domingo, 24 de febrero de 2013

LA HABITACIÓN DE FERMAT


Por Irene Gonzélez Morán

La habitación de Fermat es la primera película dirigida por Luis Piedrahita y Rodrigo Sopeña. Los actores son Lluís Homar, Federico Luppi, Alejo Sauras, Elena Ballesteros y Santi Millán. Se trata de una película que hace alusión a las matemáticas y gira en torno a la conjetura de Goldbach, que dice que todo número par mayor que 2 puede escribirse como la suma de dos números primos.
La película posee un buen ritmo. Algo muy importante en una película de intriga o en un thriller (psicológico), géneros que Filmaffinity le asigna. Definitivamente entretiene. Puede que no sea una película muy buena, pero eso sí, entretiene y mantiene en tensión al espectador.

Argumento
El argumento se basa en la ambición de un matemático por conseguir la solución a la conjetura de Goldbach, en la cual lleva trabajando durante muchos años. Al descubrir en una revista de matemáticas que un joven va a presentar la solución, piensa en suicidarse, pero finalmente trabaja duro para encontrar la solución y lo consigue, pero decide organizar algo distinto para acabar con su vida, pues de todas formas le atribuirían el logro al joven. Decide organizar una reunión de matemáticos para teóricamente resolver un gran enigma, al que asistirá el joven descrito anteriormente y tres personas más, además de él mismo. Una vez allí descubren que la habitación en la que se encuentran mengua pues está formada de cuatro prensas que se activan con la programación de una PDA. Solo se paran las prensas por un momento, si resuelven rápidamente los enigmas que llegan continuamente a la PDA. Pero no podrán estar todo el tiempo así, la habitación acabará aplastándoles si no ocurre algo que lo evite. Y esto sobre todo es lo que más tensión le da a la película. Pero el enigma más importante de todos es quien es el autor de este plan y por qué pretende matarlos a todos. Algo que resuelven finalmente, pues el mismo matemático ambicioso lo explica, pero entonces el joven confiesa que era mentira que él hubiese encontrado la solución, que solo lo había inventado todo para llamar la atención de su ex¬-novia, que era otra de las asistentes a la reunión. Y por último resuelven el enigma de descubrir cuál es la salida secreta de esa habitación para salvar sus vidas tras haber dejado inconsciente al “malo” de la película de un puñetazo.

Historia (guión)
El guión de la película es bastante sencillo y conciso. Se encarga sobre todo, además de contar la historia y las acciones, de presentar y describir a los personajes, que todos tienen el denominador común de las matemáticas, pero que son todos distintos, muy reales e incluso todos con alguna debilidad o defecto.
Interpretación: La interpretación por parte de protagonistas principales resulta convincente. En algunos casos mejor que en otros. A mí en particular me gusta el trabajo de Santi Millán. Pero se nota mucho la diferencia con los actores secundarios o algunos que aparecen en la película.

Fotografía
También me parece que la fotografía está bastante bien. No es una maravilla, pero es aceptable.
En general existen muchos detalles que mejoran el aspecto estético de la película. Por ejemplo me parece muy curioso que el estampado del tapiz de la pared de la habitación consista en la vista de planta de la propia habitación con las prensas.
Otro ejemplo es el plano cenital que describe el accidente que sufre Fermat me parece muy interesante e ingenioso. Y creo que le da aún más dramatismo, aunque en realidad parezca una  elipsis.
 O también la ironía de que esa noche la luna estaba en cuarto menguante, como se puede ver en el siguiente fotograma cuando Fermat acaba de repostar su coche. Aquí también hay una elipsis, pues parece que Fermat, que aún es para el espectador el sospechoso número uno, ha matado al dependiente por no dejarle irse sin pagar, pues había olvidado su cartera en la habitación dentro de la chaqueta. A mí esta elipsis me parece necesaria, pues al final de la película nos damos cuenta de que probablemente no lo haya matado.

Música
La música corre a cargo de Federico Fusid y aparecen canciones del grupo granadino “Los planetas”.


Montaje, ambientación
Con respecto al montaje, creo que esta también bastante bien. No hay demasiado material ni tampoco se queda corto. Aunque sí creo que hay demasiados cortes durante la estancia en la habitación, pero supongo que esto forma parte de la intención de agobiar y dar más dramatismo.
La ambientación también es bastante oportuna. El lago, la montaña, la carretera o el almacén de grano son lugares que refuerzan el miedo psicológico que se pretende trasmitir al espectador. La habitación que se puede ver en el fotograma siguiente, es todo lo contrario, pero también tiene algo de místico y sobrecogedor.
Las Matemáticas están presentes durante toda la película y en la ambientación: la geometría de la habitación, la barca llamada Pitágoras, los libros de matemáticas que hay en la habitación, el pomo de la puerta, los estampados de los tapices, las naranjas apiladas en la cena, etc. Y por supuesto todas las lecciones matemáticas y los enigmas que aparecen durante toda la película.
También se hace alusión a matemáticos conocidos como Galois, Fermat, Hilbert, Pascal, Cantor o Gödel. Algunos de ellos son los pseudónimos de los participantes en la reunión.
La contextualización de la película me parece bastante acertada. Se trata el tema de la investigación y de la importancia de la publicación de artículos en revistas para atribuir logros a los investigadores y por tanto el miedo de otros que investiguen de descubrir que alguien lo ha hecho antes que tú mismo. También me parece adecuada la crítica que se hace a las personas que creen que el fin justifica los medios. Todos son capaces de hacer cosas malvadas con tal de alcanzar lo que quieren.

Conclusión y posibilidades a nivel educativo
La película me ha parecido bastante asequible, sobre todo teniendo en cuenta la poca experiencia de los directores, que es española y que no ha contado con grandes medios económicos para realizarse. Y he de confesar, que al leer el argumento antes de verla, estaba bastante escéptica en cuanto a ella. Pensé: ¿Una habitación que mengua? Pero, ¡qué fantástico!
En cuanto a las posibilidades transversales, se trabajan tanto la lógica y las matemáticas. Se dan a conocer grandes matemáticos o genios de la historia a los alumnos o espectadores, que además se parecen a los personajes [6] . Se incita al pensamiento lógico y al razonamiento matemático. Y se fomenta el trabajo en equipo, pues todos los personajes se ayudan mutuamente para resolver los enigmas planteados. Se mejora la capacidad de análisis deductivo de los alumnos. Se promueve el mejoramiento de la autoestima de cada estudiante y su valoración del otro, por medio del trabajo colaborativo y además con la película se pretende dar una visión diferente de las Matemáticas: misteriosas, divertidas y atrayentes [7].
Se da a conocer la conjetura de Goldbach, aparentemente sencillo, pero aún sin probar. De esto se puede comentar o aprender la diferencia que hay entre una Conjetura y un Teorema. Se tratan varias ramas de las matemáticas: lógica, estadística, aritmética, álgebra  etc. Y además se pueden plantear actividades relacionadas con la película tras el visionado.
También se da a conocer el fosgeno y algunas de sus propiedades: conocimiento científico.
Se menciona el conocido problema de apilamiento de esferas propuesto por Kepler, que recientemente fue demostrado después de varios siglos de conjetura. O el Teorema de Incompletitud de Gödel.
Todos los enigmas planteados hacen pensar y motivan para seguir pensando como dice la siguiente cita: "El conocimiento es como el fuego, que primero debe ser encendido por algún agente externo, pero que después se propaga por sí solo" (Ben Jonson - dramaturgo, poeta y actor inglés del Renacimiento).
Además todos los enigmas están al alcance de resolverse por cualquier adolescente, no hace falta ser un experto, aunque ayude, y eso resulta más cercano y motivador para los alumnos.

