lunes, 27 de febrero de 2012

Nightwatching (La Ronda De Noche) de Peter Greenaway


Por Paula Fernández

Sinopsis:
En 1642, Rembrandt era un pintor conocido y respetado en toda Holanda. El artista consideraba que su último encargo, un retrato de grupo de la milicia de arcabuceros de Ámsterdam, no estaba a su altura, pero terminó aceptándolo ante la insistencia de su esposa. A medida que se adentraba en el mundo de los mercaderes, Rembrandt iba descubriendo un entramado de corrupción que terminaría en un crimen espantoso. El artista decidió denunciarlo en su obra, sin saber que esto sería el inicio de su declive personal y profesional.
La película está clasificada para mayores de 13 años, por lo que sería adecuada para proponerla en Bachillerato, en asignaturas como Imagen o Historia del Arte.
Temas a tratar en el aula:


La historia detrás de un cuadro
Es una buena película para introducir a los alumnos en el mundo del arte. En ella se presenta todo lo que puede haber detrás de un cuadro o un artista: El contexto histórico, el social y el del propio artista; por qué pinta eso, por qué así, y qué intenta decirnos. Es un acercamiento a la complejidad que pueda tener cualquier obra de arte.
La composición, la imagen y la estética
Es una obra con una fotografía muy cuidada, con composiciones muy teatrales. Hace uso del claro oscuro y alude constantemente a bodegones pictóricos de la época, ayudándose de todo ello para enmarcar la composición. De esta forma nos muestra teatro y pintura a través del cine. Se pueden tratar cuestiones como los fundamentos sintácticos de la alfabetidad visual, el principio de adecuación al marco espacial, la estructura espacial de la imagen, el peso visual, las direcciones visuales, el equilibrio visual, tipos de composiciones y esquemas compositivos.


 • Color
En la película puede analizarse la labilidad de color, las sugerencias asociativas del color, por ejemplo en esta escena en que Rembrandt habla de cómo explicar los colores a un ciego, así como de las síntesis aditiva y sustractiva y el efecto Purkinje. También puede analizarse la percepción visual y cómo funciona la visión humana.
Ritmos
Durante el desarrollo de la película se aprecia la importancia de una continuidad y de un ritmo narrativo, lo que puede ser tema de estudio con los alumnos.

El Bosque Animado de José Luís Cuerda


Por Paula Fernández

Basada en la novela homónima de Wenceslao Fernández Flórez, en esta película se relata el fantástico mundo del bosque animado, donde ocurren diversas historias. Un bandido, un pocero, una niña que trabaja, un chico que no quiere trabajar, una muchacha que emigra, un fantasma que busca compañía... Estos, y otros personajes, constituyen el diverso panorama que vamos descubriendo entre los árboles de "El bosque animado".
Esta propuesta podría ser adecuada como acercamiento a la literatura, para proponer un análisis comparativo entre la novela y su adaptación a guión cinematográfico. Teniendo en cuenta que es para todos los públicos se podría proponer en diversos cursos.
Podemos analizar una serie de aspectos que se podrían proponer en el aula:
La obra en su adaptación cinematográfica ha sufrido ciertas variaciones y modificaciones. Se han eliminado fragmentos de historia  debido a las limitaciones propias del medio (tiempo, coste y aceptación del público).
La singularidad de la obra de Fernández Flórez frente a un tono más costumbrista de la adaptación de José Luis Cuerda. Aunque la adaptación es de calidad, la obra del literato la supera gracias a un mayor tono fantástico. Ello se debe a que el tema principal del libro no es la acción de un personaje o personajes principales, sino la fraga de Cecebre y sus diversos habitantes. Así, en la obra de Wenceslao Fernández Flórez vemos un mayor tratamiento de los animales y plantas, que son los elementos más relevantes de la Fraga, y este hecho queda menos patente en la obra de Cuerda. Sin esta fauna y flora a la que en el día a día no prestamos la atención que se merecen, nuestra vida en este planeta sería imposible.
Éste es un aspecto que no queda tan claro en la obra cinematográfica. Todas estas criaturas tratadas como fantásticas en la novela, en la adaptación prácticamente no aparecen, y si lo hacen no se exponen de este modo místico y lírico. El único personaje irreal de la fraga que queda reflejado en la película es el alma en pena de Fiz de Cotobelo y la Santa Compaña. Todos estos seres no representados, además de aportar un aire surrealista, hacen referencia a otros aspectos que en esta adaptación quedan sin expresión o se les concede menos importancia. Véase los árboles y el telégrafo como oposición entre lo tradicional y las nuevas tecnologías.
Otra gran diferencia es la división de ambas obras en el tiempo. Si bien en la adaptación fílmica José Luís Cuerda ha realizado un entrelazado de historias, Fernández Flórez busca una división más o menos rígida con las llamadas “estancias”.
Es interesante el paralelismo de la novela y la película con la obra del escultor vasco Agustín Ibarrola, en el bosque de Oma. En su obra, el escultor dota de vida fantástica a los árboles, rocas y paisaje, por medio del color; pintando en los troncos de los árboles figuras geométricas, humanas o animales y llenando de habitantes mágicos el bosque.

EL MONOLITO EN EL INSTITUTO

Por Alba Ceide


Lo atractivo de la ciencia ficción reside en alejarse del argumento y llegar a elucubrar sobre futuros indescriptibles. Un detonante que impulsa la mente hacia otras fronteras jamás exploradas lanzando al espacio las preguntas sin respuesta que tanto han fascinado a la psique humana.
La sed de conocimiento del hombre es insaciable y la ciencia ficción permite esas reflexiones, en ocasiones descabelladas, que nos inquietan. La adolescencia desafía los dogmas con posibilidades que unos años más tarde tintaríamos de pueriles. Alimentar la mente juvenil con relatos de ciencia ficción no sólo puede ser enriquecedor si no que resultará fascinante.

Por ese motivo me aventuraría a proyectar en un instituto “2001, Una Odisea del Espacio”. Desde luego acompañado de la lectura de la novela de Arthur C. Clarke.
Imagino que lo interesante sería desarrollar una unidad didáctica en torno a ello. ¿Por qué no? Hay mucho material disponible al respeto. Quizá, la unidad debería comenzar con unos breves destellos sobre su argumento. Destellos que no serían más que: “Vamos a ver una película sobre unos monos que evolucionan”. ¿Sería necesario decir más? No.
Pero nosotros si podríamos ahondar más. “Unos monos que evolucionan con la ligera ayuda de…”
He aquí la cuestión principal en las tertulias de café. Desde luego, este aspecto es despejado en la novela de Clarke, pero Kubrick no lo deja tan claro. De todos modos podríamos repasar ciertos datos del film para completar la anterior sentencia y descubrir quién se ha dedicado a esparcir losas por el espacio.


Lo primero que hay que tener en cuenta es que ha aparecido un inmenso ladrillo negro sobre las rocas. Si hasta el momento, los seres vivos más evolucionados del Planeta Tierra eran los mono-humanoides, malamente una tortuga o un escarabajo pelotero podrían haber construido tal cosa. Pero nuestra estupefacción inicial se vuelve fascinación cuando una segunda losa (TMA-1, Tycho Magnetic Anomaly One) aparece sobre la superficie lunar. Es descubierta por unos mono-humanoides que han sido capaces de embutirse en trajes espaciales. La pandilla primate de Moon-Watcher ahora es capaz de desplazarse entre los planetas y ha conseguido alunizar en el cercano satélite.
Ahora sabemos que fuera lo que fuese el ente, cosa o ser que repartió las losas espaciales no sólo debe de ser más antiguo que el hombre si no que su nivel tecnológico y cognitivo le permite adaptarse al espacio. Es una reflexión obvia. Pero más importante es recordarla.
El ladrillo negro que encuentra Dave resulta todavía más esclarecedor. Y si atendemos a los momentos puntuales en los que aparecen estas oscuras construcciones quizá descubramos su razón de ser.
Mono-humanoides primitivos. Humanos en la luna. Dave en la puerta de las estrellas (siguiente losa en la órbita de Saturno para Clarke, Júpiter para Kubrick)


Hace unas semanas escuché otras opiniones sobre el argumento de “Una odisea espacial”. Hasta ese momento jamás había pensado en Dios como posible constructor de tales arquitecturas rectangulares. Sigo sin pensarlo. Pero lo cierto es que fuera Dios o una civilización alienígena superior quien insuflara el espíritu evolutivo en los primates, el discurso no cambia en absoluto. Seguimos hablando de evolución. Dudo que la intención de Kubrik fuera el creacionismo. Y mucho menos el creacionismo evolutivo. En el caso de que el director hubiese tratado de representar a Dios por medio de una estructura geométrica no lo haría sin la evolución de su ser. Del mismo modo que los alienígenas de Clarke han evolucionado, Dios habría comenzado siendo un primitivo ente que habría llegado a un nivel superior. Un retazo de humor, incluso en “El Árbol de la Vida”, la madre señalaba al cielo indicando la morada de Dios. Allá entre las estrellas. Más allá de la órbita de Saturno. Más allá del Sistema Solar y de la Vía Láctea. Quien busque el final del camino jamás lo encontrara en Dios.


