos emigrantes, con problemas familiares o de otro tipo, adocenados por la cultura del fútbol y el rap peleón, en fin, una jungla de rebeldía y hormonas.
Si bien estas premisas, por lo trilladas, pueden resultar pelín desalentadoras, el resultado final del producto es sorprendentemente positivo: una película veraz, con ritmo, sin artificios, profundamente fresca y entretenida y que pone sobre la mesa uno de los temas que nos competen, a saber, la capacidad del diálogo como depurador de malos hábitos y posible “pulidor”del futuro ciudadano adulto.
Nos ofrece las dos perspectivas con ternura y sin dramatismos vacuos, por un lado el desaliento del profesor bienintencionado que pretende sacar a la luz las destrezas y capacidades de los chavales y provocar su enriquecimiento personal, y por otro, el día a día y los entornos a veces dramáticos que habitan los chavales y que nos llevan a entender ciertos comportamientos en el aula. Creo que es interesante mostrar a los alumnos el punto de vista del docente, lo farragoso que puede resultar poner orden en semejante barullo y ofrecer los contenidos de manera digerible. Y que el profesor no sólo es autoridad, que también es vocación y experiencia de vida y que sufre y se frustra con los malos resultados o comportamientos de sus alumnos y que en definitiva, la energía que proyecta está originada por el amor.
Aconsejo la película por todo lo anterior y por sus aciertos en lo meramente técnico ( buen guión, certero montaje, adecuación forma/contenido, actuaciones convincentes, ritmo apropiado ). En su debe sólo un pero: la duración ( 2 horas).

lunes, 23 de enero de 2012

MUCHO RUIDO Y POCAS NUECES

Por Lucía Tauler

Adaptación de Kenneth Branagh de la obra teatralhomónima de William Shakespeare. Este director, actor y productor es bien conocido por realizar fieles adaptaciones literarias a la gran pantalla, como Hamlet y Enrique V.Se percibe en este film ese interés, una de las grandes apuestasdel director, por adaptar el teatro al cine.Muestra una indudable destreza y singular maestría en esta empresa.Lo cierto,es que al ver esta película,realizada en la pasada década, (1993),tienes la sensación de asistir a una obra de teatro. La escenografía, la interpretación de los actores y la cuidada fotografía facilitan esta inmersión teatral. Película de bajo presupuesto que luchó por su lugar en los Oscar y que no consiguió ninguna nominación. Por todos es sabido que no siempre a lo mejor le sigueel justo reconocimiento.El esfuerzo y la genialidad no reciben siempre el lugar que se merecen.


El argumento narra la historia de dos amores que aunque diferentes, se complementan. Por un lado tenemos al primer amor; la inocencia, el honor y la belleza virginal. Por el otro, el amor adulto, que se esconde tras las sutiles y enérgicas disputas dialécticas de sus amantes. El amor a primera vista contra la negación de éste. Y lo que parece es lo que es, una comedia de enredo amoroso y desengaño que nos cautiva desde el primer acto. A primera vista puede dar la impresión de una interpretación artificiosa y exagerada. Sin embargo, en una segunda lectura apreciamos la fuerza expresiva y el extraordinario manejo del lenguaje, lleno de imágenes e ingenio verbal. Se hace patente la visión festiva del amor que Shakespeare confería a sus primeras obras, llenas de pasión y jovialidad. La trama acoge también cierto grado de desdicha. Ésta es provocada por la maliciosa intención de un personaje oscuro y depravado. Y es que este relato amoroso no está exento de malos entendidos y traiciones que a punto están de convertirlo en una auténtica tragedia griega. Todo queda resuelto en clave de humor, un humor absurdo que recuerda a los Monty Python, y acaban felices y comiendo perdices.
Las posibilidades educativas de esta película son infinitas. Posibilidades que van desde el propio lenguaje cinematográfico hasta la importancia de acercar este género al aula. Familiarizar a los estudiantes con este tipo de obras hará que crezca su interés por la lectura y sean capaces de ver la capacidad de construir relatos creíbles y cotidianos que ellos mismos poseen. Shakespeare es mundialmente conocido por su famosa obra Romeo y Julieta, pero MuchadoaboutNothing, (Mucho Ruido y pocas nueces), no tiene nada que envidiar a dicha obra, siendo más positiva y cómica. Los alumnos y alumnas se sentirán atraídos por el inteligente desarrollo de la misma. Sería incluso posible interpretar pequeñas escenas para afianzar su aprendizaje literario.