Referencias:
Todas las fotos han sido extraídas de la película, excepto la primera, cuya referencia es la siguiente:
[1]  [En línea]. Filmaffinity. http://www.filmaffinity.com/es/film615789.html 21/02/2013
Parte de la información ha sido extraída de las siguientes páginas web:
[2]  José María Sorando Muzás. “La habitación de Fermat”. [En línea].CATEDU. http://catedu.es/matematicas_mundo/CINE/cine_habitacion_Fermat.htm 22/02/13
[3]  "La Habitación de Fermat". [En línea]. Aula de pensamiento matemático. http://innovacioneducativa.upm.es/pensamientomatematico/node/230 21/02/2013
[4]  Masdetres. Los Enigmas de "La Habitación de Fermat". [En línea]. http://masdetrespalabras.blogspot.com.es/2008/07/los-enigmas-de-la-habitacin-de-fermat.html 21/02/2013
[5]  Alfonso J. Población Sáez. "La Habitación de Fermat". [En línea]. Real Sociedad Matemática Española. http://divulgamat2.ehu.es/divulgamat15/index.php?option=com_content&view=article&id=8774&directory=67 21/02/2013
[6]  José Manuel García Vallinas. [En línea]. http://recursos.crfptic.es/materialcursos/cine/cine3.pdf 21/02/2013
[7]  Abel Martín y Marta Martín Sierra. “El cine como recurso didáctico en el aulade matemáticas: La habitación de Fermat”. [En línea]. Sigma. http://www.hezkuntza.ejgv.euskadi.net/r43-573/es/contenidos/informacion/dia6_sigma/es_sigma/adjuntos/sigma_34/7_fermat_34.pdf 21/02/2013

sábado, 23 de febrero de 2013

Spike Lee, Haz lo que debas


Por Berta Burgos

En la presentación de los créditos y con la melodía de Fight the Power,  de Public Enemy, una chica portorriqueña con guantes de boxeo sale bailando frenéticamente su música.La película comienza con la voz del disc-jockey Mister Señor Love Daddy (Samuel L. Jacson), que transmite desde la estación de radio We-Love, cada mañana saluda a los habitantes del barrio de Bedford-Stuyvesant (Brooklyn). La voz del locutor acompañará a lo largo de la película para deleitarnos con buena música.
La película describe el curso de un día caluroso de verano y algunas de las escenas de la vida en el barrio con algunos de los personajes que habitan allí. Sal es un italoamericano que dirige una pizzería junto a sus hijos Pino, un tanto racista y abusivo, y Vito, tímido y tranquilo. Esta pizzeria se encuentra en medio del barrio afroamericano y está decorada con fotografías de italoamericanos famosos como Al Pacino, Robert De Niro, Frank Sinatra y Sylvester Stallone. Es un lugar de encuentro para muchos residentes locales, sobre todo jóvenes que les encanta la pizza de Sal.
Sal y sus hijos son los únicos habitantes blancos en este barrio de Brooklyn y aunque la pizzería lleva allí veinte años Pino no soporta estar allí. Delante de ellos hay un comerciante de fruta y verduras coreano, y su clientela es en su mayoría afroamericana también. Mookie (Spyke Lee) es el protagonista de esta historia y Tina es su novia portorriqueña con la que tiene un hijo. Ella vive en casa de su madre con su hijo y Mookie va a verla cuando puede porque trabaja repartiendo las pizzas de Sal. Mookie es un chico que intenta hacerse responsable de su vida pero es demasiado inmaduro. Él vive con su hermana mayor Jade que le hospeda hasta que pueda tener algo de dinero.
El  alcalde es el  mayor de todos, es un anciano afroamericano alcohólico que habla solo la mayoría de las veces, pero tiene especial interés en la hermana madre, una anciana que observa el barrio desde la ventana con todas las idas y venidas de la gente, la cual siempre le riñe y él no entiende el por qué. Radio Raheem es un robusto joven afroamericano, que va siempre con una radio enorme a todos lados y con la música  de Public Enemy a todo volumen.  En el barrio también está Smiley, un muchacho tartamudo que intenta vender a cada oportunidad a la gente del barrio las imágenes de Martin Luther King y Malcolm X.
Buggin es un joven activista político que acusa a Sal de ser racista cuando un día va a comer a su local y se da cuenta de que no tiene ni siquiera una fotografía de un afroamericano en la pared junto a sus famosos italoamericanos lo que provoca el enfado de Sal contestándole que cuando él tenga en una pizzería se podrá pegar a las paredes todas las imágenes que le vengan en gana pero  a Buggin no le basta e insiste que no se irá de allí hasta que no vea esas fotos pegadas en la pared, lo que provoca que acabe siendo echado a patadas de la pizzería. Es a partir de entonces cuando  el Buggin intentará en vano boicotear la tienda de Sal diciéndoles a todos que dejen de comprar las pizzas de Sal.
Por otro lado Pino, intenta sobrellevar una situación que le angustia porque odia trabajar en un barrio de negros. Se ve la gran confusión que tiene en la cabeza cuando Mookie le pregunta cuáles son sus famosos preferidos y él contesta Magic Johnson, Eddie Murphy y el príncipe de Bell Air, con ésto Mookie quiere demostrar a Pino la estupidez de su racismo pero Pino sostiene que  en realidad es porque ellos no son “nergros, negros”, ellos son famosos y diferentes a los negros de ese barrio...
Cuando quedan pocas horas del día, Buggin consigue encontrar un aliado en Radio Raheem que está de acuerdo en obligar a Sal a meter las fotos de los afro-americanos en la pared. Es entonces cuando se produce un fuerte enfrentamiento dentro de la pizzería. Sal destruye la radio de Radio Raheem  con un bate de baisbol por estar a todo volumen y no querer bajarla provocando en él una reacción incontrolable que acabará con los dos en el suelo de la calle. Ante esta situación acude la policia que intenta separarles usando una porra contra el cuello del joven. El exceso de fuerza y el poco control de la situación por parte de la policiía acaba con la muerte de Radio Raheem a manos de los policías.
Todo el mundo ve lo ocurrido y la reacción es delirante. En ese momento Mookie queda paralizado, dividido entre el miedo de perder su puesto de trabajo y hacer lo correcto. Es entonces cuando decide coger un cubo de basura y lanzarlo contra la ventana de la pizzería. Todo el mundo parece enloquecido, y entran en la tienda para destruirla. Es entonces cuando Smiley puede colgar en las paredes fotografías de Malcolm X y Martin Luther King.
A la mañana siguiente Mister Señor Love Daddy anuncia en la radio la muerte del joven a manos de agentes de policía blancos para proteger a otro blanco. Mookie se despierte con su novia y su hijo y se levanta para ir a la pizzería ahora destruida, donde encuentra a Sal desesperado. A pesar de ello, le pide el dinero que le debe de la semana de trabajo. Sal, tras no dar crédito de su situación, le lanza el dinero a la cara. Mookie lo coge y se va.
Antes de que los créditos aparezcan por la pantalla se ven dos citas:

"La violencia como medio para lograr la justicia racial es a la vez práctico y un sistema inmoral.”
(Martin Luther King)

"Yo no invoco la violencia, pero al mismo tiempo no estoy en contra del hecho de utilizar la violencia para defenderse. Yo no lo llamo violencia. Si se trata de defensa propia la llamamos inteligencia. “
(Malcolm X)





Argumento
El argumento de la película es claramente el problema racial en uno de los barrios pobres de Brooklyn. Se puede observar como el director trata este tema de forma directa y clara y al mismo tiempo objetiva, dado que él es afroamericano no se aprecian favoritismos hacia los suyos. Trata el tema,  también desde el punto de vista de los blancos, los latinos y los orientales que viven en el barrio. Cada uno discrimina al otro, los blancos a los negros los negros a los coreanos y los coreanos a los latinos. Es la típica actitud de quien sufre de racismo  tratando de igual manera a los demás a como viene siendo tratado en vez de solidarizarse o empatizar con la situación. Nadie es mejor que nadie, es una denuncia y esto es lo que para mi transmite esta película.
Pero no solo eso, en Haz lo que debas se plantea una gran controversia. Una de las grandes preguntas sobre la película es si Mookie "hace lo correcto" como cita el nombre de la película al final de ésta cuando arroja el bidón de basura a la ventana de la pizzeria iniciando el disturbio y las acciones violentas en contra de la pizzeria. Los analistas han dicho tanto que fue una acción que salvo la vida de Sal al hacer que las demás personas canalizaran su ira en contra del local y no del mismo Sal, mientras otros han dicho que la acción de Mookie no era mas que un estimulo causado por su aprobación a la violencia. Esta pregunta se planteada principalmente por las citas contradictorias que cierran la película una que defiende una posición de no violencia citada por Martin Luther King, Jr. y la otra que defiende una posición de la violencia como una medida positiva en contra de la opresión citada por Malcom X.

Tema transversal
Toda la película plantea un tema transversal, la dificultad para la integración de otras culturas en la sociedad. La pobreza como factor cultural que influye en ello y la  falta de una buena educación y de medios que lo permitan. El tema de la violencia como reacción ante las injusticias sociales y la responsabilidad de los actos de cada uno.
Estos son temas que podrían fomentar debates interesantes en clase, temas que afectan actualmente en distintos barrios, ciudades y países.