Uno de los aspectos básicos de la educación es mostrar que no siempre hay una respuesta. Que en muchas ocasiones no llegamos a discernir lo que hay más allá de la punta de nuestra nariz. Este no debe ser el motivo por el que establezcamos límites invisibles para tratar de calmar nuestra insaciable sed de curiosidad.
No hace mucho he visto el documental “El Universo de Stephen Hawking” en el que el científico decía: “Hemos descubierto más acerca del cosmos en el último siglo que en toda la historia de la humanidad. Finalmente estamos resolviendo los misterios básicos que dejaron perplejos a nuestros ancestros durante al menos doscientos mil años. Lo que más me gusta de todo es que los hechos son increíblemente sutiles y sorprendentes”. Acerca de la teoría que expone en el documental: “En mi opinión una historia fascinante y mucho más extraña que cualquier explicación que hubiesen pensado nuestros antepasados”
Resulta fascinante el planteamiento de “2001” en el que un Dave muere para dejar paso a un Dave inmortal. Conocimiento puro. Quizá el último estado evolutivo para el hombre. El último que tuvieron los alienígenas que ayudaron al desarrollo cognitivo de los primates. Nuevamente, Hawking: “Cuando entendamos realmente por que existe el universo. Puede que entonces, cuando por fin hayamos resuelto el enigma cósmico y nos convirtamos en masters del universo, del nuestro y del de al lado”
La película “2001, Una odisea del espacio” puede ser una potente herramienta interdisciplinar para hablar de evolución. Acompañado de la novela de Arthur C. Clarke, de su relato “El centinela” y por que no, de “El hombre que evolucionó” de Edmon Hamilton.
Incluso permite acercarse a la inteligencia artificial, que no se ha tenido en cuenta en el presente escrito. Quien desee hacerlo, que lo discuta con Cleverbot.

BARRY LYNDON

Por Elisa Díez


Ficha Técnica: Director Stanley Kubrick. Guión: S Kubrick basado en la novela de William M. Thackeray del mismo título publicada . Actores principales: Ryan O´Neal y Marisa Berenson. Produción: Warner Bros (Jan Harlan, S.Kubrick y B. Williams). Fotografía: John Alcot. Música: Leonard Roseman con piezas de Haendel, Schubert, Mozart y canciones populares irlandesas. Duración: 182 minutos

La historia se divide en dos actos:

El primer acto ambientado en irlanda (S. XVIII) retrata la vida de Redmond Barry, joven de origen humilde con aspiraciones nobiliarias y que tras aparentemente matar en duelo al prometido de su prima de la que está enamorado, escapa y se mete en el ejército inglés donde lucha en la compleja guerra de los siete años y protagoniza numerosas andanzas. En determinado momento deserta y viaja por Europa llegando a convertirse en agente secreto al servicio de Prusia para acabar como jugador profesional y busca fortunas.
En el segundo acto se relata como el protagonista se casa con  Lady Lyndon, una viuda adinerada, a la que no ama y con la que tiempo después tiene un hijo. Lady Lyndon tiene otro hijo del matrimonio anterior que no aprueba la relación de su madre con Barry. En esta etapa, la historia se centra en el juego de convivencia del matrimonio, y las relaciones paterno filiales y sociales que se producen y cómo la vida vuelve a poner en su lugar de origen al protagonista.


Más que por criterios teóricos de carácter didáctico, mi elección de Barry Lyndon viene condicionada, en gran medida, por mi experiencia personal. A los 17 años, vi la película por primera vez. Carecía de datos previos sobre las características del film. Solo sabía que era muy larga y muy lenta, por lo que mi predisposición era de resignación ante el más que probable aburrimiento que la película me podía a ofrecer. Sin embargo, desde el principio, fui adentrándome en la historia y nutriéndome de elementos de los que nadie  me había advertido. Desde aquel momento se podría decir que Barry Lyndon ha influido y marcado de manera permanente mis inclinaciones en relación con tres aspectos fundamentales de mi visión de las cosas: El gusto por la música (la impronta musical que deja esta película, es indiscutible), sobre todo la clásica, el aprecio de la belleza de la luz (que ha visto reflejado en mi propio trabajo artístico) y el interés por la narrativa de las complicaciones y vicisitudes de las relaciones e intereses del individuo, tres aspectos magistralmente tratados por Kubrick en Barry Lyndon.
Aunque es cierto que existe el riesgo de que un sector de los alumnos pudiera rechazar la película por su duración, lentitud narrativa y ausencia de un sistema definitorio de buenos-malos (todos los personajes son duales, con flaquezas, como en la realidad), la simple posibilidad de que los alumnos pudieran “descubrir” la calidad del film justifica, a mi modo de ver, su aplicación en el aula.

jueves, 23 de febrero de 2012

“SHINE,EL RESPLANDOR DE UN GENIO” – Scott Hicks.


Por Jesús Palacios

La película “Shine, el resplandor de un genio” es un drama basado en hechos reales del director australiano Scott Hicks. Narra la historia de David Helfgott, un famoso pianista australiano del siglo XX.
 El protagonista  nace en el seno de una familia judía de origen polaco. Desde niño estudió piano con su padre en casa. Sumamente introvertido y con muy pocos atributos para el relacionamiento social, encontró en este instrumento el único lazo de comunicación con los demás. La figura del padre es determinante en la vida de David. Un padre autoritario, dictador y con un estilo educativo castigador, donde se enseña a ser el más fuerte, y se castiga la desobediencia con fuertes maltratos físicos. Son sentimientos dicotómicos, por un lado le quiere mucho pero le pega, y por otro lado, quiere que sea el mejor pero le prohíbe irse con una beca a EE.UU. Con tal panorama, David se verá afectado psicológicamente de por vida. A los 19 años, volvió a ser becado, esta vez por la Academia Real de Música de Londres, y decide irse sin el consentimiento del padre. Dos años después, padeció un colapso nervioso en su examen final con el 3er Concierto de Rajmáninov y regresó a Australia, donde su padre no lo acogió. Su estatus psicológico fue a peor y estuvo ingresado en una clínica, donde se le prohibió(a modo de terapia) tocar el piano. Allí conoce a una trabajadora voluntaria que le reconoce, y decide llevárselo para que viva con ella en su casa (debido a que el centro psiquiátrico decía que sólo estaba allí por que no tenía a donde ir). Helfgoot vuelve a tocar el piano en un pequeño bar, donde conocería la que será su mujer, y poco a poco volvería al mundo del piano.
Es una película con un ritmo narrativo entretenido, una buena fotografía (Geoffrey Simpson), y una banda sonora seleccionada muy apropiada para cada momento por David Hirschfelder, donde podemos escuchar piezas de Chopin, Paganini, Liszt,.. El guion es de JanSardi, un guion bastante dinámico y bien adaptado y creíble. Esto puede ser debido a la colaboración de la hermana de David, y del mismo David, lo cual enriquece muchos de los diálogos, con frases que se repiten  “casi literalmente” a como fueron en realidad.
Los actores principales: Geoffrey Rush, en una composición magistral de David; pasando por el impecable Armin Mueller Stahl, que dota al padre de unos gestos y matices espectaculares y Noah Taylor, excelente como David en la adolescencia.