jueves, 19 de enero de 2012

Good Bye, Lenin

Por Virgina Wolstein

Es una película alemana de 2003 dirigida por Wolfgang Becker. El argumento habla sobre una familia en el año 1989 que vive en Alemania Oriental. El protagonista es el hijo, Alexander, que narra la historia de su vida desde que es pequeño y su padre les abandona para ir a vivir a Alemania Occidental, hasta que su madre muere unos meses después de la caída del muro de Berlín. Él vive con su hermana, que tiene un hijo pequeño, y con su madre, una socialista dirigente del Partido Socialista Unificado. Christiane, la madre, pierde el conocimiento tras unos disturbios y permanece en coma durante ocho meses en los cuales el muro de Berlín ha caído y el capitalismo entra paso a paso en Alemania Oriental.
Para evitar una recaída de la madre Alexander se ve en la obligación de crear datos ficticios para dar la impresión de que nada importante ha sucedido durante su ausencia llegando incluso a crear telediarios con su amigo Denis.
La película hace mucho hincapié en todas las consecuencias del día a día que tuvieron en Alemania Oriental tras la caída del muro de Berlín, y en el cambio de mentalidad que se va sucediendo en los personajes.
Nota: La película contiene unas pocas imágenes para mayores de edad, aunque no demasiado explícitas, así pues valoraría que el grupo con quien se trabajase fuese en bachillerato.
¿Qué se puede aprovechar de esta película en la asignatura de EPyV?
- Diferencias visuales del cine de Hollywood y alemán.
- Análisis de la estructura del guión.
- Análisis de los puntos de humor de esta película.

¿Qué otros temas se pueden abordar con esta película?
- El tema histórico que aparece en la película en consonancia con la asignatura de Historia: capitalismo y socialismo.
- Plantear preguntas sobre qué razones llevan a unos y a otros a ser socialistas o capitalistas, cómo hubiera vivido este mismo suceso de la caída del muro de Berlín alguien que viviera en la Alemania Occidental…
-Plantear la pregunta: ¿quién es el “malo” en esta película? ¿Qué razones tienen para dar esa respuesta, explicándolo también con el lenguaje visual del cine.
- Debate sobre enfermedades que se pueden dar en una familia: depresión, coma, otro tipo de enfermedades crónicas…
- Sobre la veracidad de las noticias en televisión, la facilidad de manipulación a través de este medio…

Actividad interesante para el aula:

- Cogiendo como excusa los telediarios que Alex graba junto con su amigo Denis para sostener la mentira se puede proponer a los alumnos que hagan un telediario por grupos de trabajo (aprovechando el ámbito audiovisual de esta asignatura). La noticia que se de a cada par de equipos puede ser la misma y tendrán que narrar los datos que el profesor les indique (es decir dando solo los hechos que pueden ser ficticios o no), cada grupo deberá incidir en un punto de vista diferente dependiendo de las personas que estén implicadas en el suceso.

LA JOVEN DE LA PERLA

Por Nieves González Pérez


“La joven de la Perla” (2003) es otra magnífica adaptación cinematográfica de una novela. En este caso el director, Peter Webber, se basa en el homónimo libro de Tracy Chavalier, en el cual la autora fantasea sobre el papel real que pudo haber tenido la hermosa mujer del afamado cuadro en la vida del pintor.
La historia de esta joven se basa completamente en suposiciones románticas de la escritora ya que, la verdad, sobre su persona es una incógnita para la Historia del Arte, tan grande como la de la Mona Lisa de Leonardo. Chavalier, convierte a la retratada en una joven sirvienta que entra a trabajar en la casa de los Veermer y poco a poco, gracias al interés artístico que esta demuestra y del que la mujer del pintor carece, va trabando una estrecha relación con el artista (Colin Firth), rozando muchas veces el amor pero sin llegar jamás a consumarlo. El nudo de la trama surje cuando el mecenas del artista (Tom Wilkinson), viendo la atracción entre estos dos personajes, le encarga a Veermer un retrato de esta. Los celos de la mujer del artista, patentes en toda la película se acrecentan en este momento y finalizado el encargo, Griet (Scarlett Johansson) es despedida de la casa.


Aunque la trama de la película se base en una concepción romántica de lo que pudo haber sucedido, la historia no deja de tener una parte muy real y bien documentada que explica a la perfección el contexto político-social del momento. La reflexión que hace sobre como fue la vida de este pintor se aleja ya de la mencionada concepción fantástica y es reflejada fielmente. Chavalier y Webber nos describen, una con palabras y otro con imágenes la situación económica, familiar y laboral de Johannes Veermer, siguiendo fielmente los datos que sobre este se tienen, nos explican a la perfección su modo de trabajar, de abordar las obras, la lentitud de su proceso… también describen el proceso de fabricación de las pinturas óleo del momento, la elaboración de los pigmentos, los soportes empleados, la incorporación de la cámara oscura, etc… y Webber, además, lo hace a través de una película de incuestionable calidad técnica: los escenarios y la fotografía están tan bien elaborados que en ocasiones da la impresión de estar contemplando pinturas flamencas en movimiento, los colores muchas veces parecen sacados de la paleta del pintor, la música acompaña el desarrollo de la película de manera discreta pero eficiente y la actuación de los dos actores principales Scarlett Johansson y Colin Firth no deja nada desear.
Como elemento filmográfico a incorporar en las aulas me parece perfecto ya que permite, además de conocer las características de la sociedad y el arte del siglo XVII reflexionar sobre otra muchas cosas como bien podría ser la capacidad de entender el arte, muy presente en el discurso de esta película, en la cual vemos constantemente la lucha de una mujer culta y educada pero incapaz de comprender lo artístico frente a otra que no sabe ni escribir pero tiene un gran juicio artístico que sin embargo, jamás podrá acceder a ese mundo.