La fotografía
Ernest R. Dickerson recibió el premio New York Film Critics Circle Award al mejor director de fotografía en 1989. No es una película de efectos especiales ni hermosos paisajes pero tiene encuadres interesantes. Dickerson utilizó en gran parte la luz natural lo que le satisfizo mucho aunque resultase más complicado, con ello se pretendía hacer una imagen lo más realista de la ciudad.

La música
El tema principal de la película es el mencionado anteriormente  Fight the Power de los Public Enemy. Recibió en 1989 un premio a la mejor música por  la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y en 1990 por Asociación de Críticos de Cine de Chicago. El resto de la música que se oye en la radio de Mister Señor Love Daddy es black music y la película hace además  mención a grandes artistas de la música negra.

Nightwatching


Por Patricia Nieto

La ronda de noche es una de los cuadros más representativos de la obra pictórica de Rembrandt. Esta escena forma parte fundamental de la tradición holandesa de retratos colectivos que surgió en la llamada  Edad de Oro del arte holandés. Rembrandt se apartó de lo convencional, donde la disposición de las figuras seguían un orden jerárquico preciso, y construyó una representación de acción evitando una escena estática y formal. Este ordenamiento compositivo era completamente original y constituyó un nuevo modo de concebir el retrato colectivo.
Nightwatching, conocida también por La ronda de noche, es una película dirigida por Peter Greenaway y estrenada en 2007. El director nos presenta desde una perspectiva subjetiva el proceso de creación del cuadro La ronda de noche de Rembrandt. Así cómo la vida del artista reconstruida por Greenaway y el contexto sociocultural de la Holanda del s. XVII.                
Esta película describe la historia del cuadro y de los factores que influyeron en él. Nos presenta el proceso de creación así como de aquellos elementos que intervienen en la propia construcción de una obra artística. Nos muestra el antes, durante y después de La ronda de noche, una de las obras más famosas del artista.
La película se ubica en Ámsterdam durante los años 1640-42, se basa en la obra de Rembrandt, el cual es un pintor respetado en toda Holanda. El artista cree que su último encargo, un retrato de grupo de la milicia de arcabuceros de Ámsterdam, no está a su altura, pero termina aceptándolo ante la insistencia de su embarazada esposa. A medida que se adentra en el mundo de los mercaderes, Rembrandt descubre un entramado de corrupción que terminará en un crimen espantoso. De esta manera el artista denuncia el hecho mediante alegorías, con la finalidad de denunciarlo en su obra, sin saber que esto será el inicio de su declive personal y profesional.
La película abarca dos temáticas principales, por un lado están los secretos sobre un entramado de corrupción y las intrigas sobre la conspiración del asesinato, en torno a la realización del mismo cuadro. Y por otro lado, las experiencias íntimas, la vida cotidiana y las preocupaciones estéticas así como las peculiaridades del propio artista.


En la película se observa un profundo estudio de la imagen, donde se utiliza más la estética de la pintura y el teatro que la de cine.
Todos los aspectos que componen la película son similares al del teatro. De esta manera, tanto los escenarios, los actores, y la trama tienen un carácter teatral muy particular.
Predomina un carácter visual muy enriquecido, donde prevalece la imagen en su aspecto estético más que el argumento. El resultado de la fotografía es espectacular, está cuidado el mínimo detalle, así como si de un cuadro se tratase.
El largometraje consigue envolver al espectador en la atmósfera, logrando un clima de luz equivalente a los cuadros del mismo Rembrandt. Hay que destacar la iluminación al ser un aspecto muy bien tratado en esta película, ya que consigue lograr encuadres de plasticidad pictórica muy acertados con las obras del artista. Con ello consigue crear fuertes contrastes entre la penumbra y la luz, acentuando los claroscuros.
Greenaway hace uso de elementos simbólicos, de la semántica del color y de una ambientación barroca muy cuidada. Se tiene en cuenta tanto el proceso de construcción de una obra, como el análisis y reflexión de los elementos compositivos. Además da protagonismo al propio proceso de la percepción, pues en la película se desarrolla una reflexión sobre la capacidad de observar, de saber ver, tan imprescindible en la creación pictórica.
Propongo esta película como recurso didáctico por sus múltiples posibilidades dentro del ámbito educativo, encajaría perfectamente tanto en la asignatura de Artes Plásticas y Visuales como en Audiovisuales. Con esta película se pretende que el alumnado contemple la película como un cuadro en movimiento. Analizando y reflexionando constantemente sobre puntos distintivos acerca del lenguaje visual, los elementos compositivos de la película, así como aspectos destacados de esta obra cinematográfica.
También es interesante dentro del aula, como una presentación biográfica del artista, de su contexto y la ambientación de Holanda en el s. XVII. Además es muy interesante el proceso de creación artística que se muestra en la película, en el cual el artista organizaba y se relacionaba con los propios modelos de sus obras y mercaderes. Permitiendo entender aquello que se desarrolla alrededor de la propia obra.
Esta película ha sido proyectada en varias ocasiones en ciclos de cine del Museo del Prado.

http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/rembrandt-pintor-de-historias/actividades/

miércoles, 20 de febrero de 2013

El reino de los cielos


Por David Navarro

INTRODUCCIÓN

La acción transcurre entre 1184 y 1190, poco antes de la tercera cruzada donde la situación que nos encontramos es el conflicto entre musulmanes y cristianos. Según el director que en este caso es Ridley Scott,nos dice lo siguiente "lo esencial es recrear ese mundo, hacerlo real para que el espectador viaje a través de esa realidad" partiendo de que es una película comercial, como corresponde a la línea del director (que, a pesar de contar con algunos rasgos de estilo propios, nunca ha llegado a hacer cine de autor), y en ella descubrimos los estereotipos habituales del guerrero noble, la dama enigmáticamente atractiva, el rey justo, los villanos cuya sed de poder es insaciable, o los personajes populares. Pero este envoltorio convencional ofrece un interesante discurso en torno al tema principal y puede ayudar bastante a acercar al alumnado al modo de vida de entonces y más o menos como ocurrió aquel conflicto.



PLANTEAMIENTO DE LA PELÍCULA

Hay cierta contención narrativa, que proporciona un ritmo a la vez ágil y equilibrado, pero que no nos ahorra innecesarios primeros planos de un naturalismo brutal, tan del agrado del director ( Blade runner, Gladiador o Black Hawk derribado),pero de tan mal gusto, especialmente cuando se añade el recurso un tanto rancio de ralentizar la imagen.
Los principales personajes de la película que nos ocupa están perfectamente documentados en la historia. Se pueden señalar (como se ha hecho) bastantes errores históricos. Es lógico que quienes de alguna forma se identifican con algunos de los personajes se sientan incómodos con el modo en que Scott retrata a sus “antecesores” históricos. Pero, a tenor de lo dicho más arriba, el análisis debería centrarse en el tema y en su tratamiento. Scott ha querido ofrecer una reflexión sobre las luchas territoriales y los enfrentamientos religiosos en “Tierra Santa”, reflexión que alcance a los conflictos que hoy en día existen en la zona, como queda plasmado en los títulos finales (donde, se menciona diciendo ocho siglos después se sigue sin resolver este tipo de contenciosos).

RECURSOS EMPLEADOS

Pues bien, los aspectos visuales de "El Reino de los Cielos" merecen, efectivamente, destacarse. La fotografía y la ambientación logran sumergir al público en una Edad Media brutal y exótica, lo malo de la fotografía es cuando en alguna escena no mantiene la calidad que se aprecia en el resto de la película. Pero está al nivel suficiente para no romper la credibilidad del momento. En el apartado musical se aprecian sin embargo, como en otras ocasiones, las limitaciones de Scott, que tira de archivo sonoro sin mucha
coherencia, por aquello de forzar la atmósfera y el dramatismo como sea.

CONCLUSIÓN

Es una película muy recomendable para plantear muchos debates respecto al pasado la religión y la actualidad, que pueden hacer pensar al alumnado sobre lo que ocurre actualmente. Es una gran representación del momento histórico para que entiendan mejor la forma de vida y los ideales del momento.

martes, 19 de febrero de 2013

El cielo sobre Berlín


Por Inmaculada López

Argumento
Damiel y Cassiel son dos ángeles, a diferencia de la imaginería popular que los hace con túnicas radiantes y alas enormes, ellos tienen aspecto de personas adultas y grises que visten gabardinas. Tienen expresión seria y perciben todo en blanco y negro. Nadies puede verlos excepto los niños, y su misión es consolar a los seres humanos en los malos momentos. La película se desarrolla en Berlín, y debido a los grandes problemas políticos y sociales acontecidos en este lugar tienen mucho trabajo. Sin embargo Damiel añora cambiar su vida, desea mirar y ser visto, saborear una taza de café, sentir frío, miedo, convertirse en una persona vulnerable.
El estudio que Damiel lleva a cabo a cerca de la naturaleza de las personas se centra en tres casos concretos: un anciano ciego que recuerda la vieja Berlín antes del Muro; el actor Peter Falk, que llega a Berlín para grabar una película sobre la II Guerra Mundial (después revela que es un ex ángel); y una trapecista del Circo Alekan, a la que Damiel ve como una ángel mortal por su oficio y de la que se enamora.