El doblaje de la película no es malo, pero sí que interesaría verla en V.O. para determinar la buena o mala actuación Oscarizada de Rush. Para hacer este juicio también se puede comparar con videos/grabaciones del propio pianista que se pueden encontrar por la red fácilmente.
No se podría hablar de buenos y malos en sentido estricto. Quizá sea la figura castigadora y maltratadora del padre la que actúe de manera menos ética. Pero también se podría hacer el juicio de que lo único que hace el padre con Helfgoot,es lo que su padre pudo hacer con él. En ciertas escenas de la película se pueden observar estas connotaciones. De todos modos, no voy a realizar un juicio moral personal, lo que sí quiero mostrar es el dilema que plantea, y una de las posibilidades de debate que esto crearía, y según las respuestas de los alumnos, podríamos hacernos una idea de qué nivel de desarrollo moral medio tienen los jóvenes con los que estemos tratando (Desarrollo moral – Kohlberg).
Como he indicado, la película tiene una fotografía bastante buena y se puede mostrar a los alumnos algunos ejemplos típicos de tipos de planos, movimientos de cámara, flashback,…
En cuanto a posibilidades transversales, la más característica es el acercar la música clásica al aula, donde aparte de la historia del propio David Helfgott, la película contiene obras y composiciones de diferentes Maestros de la música como son Chopin, Rajmáninov, Liszt,…
Otro de los motivos por los que sería adecuada para el contexto educativo sería el fomentar algunos valores universales como la superación personal mediante el esfuerzo.
En fin, creo que es una buena película para llevar al aula, ya que infunde todos estos temas transversales de manera contextualizada y entretenida a los alumnos.

“EN BUSCA DEL FUEGO”, Jean-Jacques Annaud.


Por Jesús Palacios

“En busca del fuego”es un film difícil de categorizar estrictamente, ya que se puede ver como una película de aventuras, además de “documental”, histórica,…Estáambientada en el Paleolítico Medio, hace unos 80.000 años.  Es una película franco-canadiense del director  Jean-Jacques Annaud. La película narra las condiciones de vida en las que vivía el hombre, y sobre todo, aludiendo a su nombre, hace hincapié en la importancia vital del fuego. Los protagonistas son una tribu de neandertales (los Ulam) que, tras haber perdido el fuego que protegían por el ataque de un clan rival, deciden que tres jóvenes marchen en su búsqueda, ya que aún no sabían cómo fabricarlo y su obtención dependía de las circunstancias naturales (como los rayos). Al final aprenderán de otra tribu más avanzada el secreto de la producción de éste.
Es una interpretación personal del director de la novela de J.H. Rosny “la conquista del fuego”. Para una reconstrucción realista de la época, Annaud contó con la ayuda de expertos en la Prehistoria, como el zoólogo Desmond Morris o el novelista y lingüista Anthony Burgess, que se inventó el modo de comunicarse de los personajes a base de gruñidos y lenguaje no verbal, los cuales mediante su interpretación dotan a la película .
La ambientación de la película es buena. Algunas de las escenas están rodadas en Canadá, África,…todo ello para intentar trasladarnos a esa época, y a mi juicio bastante bien conseguido. Estos escenarios son propicios para (con una ejecución correcta) cualidades fotográficas como las resultantes en esta película.
La fotografía fue dirigida por Claude Agostini.Los escenarios, como hemos indicado, son todos exteriores, naturales, donde no podemos encontrar muchos elementos añadidos (ya que el hombre en esa época dejaba pocas “huellas” de su presencia. Agostini se centra en dotar de amplitud y magnificencia a los paisajes naturales, sacándole buen partido a los paisajes abiertos y a las escenas nocturnas iluminadas por el fuego.
Tiene un ritmo narrativo bastante bueno, aunque en algunas escenas cuando se muestra  los paisajes y se ralentiza la acción, puede impacientar un poco. En cuanto al guion, sería difícil evaluarlo en sentido literal, ya que como he dicho antes, los personajes se comunican por gruñidos, no hay un idioma que hoy en día se hable en algún lugar, y el guionista tampoco añade subtítulos para explicar qué es lo que están comentando.. Pero sí cabe decir que el lenguaje inventado por el lingüista es original, y sobre todo, el lenguaje no verbal ejecutado por los actores, es muy creíble.
La música/B.S.O. a mi parecer es de órdago. Philippe Sarde fue el encargado de realizarla. Está compuesta por una serie de melodías con sabor primitivo al estar elaboradas con instrumentos de viento y percusiones. Por la London SymphonyOrchestra y Les Percussions de Strasbourg bajo la dirección de Peter Knight. Sabe cómo utilizarla inteligentemente para cada momento, y ambientarnos en los momentos de tensión, de tranquilidad,…y cubriendo en cierto sentido la falta de diálogos.
Los actores, como ya he anticipado antes, realizan una interpretación muy creíble y realista. Algunos de los más destacados son  Everett McGill (el Mayor Powers en “El sargento de hierro“) o Ron Perlman o Rae Dawn Chong. Todos consiguen, sin decir ni una sola palabra entendible, transmitir más que muchos de los diálogos de otras películas.
No podríamos hablar de bueno o malos en sentido estricto, ya que las acciones de los diferentes personajes se mueven por instinto y supervivencia.


Pienso que es una película con bastantes posibilidades educativas. Por un lado, y como he estado describiendo, a mi parecer es una película de notable técnicamente hablando, por lo que se podría dar un repaso con los alumnos sobre los tipos de planos, escenas, movimientos de cámara, angulación,…
Por otro lado, es una película con muchas posibilidades transversales, aparte de la Historia que es evidente, también relacionadas con las ciencias naturales, o incluso de teatro, todo depende de las habilidades y motivación del profesor que les muestra la película.
Además, es una película que aunque sin diálogos, es bastante entretenida, y lo más importante, que ese entretenimiento es activo, ya que la formación de las conversaciones debe ser por parte del alumno, imaginando qué es lo que se pueden estar diciendo. También en este caso el profesor, deberá inducir a que hagan este ejercicio, con preguntas tipo –“y que creéis que le está diciendo a la joven”-.
Otro de los motivos respecto a su utilidad en el aula, es la oportunidad que brinda el hándicap de no poseer un lenguaje-idioma determinado y  basarse únicamente en gestos y ruidos amorfos. Esto sería muy útil a la hora de visionar la película con grupos donde la población inmigrante es un número considerable y su conocimiento de la lengua aún puede ser bastante básico. Así, podrían adquirir un conocimiento aproximado en prehistoria sin que el desconocimiento del idioma sea un inconveniente.

“Fahrenheit 451”


Por Galya Hristova

He elegido la película “Fahrenheit 451” (1966) para ser trabajada con los alumnos de segundo de ESO (13-14 años). Está dirigida por el director francés  François Truffaut basada en la novela de RayBradbury con el mismo título.
La película, al igual que el libro, retrata una sociedad futurista, una utopía negra en el que uno ha de ser feliz por ley. Se representa un mundo cada vez más rápido al que la gente intenta vivir en una felicidad perenne, vacua, implantada en las mentes de las masas a través de la televisión o de pasillas que apacigüen cualquier inquietud o interés. Impera el culto al hedonismo y la ignorancia se considera una panacea. Leer impide la felicidad pues los libros provocan que los lectores piensen por si mismos y para evitarlo el cuerpo de bomberos se dedican a quemar los libro clandestinos, que encuentran.
Más que un libro de ciencia-ficción, al igual que otras obras de StanislavLem o Isaac Asimos, Bradburynos presenta un hipotético futuro, crea un mundo ficticio, que al día de  hoy no nos resulta nada improbable. En 1953, cuando Bradburyescribe el libro la televisión esta en su apogeo. Hoy en día las pantallasocupan toda la pared, la televisión es la fuente más influyente de información y de distracción al que el ciudadano destina gran parte de su tiempo. Es la forma más efectiva de controlar las masas, un instrumento político perfecto que crea opiniones y manipular la conciencia ciudadana.
Me parece muy importante que en la edad de los alumnos de ESO, cuando se forma la identidad y la personalidad, se traten los temas que trata esta película. Por un lado se invita a la lectura de esta obra maestra convirtiendo el acto de leer en un acto subversivo y liberador


El ritmo de la película es entretenido y unos conceptos accesibles ayudan a plantear posibles futuras  cuestiones para un posterior debate:
- ¿Podemos hablar de libertad, elección o incluso imaginación sin conocimiento?
- Plantear el tema de la televisión y los medios de la comunicación e información. ¿Cómo se podía hacer un filtro y tener una opinión propia?,¿Es posible ser neutral?
- El papel del “ejecutor” (los bomberos de la película):¿es culpable ejerciendo su obligación profesional?
- Hablar sobre la opinión de la mayoría. ¿Qué una idea sea apoyada por la mayoría la legitimiza? ¿La hace más verdadera?
La película es una buena introducción de temas como la identidad, la comunicación, el sistema social, los medios de comunicación e información de masas, y los productos culturales.
Quizá el punto débil de la película son los efectos especiales utilizados. Tratándose de una película hecha en los años 60, el futuro que se recrea tiene hoy en día un toque caduco, casi cómico. Sin embargo podemos utilizar este supuesto hándicap a nuestro favor contextualizando la película en la época que fue hecha, hablar de la música  realizada porBernard Herrmann), el color, esta fue la primera película realizada en color por el director François Truffaut, analizar el vestuario, la fotografía y la ambientación de la película.
En resumen: una película y libro altamente recomendables para los alumnos y para cualquier edad. Un antídoto contra la manipulación y el adoctrinamiento masivocada día más indetectables y sofisticados.