martes, 17 de enero de 2012

Dead Man

Por Alberto Navarro

Es una película apta para mayores de 13 años, con lo que cual no supone riesgo. Es una revisión extravagante y reflexiva del género western. Cierto que no es una película redonda y puede que flojee un poco. No es tan buena como yo la recordaba pero lo cierto es que la vi hace bastante tiempo y con menos edad. Por ese mismo motivo es una película a la que recurriría. Porque, sí a mi me cautivó en su momento, creo que también tiene posibilidades con otros chavales. Arranca muy fuerte y después se desinfla y por partes el ritmo puede ser un poco plomizo. Pero, en general, me parece que es una propuesta estupenda para este ámbito. A partir de estas edades es cuando ellos están buscando un cine diferente que les impacte. La calidad visual de la película con la fotografía en blanco y negro de Roby Müller me parece excelente. La banda sonora a cargo de Neil Young -que reconozco como uno de mis músicos fetiche- es impepinable. Además es una película de un director alternativo con propuestas diferentes pero asequibles para ellos. Entiendo lo que dices cuando planteas que El árbol de la vida es una propuesta excelente y pretenciosa y que la educación no tiene porque ser divertida ni facilona. Pero creo que también hay que ser realista y ver a quiénes queremos llegar con nuestras propuestas. Por algún lado hay que empezar y en este sentido, esta película me parece excelente para romper el hielo y creo que se abre un abanico más amplio de público. La otra es una película más densa y destinada a u publico más adulto, o por lo menos así me lo pareció a mi que reconozco que la disfruté, pero sin saber decir si la llegué a comprender.
Una reflexión paralela y personal: aludiendo a los dos momentos que podríamos catalogar como más "violentos" del filme de Jim Jarmusch en contraste con una violencia más sutil y latente en la película de Malick pero mucho más dura o desagradable para el espectador. En Dead Man vemos una felación en los primeros momentos de metraje cuando William Blake llega al pueblo de Machine y más tarde, en determinado momento vemos al despiado cazarrecompensas Cole Wilson - interpretado Lance Henriksen- despachurrar el craneo de uno de los Marshals liquidados por William Blake. Dos imágenes recurrentes pero que podríamos catalogar como casposas y cómicas a la par por cómo están tratadas. Mientras que, en El Árbol de la vida el espectador se ve agitado por la relación que la severa figura paterna de Mr. O´Brien -Brad Pitt- mantiene con sus hijos. Se trata de una violencia muy sutil pero que pone al espectador en tensión y que este interioriza por ser más real. Sin que el padre levante la mano a sus hijos en ningún momento (al menos que yo recuerdo) el espectador percibe violencia.
Por otra parte, cuando hablamos de referencias literarias que puedan despertar o incrementar el vínculo de los adolescentes con la lectura -así como con el arte en este caso- la película de Jarmusch me parece idónea para introducir al alumnado a la obra de William Blake y a la repercusión que esta ha tenido en posteriores generaciones y artistas (por ejemplo en figuras como Allen Ginsberg). Ya no sólo a sus poesías sino también a sus pinturas y grabados La película está plagada de referencias a su obra El matrimonio del cielo y el infierno, que creo que puede ser estupenda para dar a conocer en el instituto. Por otra parte; yo soy un fan y un coleccionista de cómics desde los seis años y se me ocurre que vincular esta obra, poética y gráfica, con los cómics y las ilustraciones que tanto gustan a los chavales y que ahora gozan de bastante popularidad no sería algo descabellado.