Fotografía
La fotografía corre a cargo de Henry Alekan, mezcla imágenes en blanco y negro y color. Las primeras se corresponden con la visión que tienen los ángeles de la vida de las personas y la suya propia. Las segundas son las propias de la vida terrenal. El momento en el Damiel tiene la oportunidad de ver en color es cuando se vuelve humano, cuando renuncia a la inmortalidad. Entonces la historia cambia de rumbo, Cassiel le ayude a volverse humano y adentrarse en el mundo material. “Observar no es mirar hacia abajo, sino al nivel de los ojos”, le dice. Por fin siente frío, se toma un café y va en busca de su amada.

La película es muy pictórica, está plagada de imágenes aéreas que recorren los edificios más emblemáticos de Berlín, principalmente la Biblioteca Estatal que se convierte en otro personaje. Biblioteca que parece un espacio de consuelo y refugio para los ángeles. La cámara se mueve a lo largo de los diferentes espacios de una manera exquisita, nos introduce en el mundo los ángeles al deambular por ella, en la espiritualidad y lo imperecedero.

Ritmo narrativo
El ritmo de la película puede parecer demasiado pausado en algunas ocasiones, sin embargo está justificado ya que nos permite adentrarnos en el terreno de los sentimientos y la memoria. Una sucesión de imágenes acompañadas por multitud de reflexiones, pensamientos y divagaciones que abren la puerta a la intimidad de las personas, escuchamos lo que nunca podremos escuchar. Uno de los elementos más importantes que podemos escuchar a modo de estribillo durante todo el largometraje es el poema de Peter Handke “cuando el niño era niño...”. Funciona como elemento unificador y nos transmite las inquietudes de Damiel.

Música y sonido
La música contribuye y acompaña la narración de la película, puede recordar en ciertos aspectos al cine mudo, como es el caso de la música de circo. Una de las aportaciones más destacables es por supuesto la contribución de Nick Cave con su From her for eternity, muy significativa cuando la trapecista la escucha en primero en su caravana y después en el concierto.
En cuanto al sonido, observamos que aparecen multitud de ruidos típicos de ciudad. Como por ejemplo sonidos de coches, que colaboran también al ritmo del relato.


Temas trasversales
Sin duda uno de los temas más relevantes que aparece en la película es la II Guerra Mundial. Nos podría servir para trabajar en clase el punto de vista que ofrece el personaje del anciano sobre el aspecto de la ciudad, devastada por el conflicto.
Hay múltiples referencias a este tema, por ejemplo cuando Damiel se convierte en humano lo hace al lado de unos de los fragmentos del muro de Berlín, nos podría servir para introducir el tema de la caída.

sábado, 16 de febrero de 2013

Otro de Pixar


Fresh Guacamole, by Pes

Lo propone Carmen.


WIN WIN (2011), Thomas McCarthy


Por Carlos Antonio Ortiz

Win Win, titulada “Ganamos Todos” en España, es una película estadounidense de 2011 escrita y dirigida por Thomas McCarthy. La cinta está protagonizada por Paul Giamatti, Alex Shaffer y Amy Ryan.
Mike Flaherty (Paul Giamatti), un abogado de Nueva Jersey vive junto a su esposa Jackie (Amy Ryan) y sus dos hijas. Debido a problemas financieros, Mike decide asumir la tutela de uno de sus clientes, Leo Poplar (Burt Young), con tal de recibir dinero a cambio. Y aunque promete ante un juez que dejará a Leo viviendo en su casa, Mike lo lleva a un asilo de ancianos.
Tras esto, Mike descubre que Leo tiene un nieto, Kyle (Alex Shaffer), que huyó de la casa materna en Ohio debido al maltrato que recibía del novio de su madre. Dado que Leo -ya en el asilo- no se puede hacer cargo de Kyle, Jackie decide alojarlo en su casa. Mike intenta contactar con la madre del joven, pero descubre que está en una clínica de rehabilitación de drogas.


Además de abogado, Mike es el entrenador de un equipo escolar de lucha libre sin mucho éxito. Kyle pide a Mike entrenar con los demás miembros del equipo y demuestra que tiene talento para el deporte. Kyle comienza a participar en torneos de lucha libre y se vuelve más cercano a la familia de Mike.
Un día Kyle descubre que su madre-Cindy- quiere verlo. En su lugar, Mike habla con Cindy y le explica que su hijo se ha adaptado a la nueva escuela y al equipo de lucha libre, por lo que le pide que permita a Kyle quedarse algunas semanas hasta que termine el torneo estatal. Cindy acepta. Sin embargo, al día siguiente Cindy va a la oficina de Mike con una abogada para hacerse cargo del cuidado de Leo…
Aunque la sinopsis se complica un poco, la película resulta entretenida desde el principio. El argumento es complejo pero enmarcado en la vida de gente sencilla. No es fácil puesto que obliga al espectador a que se posicione a favor o en contra de las decisiones de los personajes. En cuanto a temas transversales hay posibilidades para generar debate en los conflictos morales del protagonista y en los del joven Kyle con su madre. Su mayor valor artístico se encuentra en el guión, que fue nominado a varios premios. El ambiente general de cotidianidad se apodera poco a poco del espectador inadvertido, que acaba tomando parte en los conflictos de los personajes y sintiendo su alivio o su pesar al resolverse.

Delicatessen


Por Carolina Romero

Delicatessen relata la historia sobre el canibalismo vivido por una comunidad de vecinos. En la parte de abajo del edificio se encuentra la carnicería del casero, que comercia con carne humana a cambio de granos de maíz. Este se encarga de poner anuncios en el periódico para atraer a victimas al edificio.
La temática del canibalismo hace referencia a la sociedad que vivimos, donde cada uno va a lo suyo y no se preocupa por el resto. Para contrarrestar esto en la película aparece un personaje que muestra todo lo contrario, Louison, un artista de circo, que buscará mantener contacto con los vecinos y empezará una relación con la hija del casero. Pero la estancia de Louison será temporal, pues el carnicero cuenta con acabar con él desde un primer momento y la labor de su hija será impedir que su padre lo convierta en mercancía para la carnicería.


En este sentido la película juega con la tensión entre lo viable y lo absurdo.
Las relaciones de poder entre los personajes reflejan un sistema dominante basado en el terror, los vecinos viven una amenaza continúa y no tienen privacidad, el carnicero controla todos sus movimientos. Dentro de los personajes secundarios está Aurora, que cree oír voces del más allá, que la incitan a suicidarse. Por otro lado aparecen los trogloditas, un grupo que no comen carne y viven en las alcantarillas. Cada personaje tiene gran importancia, al presentar unas características muy diferentes y aunque el tono de la película no deja de ser exagerado, sus escenas son cercanas.
La escenografía, tanto el edificio como el vestuario hacen alusión a unas circunstancias delicadas, como un período entre guerras.
La música, el ritmo entre el sonido y la fotografía, la iluminación cálida un tanto oscura, las sombras y los reflejos que producen sensación de humedad, así como el guión y los planos detalle del carnicero hacen que el espectador se sumerja en la película desde la primera escena.
El título ya crea cierta confusión, aludiendo a la comida como si de cierta exquisitez se tratará, predisponiendo de entrada al espectador, con la sorpresa que conllevará.
Creo que esta sería una buena película para tratar en clase, por el trasfondo que tiene aunque sea visto de una forma irónica y por la presencia de distintos roles sociales, cada personaje es un mundo y refleja su identidad a través de su profesión. Delicatessen refleja muchas posibilidades para tratar temas como los estereotipos, la belleza, etc.