miércoles, 22 de febrero de 2012

La mirada de Ulises

Lo propone Raquel Hernández


El contrato del dibujante


Por Luis Lancho

Mi propuesta se basa en la película del director galés Peter Greenaway "El contrato del dibujante".
En cuanto a temas transversales se refiere, voy a hacer una pequeña lista de lo que humildemente creo que puede ser de interés.
La relación de la imagen de Greenaway con la pintura del siglo XVII y con especial atención hacia la pintura flamenca, se ve claramente en muchas de las secuencias de la película, en las que ilumina con velas o luz natural en los exteriores, influenciado quizá por Barry Lyndon….  a esta brillante puesta en escena se suma una banda sonora basada en la orquestación de diferentes autores barrocos y clásicos, esencialmente Purcell y Mozart, dirigidos por Michael Nyman.
Por otro lado, alejándonos del tema formal, nos percatamos de la densidad del argumento y diálogos de la película, que no por ello menos interesante, por momentos es complicado de seguir en la versión original.
Dentro de que esto pueda provocar un pequeño rechazo en el espectador, en nuestro caso en los alumnos, la película y toda la obra de Greenaway está compuesta por una iconografía y mitología en mi opinión óptima para desgranar con un grupo de alumnos, previamente puestos en contexto.
La mitología en esta película no es ni mucho menos fácil de desgranar ya que se compone de diferentes mitos. A lo largo de la película se realizan alusiones al mito de Perséfone, primero mediante Mrs Talmann quien explica parte del mito a su sobrino y más tarde tras el contrato del décimo tercer dibujo, cuando Mrs Herbert le explica al dibujante el mito. El mito cuenta como, los hombres infértiles y temerosos de la fecundidad de la mujer, las raptan como Hades a Perséfone, y construyen jardines y palacios como en el que ella(Mrs. Herbert) vive para paliar y compensar la infertilidad y el cautiverio.


Otro mito que podemos encontrar en la película es el de Hércules ya que el dibujante se encarga de realizar 12 dibujos según el contrato, comparable a los las doce pruebas impuestas por Euristeo pero en realidad decretados por Hera/Juno, la diosa enemiga del héroe. Por otra parte el dibujante está en una posición social incierta, es odiado por los aristócratas que se sirven de él al igual que Hércules es odiado por algunos dioses que a su vez se aprovechan de sus cualidades.
Otro tema que puede ser relevante y a su vez transversal son las conversaciones que mantiene el dibujante y Mrs. Talmann sobre la postura e intelectualidad del artista, existe una tensión y a su vez una fusión entre una visión racionalista y científica de la realidad con otra simbólica, mágica e irracional, lo que a mi modo de ver se puede traspasar al debate en el arte.
Por un lado los dibujos de mr. Neville (el dibujante), se enmarcan en las técnicas del renacimiento italiano, en el carácter científico y racionalista, la obsesión por la perspectiva, como se puede observar en la película en el elemento técnico fundamental del dibujante, el atril cuadriculado que funciona como diafragma.
Además, se cita en varias conversaciones una reflexión sobre la inteligencia del artista, si es o no es inteligente, puede ser también un buen punto de partida para un debate en clase. Investigando en la red he encontrado posibles referencias bibliográficas que nunca han sido citadas por Greenaway en las figuras de J. Frazer o R. Graves.
La iconografía en la obra de Greenaway no acaba aquí ni mucho menos y creo que puede ser de gran interés para una clase la reflexión sobre su obra, no solo de esta película sino de muchas otras, como por ejemplo The Tulse Luper suitcases (P. Greenaway, 2003-2007), proyecto formado por una trilogía fílmica, una serie de performances VJ y videoinstalaciones.
Os invito a todos a buscarlos por la red y compartirlo ya que creo puede ser de gran interés y no lo encuentro. Un saludo.

Los espigadores y la espigadora- Agnès Varda- 2000


Por Teresa Ariza

Es una película-documental grabada en vídeo.
En el arranque se muestran imágenes de las espigadoras de Millet y de Jules Breton y también la definición de espigador tomada de una enciclopedia; a partir de aquí se cuenta una historia de espigadores y espigadoras actuales que, según avanza la película, se va entrelazando con las  pinturas realistas del comienzo.
Estos espigadores contemporáneos subsisten principalmente de alimentos que son desechados por sus dueños, especialmente en los campos de cultivo, donde toneladas de patatas, tomates, hortalizas y manzanas quedan abandonadas después de la recolección, alimentos que, si no se espigan, se pudren.
La directora también muestra espigadores urbanos que se alimentan de comida encontrada en la basura, a un jubilado espigador de muñecos que los acumula haciendo grandes esculturas, a otro espigador pintor que reutiliza objetos y los transforma en marcos para sus pinturas, espigadores de electrodomésticos... Y alterna todas estas historias con imágenes de sí misma enseñando su mundo, sus objetos preciados, sus gatos, su gotera en el el techo que le recuerda a Tàpies y a Guo Qiang, sus juegos inventados mirando sólo con un ojo, sus pinturas preferidas y sus productos espigados: patatas en forma de corazón y un reloj sin agujas.
Uno de los motivos por los que considero esta película adecuada para el aula es por la manera en la que muestra la espalda de la sociedad de la abundancia y el consumo: aunque muestra historias de gente que vive en situaciones desfavorecidas no utiliza trucos lacrimógenos ni adopta un punto de vista paternalista, sino que, al contrario, estas personas aparecen como supervivientes que, sin estar dentro “del sistema” saben aprovechar las fisuras y residuos de éste y salir adelante.



Por otro lado hace bastante hincapié en la legalidad de la forma de vida de estos espigadores (al menos en Francia), cuestión importante para que la película se pueda llevar al aula sin problemas y,  también, factor que acentúa las posibilidades transversales de fomento de la sensibilidad hacia la integración social.
El único acto delictivo que aparece en la película tiene relación con un grupo de okupas, y se aborda a partir de testimonios de los denunciados, del denunciante y también de la jueza que lleva el caso; punto de partida interesante para abrir un debate.
El ritmo de la película, sin ser trepidante, es bastante ameno. El hecho de tratarse, además, de una película que cuenta con muy pocos recursos materiales creo que puede animar a los alumnos a coger la cámara de su teléfono móvil y ponerse a grabar.
Además tiene una fotografía cuidada que sobre todo trata de mostrar lo que se mira desde un punto de vista afectuoso y cercano.
La película no promueve especialmente la práctica de la lectura, pero sí el gusto por la pintura y la cultura artística. Muestra con mucho detenimiento pinturas de Rembrandt, estampas de Ukiyo-e, el Juicio Final de Van der Weiden, las fotografías y el lugar de trabajo de Marey, la obra de Louis Pons... y menciona a otros artistas e instituciones relacionadas con la alta cultura.
Por otro lado sí enfatiza el esfuerzo y la capacidad de supervivencia de los personajes que retrata y que, por cierto, no aparecen como pobres desubicados sin criterio, sino todo lo contrario. De hecho no todos los personajes espigan por los mismo motivos, algunos tienen trabajo, seguridad social, etc, pero defienden la reutilización de los productos desechados como una cuestión ética, independientemente de lo barato que pueda resultar.



Las minorías a las que presta atención y dedica una mirada afectuosa no son solamente los espigadores y las espigadoras. También se presta atención a sí misma como mujer próxima a la vejez.
La situación que muestra el documental (estrenado hace doce años) de pequeñas economías organizadas a partir de los residuos que va dejando el esquema económico oficial es una cuestión candente en la actualidad y de gran interés, ya que desde el 2008 se ha visto acentuada.
Otro cineasta en sintonía con este documental de Agnès Varda: Alain Cavalier.

martes, 21 de febrero de 2012

HISTORIA DE UN CRIMEN


Por Alba Ceide

Truman Capote (Toby Jones), viaja a Kansas atraído por la noticia de un homicidio que se le “ha pegado a los dientes como un trocito de caramelo”. Su curiosidad le conduce a Holcomb. La investigación del escritor para su futura novela avanzará hasta entrar en contacto con los autores del asesinato: Perry Smith (Daniel Craig) y Dick Hickock (Lee Pace).
“Historia de un crimen” contiene los destellos de humor necesarios para que el espectador se embriague con el dulzor de un relato áspero y duro. No sólo para los culpables del delito si no también para el propio Capote quien tras una épica investigación completa la novela que culmina su proyección literaria.