lunes, 16 de enero de 2012

“La Chaqueta Metálica”, Stanley Kubrick, 1987


Por Raquel Hernández Vila 


Propongo esta película para alumnos de último curso, es decir de 17-18 años de 2º de Bachillerato, fue la película que me pusieron a mí a esa edad, tocando el tema bélico, en este caso la Guerra de Vietnam. 
Al mismo tiempo es un documento histórico y artístico importante. En esta película vuelve a ser la violencia su tema para Kubrick nacido en un barrio del bronx de Nueva York en el seno de una familia media alta de origen judío, uno de los cineastas más influyente del s.XX. Recuerdo cómo me pusieron esta película con sutileza: en clase de inglés, y el impacto que me creo en el buen sentido. Es una película que te calienta la cabeza, que te hace pensar. Por otro lado mi colegio no tenía rama artística pero sí fueron documentos de éste tipo lo que se encargan de tocar la fibra sensible y despertar el interés artístico: una película marcada por el simbolismo. Es evidente que la forma, el contexto y el tiempo cambia pero el contenido sigue siendo el mismo o la esencia permanece, ésta película es un claro ejemplo de ello, es una buena película que ha ganado muchos premios, por guión, por banda sonora…etc, la considero una buena película para proyectar en la clase aunque fuera de otro tiempo en un futuro cuando la proyectara. El tema transversal de la película es la historia que se repite una y otra vez como un círculo o espiral, como nos lo explicaNietzsche en “el eterno retorno”, los alumnos se encontrarían interesados por la historia. Hay que decir que las películas de Kubrick son adaptaciones de libros a los que después se puede acudir, le gustaba trabajar con verisimilitud y autenticidad cuidando los detalles y la calidad. “La Chaqueta metálica” es una adaptación del libro “The Short Timers” de Gutav Hasford que también asistió en el momento de realizar el guión. Gustav Haford escribe su propia experiencia en la Guerra de Vietnam, pero no fue para Kubrick su única fuente de inspiración, conoció asimismo a otras personas también presentes en dicha guerra como lo fue Michael Herr que también trabajó con él y para la película de Coppola “Apocalypse now” de 1979. El interés principal de Kubrick es una reflexión sobre el hombre y su lucha constante con el entorno, busca y muestra las claves que desencadena en el hombre sus acciones, a veces su locura. Es claramente una película antibelicista, crítica al imperialismo y cultura capitalista, (indirectas al poder manipulador del periodismo), presentada a la sociedad del espectáculo, un rechazo a tomar el poder por la fuerza como pone en un cartel “first to go last to know”frase utilizada por los marines. Recomendada para los amantes de la fotografía y de la música puesto que Kubrick lo era. La banda sonora está compuesta por canciones de rock de la época como “Surfin´Birds” de The Trasman, “Paint in Black” de Rolling Stones. Toda Guerra se lo lleva todo por delante, robando y violando la inocencia, nadie se salva de la Guerra. En los créditos finales el propio sol debería quedarse de color negro pensó Kubrick. 


La película despierta un interés por la historia, ya nos decía Walter Benjamin (teórico alemán asociado a la escuela de Frankfurt que tuvo que huir de los nazis) de buscar la voz de aquellos que fueron silenciados, tener en cuenta las minorías (la historia empieza a ser cuestionada a finales del s.XIX), que no sean los triunfadores los que escriban la historia, que tengan voz los que fueron excluidos en resumidas cuentas estudiar una historia a contrapelo. 
En éste caso la culpa recae sobre los hombres contra quienes van a luchar y es más grave al final cuando acaban por convencerse de que también la culpa la tienen los viejos, las mujeres y los niños. Toda guerra empieza por una exigencia extra, exigencia de caber dentro de un marco como los zapatos exigidos para los pies de las chinas que deforma el pie para una apariencia atractiva, en la película esto se ve a través de humillaciones e insultos.
Títulos en la línea: “El cazador” Michael Cimino 1978, “Hair” 1960, documentales zeigeist y de Michael Moore…), en fin críticas que abren nuevas interpretaciones.

domingo, 15 de enero de 2012

UN MUNDO FELIZ & GATTACA

 Por Lucía Tauler 

Si queremos que los alumnos se planteen realmente el sentido o la posibilidad de un mundo donde se contemplen términos como paz, igualdad o felicidad, resulta inevitable y realmente positivo remitirles a la literatura de Aldous Huxley. Concretamente a su libro “Un mundo feliz” (1932). Se proyectan en éldilemas y problemas conceptuales tales como, libertad, sociedad, belleza, perfección, progreso científico...Podemos provocar este acercamiento a través de películas como Gattaca. En ella igual que en el libro, se cuestiona la problemática de un futuro en el cual la manipulación genética ha tomado el control de la especie humana, generando sociedades aparentemente “perfectas”. Sociedades en las que la guerra, la pobreza, la violencia han sido erradicadas, pero ¿a qué precio? El hombre, en su ambición de jugar a ser dios cae el error de concebirse a si mismo como producto, convirtiéndose en una pieza más de un engranaje sutilmente engrasado. Ambos construyen supuestas realidades futuras, en forma relato de corte científico mostrando la problemática de una sociedad basada en preceptos racionalistas, enmarcados en una apabullante lógica que compromete la dignidad humana. Mundos perfectos, asépticos, sofisticados, en los que no se da lugar al error, al azar. La deshumanización del hombre es promovida por él mismo, estableciendo una desigualdad democrática y totalmente legal. Son lugares en el que las aspiraciones personales están condicionadas y sometidas al buen funcionamiento de la sociedad. El equilibrio es mantenido a partir del sometimiento de la especie.Una dictadura perfecta, una cárcel sin muros, un sistema de esclavitud en el que a través del consumo y el entretenimiento sus esclavos se sienten eternamente agradecidos. 




No se trata en ningún caso de transmitir que la ciencia es el demonio. Lo que se pretende es fomentar la lectura y el juicio crítico de los alumnos. Tenemos la posibilidad de aplicar ciertamente la interdisciplinariedad y la transversalidad de modo conjunto. Hablaremos de la ciencia, de los avances en este campo, de lo que somos y de lo que podemos llegar a ser, intentando no establecer juicios de valor en los que quedaríamos esquinados en nuestros propios planteamientos. Además, les introduciremos en el mundo de la ciencia ficción desde el acercamiento a la literatura de este autor futurista y visionario.

“El festín de Babette”

Nieves González Pérez.