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=3wkjouoGPkc
PELÍCULA COMPLETA
http://www.youtube.com/watch?v=UV-KfHGGTrg

Luchino Visconti (1976) El inocente (L´innocente)


Por 131313

Tullio Hermil (Giancarlo Giannini) es un hombre culto y acomodado entregado a los placeres de la vida. Entre la honorable práctica de la esgrima, la lectura y el placer carnal con su amante Teresa Raffo (Jennifer O'Neill) mantiene a su esposa Juliana (Laura Antonelli) al margen de su vida. Juliana se debate entre el murmullo social y el reconocimiento de su marido. Totalmente rechazada encuentra en un joven escritor, Filippo d'Arborio (Marc Porel) el consuelo y queda embarazada. Esto despierta en Tullio, cuyo compromiso con Juliana es inexistente, los celos y la pasión carnal correspondida entonces por su mujer, que aún cree en su matrimonio, La esperanza de Julia en esta nueva pasión le crea sentimientos contradictorios. Tullio pretende eliminar todo rastro de la relación de su mujer pero finalmente el nacimiento del niño desencadena una tormenta de pasiones y sentimientos. El egocentrismo de Tillio desemboca en locura y despierta al monstruo que lleva dentro capaz de ver morir impasible a una criatura. Tullio se presenta digno hasta su final, Visconti no juzgar los actos de sus personajes.

ARGUMENTO
“El inocente” es una reflexión sobre el hombre. Una exuberante y deshonesta burguesía italiana de finales del XIX que adorna y mantiene matrimonios muertos y pasiones caprichosas. Tulio encarna un nihilismo individualista con rasgos freudilianos. El protagonismo que Visconti otorga al subconsciente con voz atonal de violoncelos y mirada penetrante encuentra en Giancarlo Giannini una escenificación dramática impactante. El inocente (1975) está rodada por un Visconti de cerca de 70 años enfermo. Esto pudo marcar el carácter existencialista del discurso y su final sentenciador que dejan un sabor a despedida.

FOTOGRAFÍA E ILUMINACIÓN
La iluminación acentúa la elegancia y la riqueza del entorno burgués haciendo que los recargados interiores llenos de terciopelos rojos, alfombras y grandes jarrones con flores, no invadan la escena. La película tiene una fuerte carga cromática. Los colores que acompañan los placeres junto con Teresa son los: rojos, negros intensos y dorados. En la casa de Tullio predominan los azules y en el dormitorio de Juliana los blancos, verdes claros y azules, El color preconiza la muerte, Teresa, vestida de negro, sobre un sofá negro y la llama del fuego. La escena final invadida por la niebla y los azules y verdes del jardín.

MONTAJE
La película comienza sobre un intenso fondo rojo. Visconti pasa las páginas de la novela de Gabriele D’Annunzio (1892) en que se basa la película, sobre un terciopelo arrugado rojo carmesí. Acompañado por los instrumentos de cuerda la cámara, con planos largos, explora el texto. Los movimientos de cámara se van a suceder durante toda la película. A continuación se oyen las espadas, la cámara se mueve desde el techo hasta el personaje para acompañar la narración volviéndose hacia un reloj. La cámara acompaña los diálogos con un acercamiento a los personajes hasta planos de detalle. Los escenarios naturales fueron rodados en las villas Bellosguardo ("Villa Lilla") y Arnolfini ("La Badiola"), de Lucca (Toscana/Italia).


MÚSICA
La música de Franco Mannino apoyada en instrumentos de cuerda crea una atmósfera introspectiva hasta hacer sonar pensamientos cercanos a la locura. Es el violonchelo el primer presagio del suicidio como exaltación de un egocentrismo exacerbado. El refinamiento y la cultura de salón, en la que se crió Visconti, tienen su identificación en las composiciones clásicas para piano. La abandonada esposa se resigna acompañada de la Marcha Turca de la Sonata nº 11 de Mozart, luego las Fuentes de la Villa d'Este del tercer volumen de los Años de Peregrinaje de Liszt y por último dos obras de Chopin. En un momento de mayor dramatismo una soprano interpreta el aria "Che faró senza Euridice", de la ópera Orfeo y Eurídice: Esta aria la escuchamos en la banda sonora a Benedetta Pecchioli, y su acompañamiento, como todas las intervenciones del piano por el propio Franco Mannino. Obtuvo un premio David a la mejor música.

VESTUARIO
Riquísimo vestuario cuidado caracteriza a los personajes. La sensualidad de Teresa frente a la indefensión de Juliana. Los trajes de Tulio aportan una elegancia estética a un personaje monstruoso.

FIN EDUCATIVO
No la propondría como recurso didáctico, no por las escenas de desnudos de Juliana, más hormonales que lujuriosas, por la última reivindicación de Tullio: su suicidio.
Historia y sociedad. La película recrea una burguesía italiana de finales del XIX de apariencia virtuosa y realidad amoral. Ornamento, vestimenta y costumbres enmarcan una época a punto de desvanecerse.
Filosofía: Corrientes filosóficas sobre el individuo.

SMILA, MISTERIO EN LA NIEVE (Smilla's Sense of Snow). (1997).

Por 131313

Una joven investigadora groelandesa que vive en Copenhaguen encuentra a su joven vecino muerto en la nieve. Supuestamente el niño, al que le asustaban las alturas, se ha precipitado desde la azotea.Lla observación de las huellas sobre la nieve de la cubierta y su amistad con el niño y le hacen sospechar que se ha producido un asesinato. Smilla no cesará hasta averiguar la razón por la que Isaías había subido a la cubierta y se había precipitado al vacío. En esta investigación tendrá el único apoyo de un vecino y de un padre con sentimiento de culpa.
Con un guión apoyado en el misterio que despierta un asesinato se presenta la soberbia naturaleza de las tierras de hielo que mantienen un filtro azul durante toda la película. El misterio no está bien armado y se va resolviendo encadenando informaciones que se consiguen con excesiva facilidad para dar credibilidad a la película. Posiblemente la adaptación cinematográfica no hace justicia al libro de Peter Høeg Frøken Smillas fornemmelse for sne (1992).

ARGUMENTO
La película aborda problemas de integración cultural y ambiental y sus consecuencias en la personalidad. En este caso una chica inuit groenlandesa criada en un entorno natural donde el control sobre el entorno se produce por supervivencia es trasladada, a la muerte de su madre, a Copenhaguen. Con una incapacidad manifiesta por integrarse en el sistema primero educativo y luego social se centra en sus investigaciones sobre el hielo, la nieve y la matemática que la mantienen entre su medio natural original y la abstracción. Defiende esta intolerancia social son un carácter frío y defensivo. Las únicas relaciones que con desconfianza establece son: la de un niño de 6 años groenlandés, Isaías, al que protege y la de su vecino al que le une el amor por Isaías.
El otro tema tratado sería las relaciones de poder económico que algunas cuestiones científicas despiertan. La inexplicable muerte de Isaías y la investigación que emprender Smilla para dar justicia a Isaías, destapa finalmente un proyecto de varias décadas llevado a cabo por una empresa privada en un glaciar de Groenlandia.


OTOGRAFÍA E ILUMINACIÓN
El escenario natural es registrado de forma documental. La iluminación en los interiores indirecta, homogénea, aséptica y fría como la protagonista. Resulta simplemente correcta.

MONTAJE
Los movimientos de la cámara resultan un poco pobres. El movimiento de la cámara sobre el paisaje de hielo está bien acompañado de la música y el ruido del agua. La quietud de este paisaje y la de un cazador de morsas es interrumpida por la caída de un meteorito que provoca una avalancha y finalmente la muerte del cazador. Esta escena se rueda con una cámara elevada pero inmóvil y pierde la oportunidad de mostrar la indefensión del personaje y la agresividad de la naturaleza.
De nuevo en las visiones panorámicas sobre Copenhaguen se pierde la oportunidad de ser algo más que estampas fijas de cubiertas.

FIN EDUCATIVO
La película no reúne cualidades fílmicas notables pero despierta, a través de una trama de misterio un poco floja, la curiosidad sobre partes importantes del curriculum por lo que creo que es una película que desde las asignaturas de ciencias y sociales, no desde artes plásticas y visuales, podría ser interesante.
Ciencias naturales: La forma enigmática y a la vez mínimamente explicada desde el punto de vista biológico de la procedencia, desarrollo y supervivencia de la lombriz ártica es el punto de partida para el estudio de animales no cotidianos.
La autopsia del niño y la inclusión de una biopsia muscular como pista en el misterio pueden generar preguntas sobre las pruebas médicas y forenses y el cuerpo humano.
El paisaje de Groenlandia, la presencia del hielo y el tipo de luz produce un color característica que puede ser un punto de partida para explicar aspectos perceptivos de la luz.
Aspectos físicos como la densidad hielo-agua y los icebergs están presentes en las imágenes con las que comienza y termina la película. La temperatura del agua y la influencia sobre la supervivencia del hombre son aspectos también mostrados.
Matemáticas: La aparición de un fractal de un copo de nieve en detalle y la atención sobre la investigación centrada en la nieve pueden tratarse en matemáticas.
Ciencias sociales. La película inicia una exploración superficial sobre las formas de vida de los inuits en Groenlandia. La importancia de una naturaleza tan rotunda como la tierra de hielo y sus recursos.

martes, 12 de febrero de 2013

Branagh, Kenneth. (1989) Enrique V.