A SANGRE FRÍA

La película es un detonante. Su visionado concluye con el espectador en el mostrador de una biblioteca solicitando la novela de no ficción “A sangre fría” de Truman Capote.
Su lectura es embriagadora. El retrato de un pueblo que deseando encontrar a los culpables del crimen en la vecindad parece sentir pesar al descubrir a dos desconocidos convictos. Las amplias descripciones ofrecen un abanico de personalidades que invitan a reproducir aquellos momentos en los que el pueblo de Holcomb advirtió que la confianza y ejemplaridad de sus vecinos no significaban nada.
En 1959, cuatro de los miembros de la familia Clutter aparecían muertos en su domicilio, la granja River Valley de Holcomb, Kansas. Un robo estimado en cuarenta dólares parecía ser el único móvil de uno de los primeros homicidios masivos de los Estados Unidos. Con cuatro capítulos, Capote, estructura un inmenso documento periodístico. Tras la dedicatoria a Harper Lee figura la página de los agradecimientos:
“Todos los materiales de este libro que no derivan de mis propias observaciones han sido tomados de archivos oficiales o son resultado de entrevistas con personas directamente afectadas; entrevistas que, con mucha frecuencia, abordaron un período considerable de tiempo. Como estos “colaboradores” están identificados en el texto, sería redundante nombrarlos; sin embargo quiero expresar mi gratitud formal, ya que sin su paciencia y colaboración mi tarea hubiese sido imposible”
Tras “Historia de un crimen” la lectura de “A sangre fría” no se demoró demasiado. La magnitud de la obra era excitante. Cierto que parte del interés inicial era Perry Smith. El personaje de Daniel Craig resultaba tan sugestivo que produjo un ligero chasco con el Perry Smith real. Más achaparrado, grueso, tullido y demente (inconveniente de los biopics). Pero la obra no tardaría en fascinarme. Ya no trataba con personajes de ficción. A medida que avanzaba mi lectura y era consciente de la realidad de sus líneas me emocionaba asistir a aquella documentación narrada en la que personajes, lugares, historias y recuerdos se entrelazan con gesto sencillo detallando cada retazo del contexto.
En las páginas uno toma conciencia de que la vida de un hombre no desaparece por mucho que sea sustantivada con el término “asesino”.
Quizá esta sea una de las mayores diferencias entre los personajes de ficción y los retratos de “A sangre fría”. En el cine estamos acostumbrados a que las acciones de los personajes determinen su carácter y su personalidad. A veces ahondamos un poco en sus recuerdos, pero nunca lo suficiente para sacarle peso a un término tan potente como el de “asesino”. Y si lo hacemos, acabamos sintiendo clemencia eliminando el peso de todos sus crímenes.


En la novela de no ficción “A sangre fría” nunca olvidas el acto homicida que ha llevado a Dick y a Perry a conseguir tal distinción. Pero también adviertes sus historias, creencias, vivencias y experiencias. Te planteas si ese hecho puntual es el que define su personalidad. Y en esta reflexión cobra sentido el título de la obra de Capote.
Se advierte en el juicio que conduciría a los acusados a la Hilera de la Muerte de Lasing. La despiadada formalidad del pueblo que clama venganza resulta tan estremecedora como el homicidio de los Clutter.
La atmósfera hostil. La imparcialidad de un jurado conmocionado por el asesinato de sus vecinos. La estrecha amistad del juez con el muerto Sr. Clutter. La inutilidad del papel de los psicólogos castrados por la Ley M’Naghten “fórmula totalmente ciega a cualquier matiz entre el blanco y el negro”. El ansia de venganza del pueblo de Holcomb.
- ¿Qué es injusto?
- El proceso entero. Esos chicos no tienen ninguna posibilidad.
- Buena posibilidad le dieron a Nancy Clutter.
- Perry Smith. Santo Dios. Ha tenido una vida tan perra…
- Más de un hombre puede contar historias tan lastimeras como las de ese hijo de perra. Yo incluido. Quizá yo beba demasiado, pero te juro que en mi vida maté a cuatro personas a sangre fría.
- Ya, y lo de ahorcar al hijo de perra ¿qué? También eso se hará con una puñetera sangre fría.
Perry y Dick fueron ahorcados en el “almacén” de Lasing el 14 de Abril de 1965. Truman Capote publicó la novela al año siguiente. Richard Brooks leería la obra poco antes de su divulgación. Era el propio Truman Capote quien deseaba a Brooks como director para la adaptación al cine de los crímenes de River Valley. En 1967 se estrenaría la película “A sangre fría”. Los años de investigación que Capote invirtió en el caso también serían reflejados en la pieza “Capote” de 2005 dirigida por Bennet Miller.
“Historia de un crimen” es la mecha perfecta para ser seducidos por Capote y el caso Clutter. “A sangre fría” es considerada la primera novela de no ficción. Es inevitable que el espectador-lector se sienta atraído por el género e indague en los casos más sorprendentes.

REDACTED

Por Eva Gutiérrez


No tengo muy clara la propuesta de esta película debido a la cantidad de violencia implícita y explicita de su contenido, aunque, por el momento histórico en el que nos encontramos y teniendo en cuenta lo que puede ocurrir en los próximos meses, preferiría equivocarme. La propuesta se realizaría en la clase de Cultura Visual con alumnos de 2º de Bachillerato.
La película propuesta es “Redacted” de Brian de Palma, protagonizada por Kel O'Neill y Daniel Stewart Sherman.
Esta película, a modo de falso documental, muestra lo ocurrido el 16 de Marzo en la matanza de Mahmundiya: una adolescente es violada por un grupo de soldados americanos, siendo posteriormente asesinados ella y los miembros de su familia.
La película, inspirada (en mi opinión) en el documental de Deborah Scranton, “War Tapes”, donde la realidad mostrada está recopilada por las cámaras digitales de tres miembros del ejercito norteamericano destinados en Irak, muestra lo ocurrido antes, durante y después de la matanza de Mahmundiya, desde la perspectiva de la cámara de uno de los soldados, y de los videos y la contra-información mostradas en internet y en los informativos irakies. El planteamiento de “Redacted” es realizar la denuncia a través de las imágenes que se mueven en los aledaños de la corriente normalizada, el único espacio que los resistentes arrancan al poder, donde acontecen las historias sojuzgadas.*
Redacted es una película con críticas contrapuestas: unas la tachan de sensacionalista y de grandes expectativas no alcanzadas, "La ilusión de hiperrealidad topa con varios obstáculos: en la pantalla no vemos personas sino arquetipos y la alternancia de texturas no traduce una multiplicación de miradas. (...) De Palma es traicionado por el sensacionalista que lleva dentro." (Jordi Costa: Diario El País), y otras la veneran, "Un trabajo asombrosamente lleno de fuerza. La declaración política y cinematográfica más dura de De Palma desde 'Corazones de Hierro'. La película es una llamada a nuestra vergüenza nacional; una nueva medalla de honor para De Palma." (Richard Corliss: Time).
En mi opinión, la película tiene grandes posibilidades educativas con respecto a los medios de comunicación y las estrategias empleadas frente a una posible guerra en Irán. La propuesta sería: primero visionar la película "Redacted". Seguidamente se realizaría una revisión histórica de la guerra en Irak estudiando el contexto mediático en el que se desenvolvió y las consecuencias que ha conllevado y, posteriormente, un debate comparando esa situación con el actual conflicto Iraní.
La película tiene un ritmo dinámico, una buena fotografía (Jonathan Cliff) y una destacable dirección de actores pero, tiene un gran contra: habría que estudiar mucho la personalidad del grupo de alumnos con el que se vaya a trabajar, pues puede resultar una dinámica excesivamente conflictiva.
Y, aprovechando que nunca llevaré esta práctica a cabo debido a la temporalidad de la situación y a que, es un tema sobre el que todos deberíamos reflexionar, dejo caer el debate.


ENLACES de interes:
Cahiers du cinema. Nº6 noviembre 2007
http://thewartapes.com/

Queimada de Gillo Pontecorvo (1969).


Por Alberto Navarro

Encontré Queimada en este curioso blog:
 http://espina-roja.blogspot.com/2010/08/queimada-pelicula-de-gillo-pontecorvo.html
Tanto la película como su director eran desconocidos para mí. Me surgieron algunas dudas:
¿Es verdad lo que este blog cuenta en la sinopsis?