“El festín de Babette”, “El banquete de Babette” o “La fiesta de Babette” son las tres traducciones al castellano que se le ha dado a la danesa “BabetteGæstebud”, fantástica película de 1987 dirigida por Gabriel Axel, adaptación del homónimo libro escrito por IsakDinensen, conocida principalmente por su novela “Memorias de África”. 


La trama de “El festín de Babette” se desarrolla en un pueblecito Dinamarca, en el que dos hermanas, hijas del difunto pastor luterano,son las encargadas de velar por el mantenimiento de la fe, además de ayudar a los más desfavorecidos del lugar.Estás dos mujeres: Filipa y Martina, desde jóvenes, han hecho girar su vida en torno a su religión, manteniendo siempre un estilo de vida austero y puritano, pocas veces enturbiado.Las dos únicas ocasiones en las que sus tranquilas costumbres se ven ligeramente agitadas es con la llegada de dos figuras masculinas: un soprano y un general, procedentes ambas de el extranjero. Estos dos hombres, caen perdidamente enamorados de las fieles sin llegar jamás a consolidar su amor debido a los prejuicios ellas que, aunque en su fuero interno desean ofrecerse al amor, sus principios se lo impiden. Tanto el coronel como el soprano prontamente vuelven por donde vinieron y, durante años, no se vuelve a saber más de ellos. Sin embargo, un día, muchos años después,llega una mujer con una carta: Babette. Esta figura femenina, huída de la Revolución Francesa, es enviada por el soprano con la intención de que las caritativas hermanas la acojan en su casa y así sucede.
Babette trabaja como sirvienta durante 14 años con Martina y Filipa sin jamás poner una pega y adaptándose a la vida austera y a las “sopas de pan de cerveza” pero, un día, le llega un billete de lotería de Francia, el cual resulta premiado y decide, para celebrarlo y agradecerles a las hermanas los años que la han tenido consigo, realizar un banquete, en el cual no aparecerán los modestos alimentos que acostumbran a ingerir estas sino que se tratará de un auténtico manjar de comida francesa.
A la casa comienzan a llegar perdices, tortugas, vinos, vacas y todo tipo de alimentos que trastocan la rutinaria vida de los habitantes y sobre todo de Filipa y Martina, las cuales sufren constantemente pesadillas a raíz de ese dionisiaco festín.Cuando llega el momento de la cena, el cual deciden compartir con los miembros de la comunidad religiosa y, por casualidades del destino, con el viejo coronel, todos, salvo el extranjero, deciden hacer un pacto para no disfrutar: “no debemos saborear nada” “La comida no tiene importancia” “No pensaremos en ella”, sólo el viejo pretendientese lanza al disfrute de estos terrenales placeres y, poco a poco, va logrando, que el resto de comensales se vayan olvidando poco a poco de sus austeras ideas hasta que todos, satisfechos como nunca en la vida, vuelven a sus hogares liberados, abiertos al disfrute y al amor al que durante tiempo habían cerrado sus puertas.
 

“El festín de Babette” podría decirse no cuenta una gran historia, el nudo del relato se centra en torno a una cena, lujosa, pero una cena en la cual, como en muchas otras, se come, se bebe y cada uno para su casa, sin grandes borracheras ni importantes revelaciones… una cena. En la película no hay lugar para la tensión, no hay violencia, no hay intriga, no ha amor apasionado, carece de todos esos recursos que al cine tanto le apasionan. Así puede quedar un primer análisis superficial del film: se trata de una historia común, bonita ya que no deja de parecer un cuento pero poco más. El siguiente análisis puede deducir que en esta película el tema principal es la religión, o un elogio a la comida incluso al arte y no sólo de cocinar. Sin embargo, “El festín de Babette” va mucho más allá, me atrevería a decir incluso que habla de todo, habla del hombre, con un discurso freudiano de lucha entre el ello y el yo, los instintos, el placer y el control, tratando también la guerra, el amor, la felicidad... Es una película que incita a la reflexión sin que ella en ningún momento te haga posicionarte: no hay buenos ni malos, no hay crítica ni al fanatismo religioso que se profesa en el pueblo, no hay reproches, sólo hay distintas conductas y un inconsciente colectivo que puede estar oculto pero común en todos y siempre listo para aflorar. Todo esto además lo hace a través de una película de una espectacular calidad, con una interpretación notable, una ambientación perfecta y una fotografía espectacular, sin abandonar nunca la sencillez.