Por 131313

Enrique V es la adaptación como ópera prima en el cine de Kenneth Branagh de la obra de William Shakespeare, dramaturgo del s. XVII. La obra original estaba basada en la Crónica de Holinshed y en la última parte de las Famosas victorias de Enrique V.

ARGUMENTO
Branagh recupera la figura que Shakespeare representa en Enrique V, rey de Inglaterra (1413-1422) y hombre con un origen de reputación discutible y aficionado a la comedia y sus gentes. Influido por la iglesia, Enrique V decide recuperar los territorios franceses pertenecientes a la corana inglesa por línea de descendencia. La empresa muestra las virtudes del joven rey seguido por un ejército que va mermando en número y fuerzas. Al mando de su ejército renuncia y aniquila sus deseos anteriores. Pone de manifiesto la irracionalidad de la batalla en la que la inmoralidad del contrario le hace perder una victoria previsible en la batalla de Agincourt (1415). El pacto de sangre se plantean como alternativa al derramamiento de sangre con un amor infundado.


FOTOGRAFÍA E ILUMINACIÓN
La iluminación de interiores a través de la llama a la altura de los ojos es fascinante. Exteriores inundados por la bruma que oculta el escenario e ilumina homogéneamente los exteriores. Solo la aparición de Catalina y su signo de esperanza se viste de blanco y luz natural. La película consigue quedar en la memoria del espectador a través de un lenguaje visual contundente bastante teatral, una música envolvente y que acentúa los momentos de la epopeya y diálogos sin sonido alguno de fondo que recuperan la voz del teatro.

MONTAJE
La película comienza con una imagen de gran contenido pictórico, el encendido de una cerilla alumbra al que desde eso momento nos guiará en la estructura de la obra, el narrador o coro teatral presente en el teatro inglés del s. XV. El narrador nos introduce en las bambalinas de medio cinematográfico para introducirnos en lo que se presentará entre cine y teatro en alusión a la intención llevar a Shakespeare al gran público. La puesta en escena se apoya en decorados interiores sobrios con una presencia frontal propia del teatro. Los grandes espacios verticales de suelos desnudos de piedra y paredes vestidas de telas muestran la faceta representativa de Enrique V en contraposición a las escenas de los personajes del teatro y su pasado frívolo y carnal. Las atmósferas son veladas por el humo de las velas o la niebla de los campos. Los movimientos de cámara lentos para pasar del diálogo, monólogo a mostrar la escena son impresionantes. La utilización de fundidos en sombra, interposición de elementos gráficos como mapas cartográficos y la aparición del coro estructuran una historia construida por relatos.

MÚSICA
Espléndida banda sonora compuesta por Patrick Doyle y llevada a escena por la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham de bajo la batuta del prestigioso director Simon Rattle. Fue asimismo la primera composición para la pantalla grande de Patrick Doyle, escocés formado musicalmente en la Royal Scottish Academy of Music and Drama. Obra de carácter descriptivo apoyada en la música sinfónica para el comienzo y el tema coral "Non Nobis, Domine, Sed Nomine Tuo da Gloriam", frase a la que se hacía referencia de pasada en el texto shakespeariano. El primer tema, "Opening Title - O! For a Muse of Fire", acompaña a los títulos hasta la entrada en escena del coro. El propio Patrick Doyle, en primer plano, es el soldado que como solista inicia a capela el himno de glorificación a Dios, "Non Nobis, Domine", los coros repiten una y otra vez la frase "Non nobis, domine, non nobis, domine, sed nomine tuo da gloriam" ("Nada para nosotros, Señor, nada para nosotros, sino para la gloria de tu nombre") acompañados por la orquesta. Se recomienda los comentarios y descripción dada en http://www.bsospirit.com/comentarios/henryv.php

VESTUARIO
Sobrio, como toda la puesta en escena, resulta muy eficaz para mostrar ciertos signos de la estructura de la sociedad inglesa y francesa del s. XV. Destacan la identificación de signos como los medallones, escudos y el color de las banderas en la vestimenta de batalla de Enrique V y el delfín de Francia.

FIN EDUCATIVO
Literatura y teatro: Acercamiento al género teatral ingles de Shakespeare y las formas de la época.
Historia. Acercamiento, a través de la ubicación de escenas, vestuario y estrategias, a la estructura social, política y militar y sus comportamientos en la Francia e Inglaterra del s. XV. Desconozco el momento de aparición del tenis y el reloj cronológicamente pero resulta sorprendente su inclusión en la película.

Series de televisión y transversalidad

Por Elena Arribas


De unos años a esta parte, el consumo de series ha aumentado de forma considerable gracias al número de canales de televisión, el uso de internet para su difusión, el fenómeno fan, y sobretodo, por la variedad y calidad de los proyectos televisivos.
A lo largo de la asignatura hemos hablado de la importancia de usar los medios audiovisuales para una educación transversal, y tristemente, hemos de ser conscientes de la falta de cine de interés que consumen los alumnos y que actualmente la gente prefiere descargar de internet para ver en su sofá una película o serie que pagar casi 10 euros por una entrada de cine.
Como futuros maestros, debemos aprovechar el consumo audiovisual que realizan los adolescentes frente a televisores y ordenadores y usarlo en nuestro provecho.
Dentro de la variedad de series que están o han estado en antena en los últimos años, podemos encontrar material para usar en clase como apoyo a los conocimientos que deben aprender y que están contenidos en el currículum.
Algunos ejemplos, que intentan mantener un nivel de calidad de imagen y de guión:

TEMAS HISTÓRICOS

ROMA, HBO, 2 Temporadas. Basada en la época del cambio de la República Romana al Imperio, podemos trabajar cómo vivían los romanos, figuras y momentos históricos, batallas y la política romana.

HERMANOS DE SANGRE, HBO, miniserie 10 cap. Producida por Spielberg y está basada en el libro homónimo de E.Ambrose y nos puede servir para narrar aspectos históricos de la 2ª Guerra Mundial.

LOS TUDOR Showtime, 4 Temporadas. Basada en el reinado de Enrique VIII y en su enfrentamiento con la iglesia católica por sus necesidades maritales que llevó al nacimiento de una nueva religión, el anglicismo.

BOARDWALK EMPIRE, HBO, 3 Temporadas. Interesante para hablar sobre “La Ley seca” y la corrupción en Estados Unidos durante los años 20.

MAD MEN AMC, 5 temporadas. Útil como apoyo en temas históricos del siglo anterior, transformaciones culturales y políticas (segregación racial, feminismo, política, guerras, consumismo, el hombre en la luna…) de las décadas de 50 y 60 en Estados Unidos que irían convirtiendo el mundo en lo que conocemos actualmente.


INCITACIÓN A LA LECTURA

SHERLOCK, BBC 2 Temporadas. Acercamiento actualizado a las aventuras de Sherlock Holmes que puede animar a iniciar la lectura de sus obras.

ORGULLO Y PREJUCIO, BBC. Adaptación muy cuidada de la novela de Jean Austin.

JUEGO DE TRONOS, HBO, 2 Temporadas. A pesar de ser literatura de ficción, es un excelente recurso para animar a los alumnos a leer por afición y a no esperar a la próxima temporada para saber las aventuras de los personajes.
 


TEMAS DE ACTUALIDAD

BLACK MIRROR, CHANNEL 4, 1 Temporada. Episodios para hablar sobre la influencia de las tecnologías y de los medios de comunicación en nuestras vidas.

THE WIRE, HBO, 5 Temporadas. Magnífica serie, de la que podría usar algún capítulo para hablar del tráfico de drogas y la violencia en las calles.

CREMATORIO, Canal +. Serie española para hablar de la situación urbanística y la corrupción en las ultimas décadas en España.


Hemos de usar la moda de las series y aprovecharnos de su consumo para hacer entender a los alumnos que las horas que empleamos delante de la pantalla también nos pueden servirnos para aprender y reflexionar.

El viejo y el mar


Por Elena Arribas

“El viejo y el mar”, adaptación cinematográfica de la novela homónima de Ernest Hemingway, cuenta la historia de un viejo pescador, Santiago, que no consigue pescar nada desde hace 84 días por lo que su joven aprendiz, Manolín, obligado por sus padres le ha abandonado por su mala suerte. A pesar de su soledad y falta de fortuna, el anciano decide volver a faenar para atrapar al pez más grande que haya capturado jamás, con él peleará varios días mientras, hablando consigo mismo, con la naturaleza, la mar, y reflexionando  sobre su vida y su vejez. Consigue vencer al pez, pero comienza otra lucha para volver a la costa y defender a su presa que será devorada por tiburones. Llegará a la costa agotado y vencido por los animales, pero recuperará el respeto de la comunidad y la compañía de su aprendiz.