La película hacía alusión a una historia real: en 1520 España quemó una isla  del Caribe, pero ¿por amenazas de boicot del régimen franquista se decidió sustituir a España por Portugal?
Me ha parecido espectacular el guión de Franco Solinas y Giorgo Arlorio. Sobre todo las conversaciones entre Sir William Walker (Marlon Brando) y José Dolores (Evaristo Márquez), lo mejor de la película.
En muchos pasajes, el filme me ha recordado a El poder en escenas de George Balandier (el título completo es: El poder en escenas. De la representación del poder al poder de la representación).
A lo largo de la película se aborda la idea de que “trabajo” y “libertad” son conceptos trampa que esconden una perversión en su propia etimología. Nadie te puede dar la libertad y, sin embargo, los poderosos emplean el gesto de otorgar esta al pueblo para mostrarse bondadosos y magnánimos, como el que da caridad. Lo mismo ocurre con el trabajo: casi parece un insulto decir juntas las palabras “trabajo” y “digno”. Hoy podemos considerar un lujo el tener un empleo e incluso usar el adjetivo que se crea del desempeño de nuestra labor para definirnos como individuos. Según el relato bíblico, la maldición de: “comer el pan con el sudor de la frente” es el más seguro de nuestros castigos.
Bajo el velo de la honorable abolición de la esclavitud y con la doble moral que esconde sus verdaderos intereses mercantiles y capitalistas, Inglaterra interviene en la colonia portuguesa. Por un lado, alentando a los esclavos a la revuelta y, por otro, animando a los potentados de la colonia a que apoyen su causa de falsa libertad para así conseguir la independencia. Una vez lograda esta, los ingleses se comprometen a iniciar relaciones comerciales para la explotación de la caña de azúcar, satisfactorias para ambas partes. Inglaterra eliminaría así a un competidor directo como Portugal que lograba mayores beneficios al servirse todavía de esclavos y no tener que pagar mano de obra. Falsa libertad para los esclavos porque las nuevas condiciones de trabajo eran iguales o peores que la esclavitud.


Me hace bastante gracia y me gusta el personaje interpretado por Brando. Encarna una especie de antihéroe por encima del bien o del mal. Interactúa entre ambos bandos simplemente porque puede porque él no está al servicio ni de unos ni de otros. Siempre va (o al menos eso cree él) dos pasos por delante (si hasta le sobra tiempo para meterse en peleas de bares) aleccionando como un profesor estratega y filósofo. Es el encargado de sembrar la duda y la incertidumbre y expone que los sacrificios y la muerte son necesarios y tienen su misión. Lo atractivo del personaje, para mí, está en el estoicismo de su carácter porque, como reconoce en el filme, él también es una marioneta. Es el instrumento del que se vale el poder para sembrar discordia y desconcierto, al tiempo que aprovecha la situación y consigue beneficiarse de algún modo. La gracia es que parece hacerlo para divertirse, como para probarse a sí mismo que puede, como un dandy inglés hastiado de apatía.
Solo al final, José Dolores quiebra sus planes y decide superar al maestro convirtiéndose en el héroe, o el mártir en este caso, que no es apreciado por "ser el más capaz", sino por ser el que asuma la carga soberana, el que perece por sus ideas para pasar a ser inmortal y, como mártir, volverse leyenda. Así lo plantea también Balandier en su libro: el héroe lo es por encima de todo por su fuerza dramática.
La película está plagada de críticas al poder, a su mecánica y engranajes. Así vemos en determinado momento (aproximadamente en el minuto 46 de metraje) como los gobernantes de Queimada permiten a los esclavos celebrar “El Día de los Reyes”, una especie de carnaval, un día en el que los esclavos son libres de hacer lo que quieran. Se les permite invertir el orden social por un breve periodo de tiempo; se deja que cuestionen el poder y se burlen de él apropiándose de una celebración cristiana para celebrar sus propios ritos africanos en un intento desesperado por perpetuar sus tradiciones.


El poder conocedor de la potencia de estas celebraciones prefiere incorporarlas y, una vez más, se muestra magnánimo otorgando al pueblo la libertad de manifestarse, incluso en su contra. La verdadera fuerza del poder y el orden reside en su capacidad de integrar y dar cabida a toda desviación y desorden (despojándolo por tanto de toda su fuerza y carácter).
La banda sonora de Ennio Morricone también es reseñable. Algo que llamó mi atención, a pesar de que entiendo poco de estas cosas, aluciné con los uniformes de los soldados ingleses.
Quizá lo que menos me gusta es el final que cierra la película con esa especie de moraleja de que todo hombre malo acaba recibiendo su castigo.
Una película estupenda y adecuada para trabajar con alumnos de Educación secundaria y bachiller.

“Déjame entrar” de Tomas Alfredson. Realidad alternativa.

Por Irene Rodríguez Rodríguez

Esta película sueca está basada en la novela homónima de John Ajvide Linqvist.
Empiezo haciendo una pequeña sinopsis de la película, para aquellos que no la hayan visto:
La historia se ambienta en un apartado barrio de Estocolmo en el invierno de 1981.
Oskar es un niño de doce años triste y solitario, de padres divorciados. Tiene problemas con los demás chicos del colegio que le acosan constantemente, quizás por estos motivos Oskar desarrolla una particular y morbosa afición: la de coleccionar noticias de asesinato. A la casa de al lado se mudan un padre con su hija, Eli que es una “niña” que nunca podrá dejar de tener doce años, solitaria, extravagante, asesina. La película narra una historia de amor sin precedentes entre dos personas atormentadas, entre un niño apenas adolescente y una vampira de cientos de años, pero que en el fondo tienen demasiado en común.
Una película donde los buenos son malos, los inocentes son maliciosos y culpables, y donde la perversión puede convertirse en amor puro. Un relato diferente donde nada es lo que parece. Una obra que entretiene desde el primer momento hasta el último.
La calidad estética de la película es muy buena, recuerda en muchas ocasiones a las escenas de “El Resplandor” de Kubrick: paisajes totalmente blancos, puros, fríos, contrastados por la oscuridad de las noches y por el rojo de la sangre.
Tiene uno de los mejores guiones adaptados que he visto, junto con la película de Kubrick ya mencionada. Se compone por largos momentos de silencio, sobretodo en las  escenas donde los protagonistas están solos. Quizás las mejores escenas a este respecto son las conversaciones que tienen a través de la pared que separa sus casas, en las que utilizan un lenguaje de signos que sólo ellos conocen.
Quizás lo que aporta una nota de terror (aunque un terror bastante dulce) son las pocas escenas sangrientas, que contrastan fuertemente con la dinámica que lleva el resto de la película y que le aportan ritmo narrativo y argumental. Son, aunque parezca mentira, momentos que te devuelven a la realidad, a una realidad alternativa donde los vampiros pueden existir.
 En definitiva es una película que habla del amor, de las relaciones personales, de la soledad de los adolescentes, pero sobretodo es una película que habla de la realidad, en la que el bien y el mal no se pueden tratar por separado.
Propongo esta película para trabajar con chicos de Bachillerato en un seminario extraescolar titulado “La visión del Vampiro en la literatura y el cine”, en el que se analizaría la figura del vampiro utilizando el relato de John William Polidori,  el libro de Bram Stoker, los poemas y relatos de Edgar Allan Poe, los libros de Anne Rice y el libro de John Ajvide Linqvist. En relación al cine se analizarían las películas “Nosferatu el vampiro” de Murnau, “Drácula” de Terence Fisher, “Drácula, de Bram Stoker” de Francis Ford Coppola, “Entrevista con el vampiro” de Neil Jordan, “soy leyenda” de Francis Lawrence y “Déjame entrar” de Tomas Alfredson. Estos libros y películas se podrían comparar con novelas que ellos hayan leído y películas que hayan visto para poder analizar las diferentes visiones que tienen sobre este género.
Creo que es un proyecto interesante, que abarca muchos tipos de lectura y grandes películas, y que motivará a los alumnos.