lunes, 9 de enero de 2012

YO, CLAUDIO


Por Nieves González Pérez

Quizás uno de los períodos históricos que mejor recuerdo haber “aprendido” o,más bien, llegado a comprender en términos de funcionamiento durantelos añosdel instituto es la época de los grandes emperadores romanos: el período de Claudio, de Livia, de Augusto, de Nerón, de Calígula...y lo recuerdo, no gracias a las exposiciones de profesores, ni a estudios para exámenes, sino gracias a él: Claudio.
De entre varios libros (que no películas) que nos recomendaron para Historia en 4º de la ESO, si no recuerdo mal, uno de ellos era este: Yo, Claudio, el cual a mi parecer, tanto él cómo la miniserie de los 70son uno de los mejores ejemplos de novela/serie histórica que han pasado pormis manos.
Hablo de los dos en conjunto, tanto libro como adaptación por la BBC y sin, por ahora, defender más a uno que al otro, ya que considero ambos un “documento” histórico de primera calidad aún tratándose de adaptaciones de ficción pues, mientras que otras magníficas obras literarias de también excelente calidad poseen adaptaciones cinematográficas bastante reguleras en uno u otro nivel, (Me vienen ahora mismo a la mente superproducciones como“Troya” de Wolfgang Petersen, supuestamente basada en la Ilíada, o Alejandro Magno de Oliver Stone, supuestamente basada en la historia de este dicho rey, aunque esta última, que yo sepa, no parta de ninguna obra literaria específica) sin embargo, Yo: Claudio posee calidad en los dos registros, lógicamente a la serie no le ha costado mucho pues partía de un muy buen texto .


He de reconocer que, como este libro lo leíen 4º de la ESO y la serie la vi poco después mi recuerdos de los detalles son bastante vagos aún así el argumento lo sigo recordando bastante bien así que intentaré, para los que no la hayáisleído/visto haceros unabreve hipnosis:
Yo Claudio, escrita por Robert Graves en 1934,narra la historia del personaje con este mismo nombre: un joven que consigue envejecer entre las trampas, venenos y traiciones de la Roma del I d.C cosa harto difícil y más teniendo en cuenta que este hombre no pertenecía a una familia cualquiera si no que nace y crece entre la corte. Esta sorprendente “supervivencia” no se da porque Claudio sea un ser extremadamente astuto o valiente si no por la carencia de estas dos virtudes: Claudio es considerado un deficiente mental a los ojos de la familia de ahí que nadie lo considerase una amenaza ni por ello malgastase sus esfuerzos en quitarle la vida. Sin embargo, Claudio ni es tan tonto ni tan poco amenazador, gracias a su aparente ignorancia consigue enterarse de todo lo que a su alrededor acontece y narrarlo es este libro, es más, el muy “tonto” llega incluso a ser emperador.
Esta novela, que no hay que olvidar que es una ficción contiene muchos datos históricos verdaderos y otras muchas suposiciones cuya veracidad no se ha podido comprobar, sin embargo ayuda a situar a los poco conocedores de la época en el funcionamiento de este imperio además de aportar muchos datos que ciertamente fueron reales.
La novela es una obra maestra y la serie no esta nada mal, aunque ciertamente se queda un poco anticuada en cuanto a imagen y efectos especiales comparada con las series que acostumbran a ver los jóvenes hoy en día, aun así sigoconsiderando ambos muy recomendables para emplear con fines didácticos, sobre todo en la enseñanza secundaria ¿Cuál más? Creo que los dos por igual cada uno presenta sus  ventajas y desventajas sin embargo, en este caso, debido a la mil veces repetida calidad de ambas lo que está claro es que ninguno hace ningún mal si no todo lo contrarío. Eso sí, queda otro problema y es el pensar que todas las novelas históricas o películas de este tipo pueden ser una fuente de referencia historiográfica como bien lo puede ser Yo Claudio, hay que saber marcar la diferencia o mejor aún, enseñar a los jóvenes a que sepan encontrarla.

YO RECUERDO.

Por María Gómez.

Porque hay películas que casi podríamos añorar aún sin haber visto…
Amarcord quiere decir “yo recuerdo” en el dialecto de la región italiana Emilia Romagna, de la que Fellini procedía.
Me pregunto si esta película trata sobre los recuerdos de Fellini o sobre los recuerdos de quienquiera que pronuncie ese “yo recuerdo”… Se dice que de las películas de Fellini, Amarcord es la más autobiográfica. Pero cualquiera que la viera sin tener idea de quién fue Fellini o qué significa “a m´arcord” podría reconocerse en ella.
Creo que Amarcord es una de esas películas que no caducan. Una de esas películas que soportan el paso del tiempo, que pueden verse tanto hoy como en los años setenta. Y de la misma manera puede verse en diferentes momentos de la vida sintiendo, con la misma intensidad, que te toca, te mueve, te habla. Probablemente lo que a uno le diga cambie, por la misma razón por la que no se es el mismo a los veinte que a los cincuenta. Quizá también cambie lo que en 1973 llamara más la atención con respecto a lo que pueda llamárnosla hoy (aunque no creo que lo haga tanto). Pero lo importante es que es una película que sigue viva.
Quizá porque trata de los recuerdos recreando una época de juventud, cualquiera podría verse en ella. Y por tanto cualquiera podría aprender con ella algo sobre el cine y su lenguaje, sobre los demás, o sobre uno mismo.
Podemos verla yendo de lo general a lo particular para acabar pensando en nuestra propia vida. O podemos, a partir de nuestra vida, reconocer las generalidades, lo que se repite de generación en generación, lo que compartimos con otros, lo que nos hace humanos. Lo que nos emociona, nos agita, nos desvela, nos inquieta, nos preocupa, nos hace gracia, nos atrae, nos vuelve locos. Se pueden identificar en esta película pasiones y sentimientos que todos tenemos, que vienen de lo cotidiano, y que Fellini recoge y refleja con una magia especial. Está llena de sorpresas, de juegos, de poesía, de humor… Es un trabajo personalísimo de un director que demuestra que se puede hablar de algo compartido y plural con una ironía, ritmo y alegría capaces de combinar perfectamente una visión jovial y desenfadada de la vida con una sabia madurez para nada moralizante…
Sus personajes y situaciones no pasan de moda: Las inquietudes y los sueños adolescentes; las fantasías, los descubrimientos, los deseos y la manera en que se crece con ellos; cómo éstos nos trasforman, o como les damos forma a ellos… Y como Fellini utiliza este desfile de personajes para construir una reflexión crítica con todos los niveles de la sociedad italiana de los años treinta es algo que no se puede pasar por alto, pues ni la iglesia, ni la educación, ni el régimen fascista escapan a su mordaz caricatura.
Por su vigencia, su ironía, su lucidez y la manera en que en esta película se traban la forma y el contenido- guión, ritmo y fotografía- pienso que es conveniente que no la guardemos en el baúl de los recuerdos. Que nos refresque la memoria con su genial irreverencia y que haga pensar a los chavales que ahora ocupan los pupitres.