ASPECTOS PARA ANALIZAR EN LA PELÍCULA A NIVEL FÍLMICO

Argumento: La película está basada en el libro de indudable valor y de título homónimo “El viejo y el Mar”, último libro de ficción de Ernest Hemigway publicado en el 1952, siendo una de sus obras más conocidas, estudiadas y criticadas. En 1953 recibió el Pulitzer y el Nobel de Literatura.
El argumento es fiel al libro y es una muy digna adaptación a la prosa del autor.

Desarrollo narrativo: Aceptable y respetuoso con la adaptación del texto.

Interpretación: Gran trabajo interpretativo de Spencer Tracy.

Fotografía, iluminación: a pasar de que la película fue nominada a los Oscar en la categoría de mejor fotografía, el trabajo no lo considero más que un buen trabajo de cómo componer e iluminar varias situaciones en una barca en el alta mar.

Sonido y música: sí es destacable la música que acompaña la soledad del viejo en el mar y el correcto uso de la voz en off en la parte inicial para ayudar al ritmo narrativo.

ASPECTOS PARA ANALIZAR EN LA PELÍCULA A NIVEL EDUCATIVO

Incitación a la lectura: El breve e intenso relato de Hemingway es una novela clave del siglo XX, que los alumnos de secundaria deberían conocer, considero interesante la proyección de la película en clase ya que es una excelente manera de que conozcan la novela e introducirles a las obras de escritores norteamericanos que tanto han marcado la literatura actual.

Hemingway y el cine


La obra de Hemingway ha sido muy usada en el cine, con películas basada en sus novelas, relatos y sobre la propia figura del controvertido escritor:
Por quién doblan las campanas (1943), Tener o no tener (1944), Forajidos(1946), Pasión en la selva (1947), The breaking point(1950) Las nieves del Kilimanjaro (1952), The sun also rises(1957) Adiós a las armas(1957), El viejo y el Mar (1958)…
La calidad de muchas de ellas desde el punto de vista cinematográfico no es interesante pero nos pueden servir para hablar de literatura y hechos históricos.

lunes, 11 de febrero de 2013

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Por Pedro Francisco Sánchez Parra

Argumento.
La película trata de un joven marine paralítico que es llamado para sustituir a su difunto hermano en una misión espacial de carácter científico- industrial. La misión consiste en extraer materia prima de un planeta lejano, la cual se encuentra sobre un poblado de alienígenas nativos. Finalmente el protagonista defiende la vida de los nativos y expulsa a los misioneros del planeta. Es un argumento que promueve la vida y denuncia la explicación y el genocidio de civilizaciones militarmente débiles.

Valoración de la película.
Es una película que podría calificarse como de entretenimiento, pero no los es totalmente, ya que posee un argumento que da posibilidades de que los adolescentes establezcan una modesta reflexión. La considero una película adecuada para los alumnos por los siguientes motivos formales y arguméntales.

El film es entretenido debido a un excelente ritmo narrativo que es capaz de mantener interesado al espectador. Posee una buena fotografía y buena música, que junto con el montaje y la ambientación proporciona una buena dosis de estética de alta calidad, capaz de atraer la atención del alumnado. Esto es algo a lo que también contribuye la presencia de algunos actores “hollywoodienses” conocidos, y el gran despliegue de efectos especiales y animación 3D. Además todos estos recursos podrían ser utilizados como referencia de creación cinematográfica.


Su argumento nos propone varias reflexiones interesantes. En primer lugar, con la muerte del joven hermano del protagonista, nos muestra la fragilidad de la vida, independientemente de la edad que se tenga. Esto contribuye a combatir en los adolescentes la idea que por el mero hecho de ser jóvenes se encuentran a salvo y que la muerte es algo que va ligada con la vejez. Esta es una idea que persiste en la mayoría de las mentalidades adolescentes y que alienta numerosos comportamientos de riesgo. En segundo término el argumento conduce a reflexionar a cerca de la esperanza y la fe combinadas con el esfuerzo. Esto queda reflejado en la situación de minusvalía en la que se encuentra el protagonista, la cual no le frena para pelear por sus metas. El hecho de que el protagonista sea un disminuido físico promueve también la aceptación social del diferente. En tercer lugar, al tratarse de una película futurista de ciencia ficción abre el pensamiento hacia las posibilidades de la ciencia y la tecnología como herramientas de supervivencia y exploración de la naturaleza, y a cerca de su papel, no solo para mejorar el bienestar de las personas, sino también como instrumentos para enfrentarse a las dificultades y los problemas. En cuarto lugar se muestra también el valor del trabajo en equipo, lo cual queda reflejado en la unión que establecen todos los clanes nativos para combatir la invasión humana. En quinto lugar, y quizás esta se trate de la reflexión de mayor peso, el film nos propone una  visión de respeto y conservación de la naturaleza y la vida, por encima de los intereses económicos o de dominio social. Empleando siempre los seres vivos como un fin, y no como un medio para conseguir objetos materiales, y nunca sobre poner estos últimos por encima de aquellos, es una de las reflexiones de mayor peso que se plantean. Todos estos puntos son propicios de ser llevados a debate en la clase. Y también contribuyen con el desarrollo de temas transversales como: la educación moral y cívica, la educación para la paz, la educación para la salud, la educación para la igualdad entre personas de distinto sexo, y la educación ambiental.


Peligros.
Uno de los inconvenientes que plantea desde el punto de vista didáctico, son sus contenidos violentos. Aunque no se trate de una violencia explícita, podrían reforzar las conductas agresivas y antisociales de algunos alumnos con problemas de personalidad, integración social o desarrollo, entrando así en contradicción con los objetivos educativos. También el argumento puede provocar un pequeño conflicto con los intereses educativos al dividir los personajes entre buenos  y malos, aunque esta división no queda realmente clara hasta ya avanzada la película. La existencia de dos bandos que luchan por intereses distintos no es una influencia positiva. Sin embargo el dinamismo con el que algunos personajes cambian de postura debido a las circunstancias, como es el caso del protagonista, si puede conducir a reflexiones interesantes como la predisposición de poseer una mentalidad abierta y flexible, capaz de crear empatía con otras personas y comprender diferentes puntos de vista.


Propuesta de una actividad.
Tras la proyección del film se propone unas actividades con la que emplear el cine como fórmula de reflexión. En primer lugar  un ejercicio de reflexión escrita en el que ellos puedan desarrollar un análisis argumental, evitando así que la proyección se reduzca un mero rato de recreo y entretenimiento. En segundo término un debate democrático con el que tratar de evitar el adoctrinamiento de los alumnos, y mediante el cual los alumnos puedan confrontar sus posturas críticamente. Además de ello se propone también la elaboración de una reflexión de síntesis en grupos, promoviendo así el trabajo en equipo y el enriquecimiento personal a través de las ideas de otros. Finalmente cabe destacar que la película será también empleada como recurso a la hora de desarrollar y potenciar en los alumnos conductas por imitación. Así se empleará el cine como generador de referencias que colaboren al proceso educativo.

Campanella, J.J. (2009) El secreto de sus ojos.

Por 131313

El secreto de sus ojos es la adaptación de la novela “La pregunta de sus ojos” de Eduardo Sacheri que hace Juan José Campanella. Galardonada en los Oscars 2010 a la mejor película extranjera nos narra la historia de Benjamín Espósito (Ricardo Darín) desde dos situaciones temporales de su vida ambientada entre 1974 y 2001 en Buenos Aires. Ya jubilado decide escribir una novela sobre un caso de asesinato que indirectamente acabó con la vida de su amigo y compañero de trabajo Sandoval (Guillermo Francella). Durante la investigación  Espósito conoce al marido de la asesinada un joven que queda anclado en el pasado por los recuerdos sin poder afrontar un presente ni un futuro. El empeño por hacer justicia  y la fidelidad de su compañero llevan a este a la muerte. Retirado Espósito necesita aclara el pasado para poder vivir y retoma la investigación. Una pregunta constante por las cuestiones no aclaradas en su vida en el pasado une dos episodios: su amor por su superior, Irene (Soledad Villamil) y poder dar respuesta a un marido perdido en el pasado.