LOST


Por Nieves González Pérez


Quizás sea tarde para proponer está serie en un contexto educativo ya que hoy no va a tener el mismo efecto que podría haber tenido hace cinco años pues ha terminado y, aunque quizás no haya sido del todo olvidada, se ha “pasado de moda”. Igual también es muy pronto (y puede ser que inecesario) para revisionarla. Sin embargo, si hubieramos tenido que enfrentarnos a esta durante su periodo de emisión creo que hubiera sido un buenísimo método para tratar con los alumnos tanto de la ESO o Bachiller una gran cantidad de contenidos.
Antes de empezar a analizar la serie he de decir que se me plantean varios problemas, algunos de ellos se pueden intuir en lo expuesto anteriormente, el momento y que fuera de ese, recomendar una serie de tantas temporadas y capítulos en un contexto escolar me parece poco factible.
Lost, fue una serie de televisión estadounidense, emitida por la ABC entre 2004 y 201º y dirigida por J.J, Abrams (http://es.wikipedia.org/wiki/J._J._Abrams) , la serie, que narra las aventuras de los supervivientes del vuelo 815 en una isla nada peculiar, fue un éxito a nivel mundial, consiguiendo una media de 16,1 millones de espectadores en la primera temporada (en EEUU), también recibió bastante premios, entre ellos un Globo de Oro y sesi Premios Emmy.
Planteando esta serie en un contexto escolar inevitablemente entramos en el tema de la motivación de los alumnos, ¿la educación debe de motivar y entretener?, en mi opinión este nos es para nada su principal objetivo pero tampoco debe ser rechazado mientras uno pueda servirse “educativamente” de el ya que resulta inevitablemente un elemento facilitador de la enseñanza.  Un alto porcentaje de los jóvenes que atravesaron la adolescencia entre 2004 y 2010 siguieron voluntaria y apasionadamente Lost (Perdidos en España), la cual hay que decir que a pesar de ser una serie extremadamente comercial y fantástica, tiene una sorprendente calidad audiovisual y, además, permite tratar muchísimos de los contenidos de la secundaria y el bachiller tras su visualización. En esta serie nos encontramos numerosas referencias al Arte, la Filosofía, la Historia, las religiones, las Matemáticas y la Literatura (casi parece la enumeración de las asignaturas de la eso, no?)


ARTE:

  • Existen números referencias a cuadros y a artistas durante todas las temporadas: Locke nos habla de la Historia del David de Miguel Ángel, en los pabellones de maternidad de Dharma son frecuentes los cuadros de Georgia O´Keefe, alusivos a ese tema, e incluso se menciona en la Lospedia (enciclopedia de frikis de Lost) que en un capitulo de Lost (Fire + Water) Charlie representa en un sueño “El Bautismo de Cristo” de Verrochio.


LITERATURA:

  • Hay también varias menciones a novelas en la serie:
  • HAGAKURE “El libro del Samurai”  Charlie estuvo a punto de morir de casi todas las maneras mencionadas en este libro llegando a morir ahogado (otro ejemplo más) El autor del nibro dice también que el samurai debe estar siempre dispuesto a morir por su señor y así muere este personaje (por Claire y Aaron)
  • CARROLL. ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS: Se dice que en el episodio primero, Vicent, el perro de Walt es una referencia al conejo de Alicia.
  • LA BIBLIA: Biblias, alusiones a ella y escritos pertenecientes a este libro abundan en la serie.  donde EthanRom inyectaba a una embarazada Claire. Esto también se pudo ver en "OneofUs".


FILOSOFÍA:

  • La serie esta llena de referentes filosóficos, es más, la mayoría de los nombres de los personajes refieren a un filósofo y muestran algunas similitudes con ellos: 
  • Richard Alperd (Dr. Richard Alpert- Conocido como el “sirviente de Dios” también Alpert fue el sirviente de Jacob)
  • Mikhail Bakunin (Mikhail Bakunin)
  • Edmund Burke (Edmund Burke, ambos son escoceses, Burke escribe sobrió sobre los principios que mueven a los personajes de la isla: Altruistas Vs Egoístas, habló también del destino, muy importante en la vida de este personaje)
  • Boone Carlyle (Thomas Carlyle)
  • Anthony Cooper (Anthony Cooper)
  • Danielle Rousseau (Jean-Jaques Rosseau: habla del “Buen Salvaje”, Rosseau puede reflejar este mito)
  • Otras Referencias filosóficas:
  • Skinner: La iniciativa Dharma investigaba las teorías cognitivas de Skinner.


RELIGIÓN
Se tratan muchas de las religiones, algunas a través de los personajes y otras en relación con la trama:
Cristianismo:

  • Las ultimas temporadas muestran el conflicto entre Jacob y el Humo negro la cual se puede interpretar bíblicamente con la Historia de Jacob.
  • Sueños del Bautismo de cristo, drEko era un sacerdote, Desmond fue fraile, aparición de estatuas de la Virgen María, se intenta construir una iglesia en la isla, etc.
  • Aparecen en los flashbacks algunos ritos protestantes.

Hinduismo:

  • “Dharma” y “Namaste” vienen del hinduismo.

Judaísmo:

  • Frases del Antiguo testamento.

Islamismo:

  • A través del personaje de Sayid.

¿Matemáticas?:

  • 4-8-15-16-23-42

En resumen hay una enorme cantidad de temas tratados en esta serie, algunos superficialmente y otros no tanto pero todos podrían validos para examinar y contrastar .Considero que, existen series (películas, videos, etc) que, aunque no tengan una calidad maestra, pueden perfectamente tratarse en las aulas, con ello no digo que las tengamos que recomendar ni obligar su visualización pero sí, si sabemos que son visionadas, entrar en un análisis detallado de ellas al igual que podemos hacer con las otras, después lógicamente son los alumnos los que escogerán el camino a seguir, pero ya teniendo más o menos conocimientos de ambas.

jueves, 16 de febrero de 2012

Olvídate de mí de Michel Gondry


Por Virginia Wollstein

Propongo esta película para una clase de 4º de la ESO o de Bachillerato, para analizarla y profundizar un poco en su contenido y sobre todo en su calidad cinematográfica. Puede ser una buena opción para comenzar con un apartado audiovisual en la asignatura de Educación Plástica y Visual o en Cultura Visual, como elemento motivacional, ya que es accesible a los alumnos debido a que los actores son conocidos por todos ellos, pero esto no va en detrimento de su calidad estética.
Olvídate de mí fue realizada por el director francés Michel Gondry. La avala un Óscar al mejor guión original que nos garantiza una película con buen ritmo y buena interpretación (en este caso Kate Winslet fue alabada y consiguió una nominación en los Óscars). Cabe destacar la fotografía, ya que fue rodada íntegramente sin ningún tipo de focos a petición expresa del director.
El título original Eternal sunshine of the spotless mind, hace referencia a lo que viven los personas de la historia, y destaca sobre todo que el verso está de una poesía de Alexander Pope, y la idea original está basada en la obra de un artista llamado Pierre Bismuth, el cual decidió un día enviar mensajes a todos sus conocidos diciéndoles que la próxima vez que les viera tuvieran en cuenta que les había borrado de su memoria.
La película, realizada en 2004, fue tachada en algunos círculos de provocadora… pero hablemos un poco de su argumento: un día Joel descubre que su novia Clementine ha borrado de su memoria todos los recuerdos referentes a él después de una pelea. Él decide buscar a la empresa que ha realizado esa limpieza de memoria y así decide realizar él mismo ese proceso. Buena parte de la película narra su proceso de borrado, en el cual él intenta no perder la memoria sin éxito. Finalmente Clementine y Joel vuelven a reencontrarse y vuelven a enamorarse.
El tema fundamental de esta película es sin lugar a dudas la memoria, la cual se puede relacionar sin ningún problema con la realidad (sobre todo por la parte de la película que transcurre en la mente del protagonista). También podemos hablar de la relación de esta película con la poesía (Alexander Pope) y con la obra del artista Pierre Bismuth.

miércoles, 15 de febrero de 2012

Hamlet (Kennet Branagh) V.S. Romeo + Julieta (Baz Luhrmann)


Por Raquel D. Seara

Tras numerosos días comiéndome la cabeza acerca de que película sería buena y enriquecedora para trabajar con alumnado de la E.S.O. he llegado a la conclusión de que un buen ejemplo es la obra de Branagh, Hamlet (1996). En esta obra, Branagh hace una de las adaptaciones más brillantes de la obra de Shakespeare a la gran pantalla, en la que juega con la duración real de la obra teatral, un magnifico guión, un reparto de estrellas y una excelente banda sonora de manos de Patrick Doyle. A pesar de esto, Hamlet no fue un existo de taquilla. Por ello, me ha parecido oportuno hablar también de la obra de Luhrmann, Romeo + Julieta del mismo año (1996) que si tuvo una gran acogida.