Listado colaborativo de películas, vídeos y documentales


Por Ldtk

"Hola compañerxs,
os dejo aquí el link a un pad colaborativo sobre películas, vídeos y documentales a debatir para utilizar como intrumento educativo.

https://n-1.cc/pg/pages/view/1077372?

La idea es construir entre todxs una base de películas y recursos a utilizar como herramientas didácticas en contextos educativos. Aunque por supuesto la intención es que esté destinada a ESO y Bachillerato, podemos también incluir material más específico o material de conflicto para debatir.
 Esto no está en absoluto reñido con publicar en el blog, que ha de ser un espacio para comentarios más extensos y discusión de alto nivel al respecto. En concreto me parece que este listado debe de servir a modo de "Mediateca de batalla editable" para el profesor. Si os parece, yo os dejo aquí precisamente dos de mis favoritos del listado:

-The Accidental Sea Ransom Riggs. EEUU 2011. 6´35´´ HD
http://www.youtube.com/watch?v=otIU6Py4K_A
Documental-poesía-ciencia ficción sobre un desastre medioambiental del desierto de california. IN-CRE-Í-BLE. Uno de mis mini-documentales preferidos.
El documental (-pieza de arte) habla sobre un escenario post apocalíptico descrito por el director. Se trata de un espacio abandonado hace muchos años en el desierto de california que una vez fue albergue del boom inmobiliario y turístico. En este documental se mezclan muchos conceptos típicos de la filosofía del arte; belleza, destrucción, residuo.. con temas de actualidad y relevancia en el plano ecológico, social y político; los boom inmobiliarios, la crisis, la contaminación, la exclusión social.. tan solo en unos minutos. Además, permite abordar teorías críticas como el decrecimiento y la crítica al sistema de consumo y capitalista desde una visión local y un problema concreto.
Yo lo voy a utilizar en varias asignaturas, ¿a alguien se le ocurre algo más perfecto como herramienta educativa transversal? ;)

-The subconscious art of graffiti removal Matt McCormick. EEUU 2001. 16´
http://www.youtube.com/watch?v=pUa9x1-SMLo (extracto)
Corto-documental-ficción sobre el borrado de graffitis en Portland. IN-CRE-Í-BLE. Otro de mis mini-documentales preferidos.
Utilizando el tono de reportaje divulgativo sobre movimientos artísticos, el director consigue crear una ficción total sobre el borrado de graffitis y centrar al espectador-voayeur en la observación total de las imágenes. Plantea toda una serie de problemas: el cine como ficción (siempre), el documental como ficción (de nuevo) e interpretación de la realidad, las posibilidades del discurso divulgativo como obra de arte, el arte subconsciente, la política del graffiti, el residuo y el tiempo en el arte, la imagen total... Imágenes para deborar y a la vez para romperse la cabeza :). (por supuesto me debatiréis el tema de difundir el vandalismo en las aulas.. pero de forma sutil)

Poco más. Si queréis editar el pad ya sabéis que solo tenéis que escribir y que las revisiones se van guardando con el botón del disquete, y podéis acceder a anteriores revisiones o ver un progreso del documento en `deslizador temporal´. Todo está metido en el subgrupo de medios audiovisuales del Máster de Formación de N-1."

El paciente inglés.