En mi opinión, sería interesante empezar con una película más comercial, como la de Luhrmann. De este modo, se introduciría el cine en el aula de un modo más “cómodo” o sencillo para el alumnado, mediante una película con un lenguaje más cercano al del cine que están acostumbrados. La película de Romeo + Julieta sería un estimulante con el que comenzar a trabajar, además de lograr introducir la obra de Shakespeare en el aula, eliminando las posibles reticencias que puedan tener los/as adolescentes al leer obras de autores como este, ya que en muchos casos el lenguaje y la época les aleja. Con esta obra les haríamos ver que las obras de Shakespeare podemos hacerlas nuestras tanto como queramos y que el lenguaje no es un obstáculo (ya que en esta película los diálogos son los mismos de la obra original).
Una vez introducida esta película se trabajaría la obra, en mi opinión maestra, de Branagh. Con ella, se profundizaría en las distintas posibilidades educativas que nos ofrece la película.
Se que puede parecer una atrocidad la combinación de películas que he elegido, ya que son de calidad opuesta, pero he decidido hablar de ellas porque me parece enriquecedor trabajar mediante la comparación, ya que muchas veces entendemos mejor los conceptos trabajando con sus opuestos. Por ello, sería necesario generar un debate en el aula acerca de estas dos películas para trabajar sus diferencias y profundizar así en el lenguaje cinematográfico.
Por último, como ya he comentado anteriormente, estas dos películas serían un gran punto de partida para fomentar la lectura y sumergirnos en  el mundo de  Shakespeare.

viernes, 10 de febrero de 2012

Lo propone Eva Gutiérrez



Nostalgia y Melancolía

Por Aida Bañuelos

Mi propuesta trata sobre el visionado y consecuente preparación de las películas Nostalgia de Tarkovsky y Melancolía de Lars Von Trier. Fue la película anterior de Lars Von Trier, Anticristo, la que le dedica el director precisamente a Tarkovsky, de quien dice haber tomado inspiración por ser un gran cineasta. Pero aunque pueda haber paralelismos entre anticristo y la obra de Trakovsky, me parece mejor o mas evidente la influencia del director Ruso en Melancolía, así que por eso centraré mi explicación en estas dos películas.
Esta dedicatoria que podría parecer lógica por la estética, el ritmo y los guiños que hace Lars Von Trier a Tarcovsky entra en contradicción cuando al profundizar encontramos matices divergentes:

Nostalgia
Melancolía
Obsesión por el fin del mundo y crisis de fe.
El fin del mundo
Wagner
Wagner
Final: novena sinfonía de Beethoven
Una de las protagonistas ridiculiza a la otra por querer que el final del mundo sea algo más y le dice, si no quiere además, poner la novena sinfonía de Beethoven mientras transcurre.
El loco escribe: no estamos locos estamos cuerdos
Intercambio de papeles, la que parecía loca pasa a estar cuerda y al revés.
Suicidio del músico ruso, e inmolación del hombre que trataba de salvar el mundo
Suicidio del marido
Solaris

Cuadro de Peter Bruegel, Los cazadores en la nieve.
Una de las protagonistas cambia los cuadros constructivistas de unos libros por renacentistas, mostrando entre otros el cuadro de Peter Bruegel, Los cazadores en la nieve.
Suicidio del científico, y de la mujer del protagonista.
Suicidio del marido
Intercambio de papeles, los que   parecían locos pasan a estar cuerdos y al revés.
Intercambio de papeles, la que parecía loca pasa a estar cuerda y al revés.

Estas divergencias, radican en la posición que toma cada director por los mismos aspectos. Mientras Lars Von Trier se considera a si mismo ateo y Nazi, Tarkovsky, soviético, trata de plantear problemas metafísicos, basándose en las unidades clásicas planteadas por Aristóteles de tiempo, lugar y acción. Por lo tanto Lars Von Trier, plantea un mundo cruel, con gente cruel, gente débil. Y un consecuente final del mundo sin esperanza, nadie nos echará de menos dice una de las protagonistas, antes de que la tierra sea absorbida por Melancolía. Este planteamiento se asemeja mas a las ideas que expresa Nietzsche  del super hombre o de un ser que no se fundamenta en nada superior y que no tiene un fin: “La vida existe solo en la tierra”. Para Tarkovsky la tierra es cálida, y dice “no necesitamos otros mundos, necesitamos espejos” nos da la oportunidad de cambiar, nos da esperanza. En cambio para Von Trier se trata de un lugar corrompido, donde cada individuo recrea su infierno personal, idea que toma del relato inferno de Strindberg. Para Tarkovsky sin embargo el infierno está en el frío espacio, y como en Solaris los hombres pasan por las fases de este infierno, hasta llegar al purgatorio. Relata Dante: Esta parte comienza propiamente con la salida del Infierno a través de la natural burella. Dante y Virgilio llegan así al hemisferio sur terrestre (que se creía por completo bajo las aguas), donde en medio de las aguas se halla la montaña del Purgatorio, creada con la tierra utilizada para crear el abismo del Infierno, cuando Lucifer fue expulsado del Paraíso tras rebelarse contra Dios.
Creo por lo tanto que estas dos obras plantean un gran espectro de análisis, filosófico, simbólico, en el que se pueden tocar muchos aspectos transversales que se expondrán a continuación. Es posible que aun así resalte la polémica que generó el propio director Lars Von Trier cuando declaro abierta mente entender a Hitler. Respecto a esto, creo que el director a pesar de gustarle hacer propaganda de sus películas, a raíz de comentarios inapropiados, es un hombre culto y sus tendencias fascistas pueden dar origen a un debate interesante en la actualidad, ya que sigue estando mal visto hablar de el nazismo si no es para decir lo malos que estos fueron, a lo que creo que ya va a siendo hora darle una visión más objetiva. Planteando orígenes filosóficos, que más adelante se llevaron al extremo, o el hecho de que fuera una sociedad muy cultivada. En este sentido sería también interesante la contraposición con Tarkovsky, perteneciente a un régimen comunista.
Aspectos transversales:

Lectura: La Divina Comedia de Dante, Inferno de Strindberg, Road Side Picnic de Arkady and Boris Strugatsky, Solaris de Stanislaw Lem, Esculpir en el tiempo de Tarkovsky.
Música: Wagner, Beethoven.
Arte: Bill Viola, Peter Bruegel.
Política: Comunismo, Nazismo.
Filosofía: Nietzsche, Aristóteles, Kant.
Cine: Ingmar Bergman, Metrópolis, Buñuel, …
Religión: metafísica, distintos tipos de Fe, Fe Cristiana, suicidio.

viernes, 3 de febrero de 2012

Parámetros de evaluación


Calidad estética. Ficha para "valorar" una película (análisis)


Nivel elemental. Entretiene o no (ritmo narrativo)
Argumento (diferencia entre “historia” —guión— y “argumento” —lo que se argumenta—). ¿Qué reflexión propone la película?. ¿Buenos y malos?. Posibilidad de debate. Valores sociales positivos o negativos
Fotografía. Valoración relativa. Mejor o peor que otras
Calidad del guión. Mismos criterios que con cualquier tipo de narrativa más los específicos: verosimilitud y capacidad de síntesis
Interpretación. Versión original. Necesidad de verla doblada para poder juzgar la interpretación. Problema: poner de manifiesto los fenómenos (proyectivos) asociados al Star System
Montaje, ambientación, efectos especiales, vestuarios, etc. Según nivel del grupo
Elementos específicos de la película.
Contextualización (en cualquier caso) Relación con las circunstancias históricas del momento y con otros elementos culturales de finalidad comparable.

Propuesta de análisis educativo


Posibilidades transversales genéricas


Fomento (instrumental) de la lectura (PISA: Comprensión lectora)
Fomento de la comprensión verbal. ¿Se entiende lo que dicen los personajes?
Fomento del esfuerzo (directa o indirectamente) Cine de entretenimiento y cine de tesis (reflexión, que puede ser muy compleja.
Ideal: cine bueno que también divierte
Compensación de posturas globalizadoras (ética liberal)
Análisis crítico —contrastación—  y debate lógico argumentado —no de creencias u opiniones personales— (PISA, competencia científica)

Posibilidades transversales específicas. Opciones muy variadas según la temática de la película (no géneros)


Aproximación al análisis histórico o actual
Aproximación a la historia de la literatura
Corrientes filosóficas

Posibilidades transversales de integración social


Según modelos dominantes (valores)
Atención al adoctrinamiento

Los grupos minoritarios (alumnos problemáticos)


Atención muy cuidadosa a los "grupos minoritarios"
Desaconsejables argumentos que incidan en asuntos anti-vitales: autodestrucción, exceso de violencia.
Atención a las historias que enfaticen situaciones contrarias a la estrategia docente (contra la valoración del esfuerzo, por ejemplo)

Uso concreto


Valoración para uso según las características específicas de cada grupo de edad
Cursos de ESO
Bachiller (artístico)
Actividades complementarias y extraescolares