Por Elisabet Prieto Orellana
Para no extenderme mucho, y poder establecer un diálogo con todos aquellos a los que les interese, únicamente quiero destacar dos aspectos, tanto positivo como negativo, que esta en relación con este elemento que nos trae de cabeza, el cine como instrumento educativo transversal.
Un aspecto positivo, la intercultaridad o multicultaridad (ya no se como llamarlo para no ofender a nadie, porque hasta el término es problemático). Esta película muestra diferentes cultural a lo largo de la narración, así como sus prácticas religiosas, vestimenta, rituales... rompiendo con los roles a los que estamos acostumbrados y que en cierto modo, dicho roles nos vienen del propio cine. Quién ayuda a nuestro pobre protagonista a salir del desierto son musulmanes, en un momento de la película ser europeo es lo más peligroso y hasta se puede morir por ello. Un personaje realmente importante ante estos aspectos es el buscaminas, llamado Kip de origen hindú, que rompe completamente con el estereotipo sobre esta cultura a lo que estamos acostumbrados a ver en otras películas. Además de que, consiente de mi desconocimiento ante el cine, poco hindúes he visto yo en otras películas que tratasen el tema de la Segunda Guerra Mundial. Además de esto, se produce el romance entre él y Hanna, acontecimiento que me parece muy interesante destacar, ya que hoy en día la posibilidad de conocer a gente de otro país, de otra cultura esta al alcance de todos y como no, el aula es uno de esos lugares, en donde la discriminación ante algo así es bastante común, anteponiendo nuestros propios prejuicios.
El aspecto negativo, la visión de la mujer es bastante tópica. En un primer momento creí que también rompía con el estereotipo de mujer; no es obediente, tampoco se queda en casa cuando el hombre se va de aventura con sus amigotes. Unos de esos hecho fue que Katharine es la única mujer en la expedición, al contrario que las otras esposas de los integrantes del grupo, acude al bar sola sin que su marido la diga nada, hasta en un momento se cuestiona porque los hombres se sienten amenazados por ella. Pero esto creo que se rompe, cuando surge la infidelidad, da la sensación de que a toda aquella mujer que se le de un poquito de libertad tiene la tendencia a irse con otro hombre. Sus actos además, tienen unas consecuencias horribles que afectan a muchas otras personas, un accidente aéreo, dedos amputados...siendo ella y sus actos, el origen de todas las desgracias. El personaje de Hanna también tiene una visión clásica, mujer sufridora, víctima de la perdida de sus seres queridos, que prefiere quedarse sola cuidando de su paciente, cocinándole, lavándolo...siendo sta una visión tópica de la mujer ante una desgracia, donde parece que debemos ser nostras las que tenemos que quedarnos cuidando a los demás, aunque también considero que muestra una gran fortaleza y valentía ante algo así.
Quizás estas ideas son erróneas y muy exageradas, pero en ciertos momentos es lo que se me venía a la cabeza, ahora lo interesante es conocer vuestras opiniones.

Sur mes lèvres, J. Audiard, 2001

Por Paula Gil Ruiz

Ideas Principales

La película trata sobre Carla, una chica con una minusvalía auditiva y que por su deficiencia aprende a leer en los labios. Arropada en su cápsula protectora, se ha acostumbrado a “expiar” a los demás a través de su lejanía. Paul, un ex convicto y con libertad condicional. Dos personajes marginados, grises pero a la vez nada convencionales, que se encuentran en sus vidas y se complementan y liberan mutuamente. La obra va narrando las diferentes situaciones en las que se van encontrando estos marginados, hasta acabar con una mafia de gánster y robar el dinero de los que le sometían a Paul. Una temática de suspense como la de muchas películas pero con un significado de como dos personas inadaptadas que no pueden estar solos, pero juntos se complementan y superan

Uso de los elementos técnicos para reforzar ideas: 

Planos

Podríamos hablar del ritmo de la película, haciendo hincapié en los tipos de planos que se nos muestran. Planos de personajes cortados a la mitad, para hacernos protagonistas de la observación de lo que va pasando. El lugar de las fotocopias en la oficina, origen de los trapicheos e la pareja, la azotea con planos cotos y a través de los prismáticos o los planos detalle que nos ponen en situación a través de la película: el aparato de sordera, el tatuaje de Paul y los planos subjetivos, como cuando Paul es trasladado dentro de la bolsa de basura y solo ve la luz a través de un agujerito pequeñito. 

Sonido

Podríamos tratar la originalidad de los cortes sonoros para darle más énfasis a diferentes escenas: nada más empezar la película, nos sorprende un vacío sonoro que es cuando la protagonista se cae. A la entrada de la discoteca, decide aislarse del tumulto ruidoso y se desactiva el aparato de la sordera y nos deja la escena en silencio…cuando es violada y no oímos lo pasos de Paul acercándose, en definitiva, diferentes cortes que nos hacen estar más dentro de la protagonista 

Temas Transversales:

Marginalidad laboral, maltrato laboral
Minusvalías físicas: prejuicios, atención y cuidado de ellas
Discapacidad: actitudes positivas y negativas hacia la discapacidad. Barreras de todo tipo que tienen los discapacitados para su educación y socialización. Facilitar lecturas para promover en el aula actitudes positivas hacia la discapacidad. Proponer cambios de actitud en los profesionales, autoridades y sociedad ante el mundo de la socialización de discapacitado

Conclusiones:

Es una película original, forma parte de ese “otro cine” europeo, que es necesario conocer y estudiar en el ámbito de la escuela, o por lo menos darlo a conocer. La película dispone de elementos técnicos de realización, originales y diferentes para permitir una sesión de análisis de la misma, unido a la temática transversal expuesta de marginalidad y minusvalía.