ARGUMENTO
Vivir de recuerdos, con mil pasados y sin ningún futuro, esta es la situación en que la dictadura dejó a muchos argentinos. ,Personajes perdidos por la renuncia a vivir la situación que le imponen o la incapacidad de tomar decisiones. Con la edad se hace imposible seguir viviendo sin aclarar todas las preguntas del pasado y en sus respuestas se encuentra la vida. Situación irregular de la justicia argentina, juegos de poder y violencia de la dictadura.


FOTOGRAFÍA E ILUMINACIÓN
Comienza con dos secuencias con gran carga visual y práctica ausencia de diálogo que nos sitúan las dos realidades sobre las que va a girar la narración. Los sentimientos de Benjamín Espósito y un cruel e inexplicable asesinato. A partir de ese momento la cámara se centra en los diálogos, los picados sobre el vestíbulo del palacio de justicia y algún exterior. La iluminación de interiores domésticos vira a los cálidos de la incandescencia introspectiva, los interiores públicos con luz ambiental muestran su carácter de poder en el movimiento de la cámara.

MONTAJE
Cabe destacar las escenas del estadio de futbol. Con una dificultad técnica propia de producciones de mayor envergadura. Filmada desde un helicóptero la cámara cae en picado sobre el terreno de futbol para elevarse sostenida ahora por grúas y buscar a nuestro personajes entre la multitud hasta fijarlos con un plano corto. La escena se rueda con parte del público y luego se completa en postmontaje. Las escenas de la huida del presunto asesino se filman con cámara en mano incluso en la caída.

MÚSICA
Banda sonora compuesta por Federico Jusid que acompaña y dirige momentos emotivos.

FIN EDUCATIVO
La escena de violencia explícita, la violación y asesinado, anula la posibilidad de ser un material mostrado en la escuela para chicos de entre 12 y 16 años.
Lectura: Utiliza la escritura como un proceso de reconstrucción de la realidad para su exploración y comprensión. La experiencia vivida adquiere significado al ser enunciada por la palabra. La importancia de enunciar, de la lectoescritura para conocer. Utiliza el proceso creativo, la ensoñación, el paso entre el consciente y el inconsciente para llegar a colocar las piezas del rompecabezas o de su propia vida. Todo está ahí solo hay que detenerse.
Historia. La película ofrece una visión de la sociedad argentina desde la corrupción de la justicia y el fanatismo al futbol. Ambientada en la Argentina de 1974 caracteriza esta sociedad y esta época a través del: sistema de justicia en el que prevalece el poder sobre el juicio justo, de la convivencia con la desaparición y la cruel  privación de la libertad a través del control psíquico. No se recrean sucesos relativos a la dictadura pero la fecha de la muerte de Perón como inicio de la película recuerda al espectador el anuncio de la dictadura proclamada en 1976 con el deterioro de la justicia y la libertad. El componente de crueldad psicológica y las desapariciones hace referencia a los métodos utilizados en la represión de la dictadura.
Violencia: Muestra distintas formas de violencia, explícita e implícita ejercida por las instituciones y personas privadas sobre distintos géneros e incluso la sociedad. Una represión política-judicial y social que elimina todo lo que se le opone y utiliza el poder como único principio.
La víctima material era maestra, la víctima del sistema judicial un empleado anónimo de la banca, el verdugo un individuo sin pretensiones culturales, fanático del futbol, al que la corrupción policial le facilita el poder del arma. Ante la pasividad de todo un sistema judicial es un funcionario el único interesado en conocer la verdad y que se haga justicia. Ante el fracaso de la justicia cada uno elige sus propia justicia y el defensor del juicio justo termina siendo verdugo.
Otros elementos pertenecientes a la esfera de los sentimientos permanecen ocultos, como un thriller paralelo, al que finalmente se les da una oportunidad.

sábado, 2 de febrero de 2013

EN EL NOMBRE DEL PADRE


Por: Ana María Abellán 

En el nombre del padre, es una película dirigida Jim Sheridan clasificada como drama, en este caso drama político. Cuenta, como en 1974 tras un atentado del IRA en Londres, cuatro jóvenes son cogidos como cabezas del incidente, por estar en el lugar inadecuado en el momento perfecto y sobre todo, por su condición de norirlandeses. Los interrogatorios y la presión hacen que los jóvenes confiesen un crimen que no habían cometido, más tarde, algunos de sus familiares también serán detenidos como cómplices del atentado, está basada en una historia real, la de los llamados "cuatro de Guildford".


Hay que tener en cuenta la situación que se narra en la película, en la que Irlanda del Norte pasaba por un conflicto interno bastante relevante y aunque el punto álgido de este conflicto se dio en 1972 con 479 muertos ha continuado hasta nuestros días con un total de 3559 con su última muerte en 2011.
Esta película tiene una muy buena ambientación de la Irlanda de los 70, no es de extrañar que títulos como Billy Elliot se hayan basado bastante en este aspecto y aunque mucha parte de la película se trata en el interior de la cárcel, se ambienta perfectamente con la música del momento, nombres tan relevantes como Patty Smith, Bob Dylan, Ray Davies, Jimi Hendrix o Sinead O´Connor forman parte de su banda sonora. También juegan un papel fundamental a la hora de ambientar, las intervenciones de elementos como películas, en una de las mejores secuencias, los presos se encuentran viendo El Padrino con esa B.S.O de Nino Rota de fondo, muy idónea para situarnos, pues la película se estrenó tan solo dos años antes de la fecha con la  que comienza la película.


Además de la ambientación, la actuación sobre todo del protagonista es excelente, bien es sabido la obsesión de Daniel Day Lewis por  meterse totalmente en el papel que va a realizar llevándole a hacer cosas totalmente descabelladas, pero eso le sirve para hacer actuaciones tan buenas como esta.
El principio de la película tiene un ritmo muy bueno, éste disminuye cuando la acción central es en el interior de la cárcel y tras la muerte del padre del protagonista, en ese momento se evoca al desconcierto y desamparo también por medio del montaje y aunque de forma intencionada, conforme la película avanza, se vuelve mucho mas lenta, por lo que podría ser un inconveniente al ponerla en un aula.
La película muestra violencia en diversas ocasiones, pero no es violencia gratuita pues   durante todo el film se critica el abuso de poder mediante este medio , por lo que no creo que éste sea un problema para poder proyectar en el ámbito escolar.
Creo que ésta es una buena película para tocar la transversalidad, primero porque es un hecho real, histórico, además se atiende bastante bien a temas como la administración de justicia, el derecho penal, los atenuantes penales y la confesión e independientemente de esto, la película es un grito a las ganas de crecer, de superación y sobre todo de creer en ti mismo








lunes, 28 de enero de 2013

Arte y enfermedad mental


Por Drusila

El objeto de esta reflexión surge tras pensar en los temas que tratan películas como “Alguien voló sobre el nido del cuco” de Milos Forman y “El Resplandor” de Stanley Kubrick. De forma indirecta aunque bien reflejada en las dos películas hablan de corrientes anti psiquiátricas que ponen de manifiesto el innecesario aislamiento de las personas con trastornos mentales.


Situémonos en algunos referentes de esta corriente. Por un lado, las primeras teorías surgieron a finales del siglo XIX en Estados Unidos con los escritos de Benjamin Rush, aunque no fuera hasta David Cooper y ya en 1957 con T. Szasz cuando surgiera el término anti psiquiatría y se desarrollase en profundidad esta corriente.
Por otro lado, en el campo más perteneciente a las artes, el movimiento surgió en el siglo XX en Francia de la mano de artistas multidisciplinares como fueron Fernand Deligny, Antonin Artaud y Jean Dubuffet. Los tres trabajaron desde el campo psiquiátrico elaborando películas, escritos y obras artísitcas con trabajos que rompieron las barreras del hospital para legitimizarse en los museos. Un ejemplo actual de legitimizar la creación artística de personas con discapacidad mental es el Creative Growth Art Center de California que incorpora a los museos obras de artistas con Síndrome de Down entre ellos, la escultora Judith Scott.


Es curiosa la relación entre la creatividad y la enfermedad mental ya que muchas de las personas que padecen un trastorno se dedican a la creación, como ponen de manifiesto los estudios realizados por el Instituto Karolinska. Todo ello me lleva a pensar en quién puede ser considerado como persona normal y quién como persona enferma, un ejemplo de ello es la visión de la filosofía china que plantea: si tu mente está ocupada con el mismo pensamiento durante más de un minuto, tienes un trastorno obsesivo. Quizás se considere personas no enfermas a la mayoría de la población, a las consideradas normales. Imaginemos que si la mayoría de las personas tuviesen un problema psiquiátrico y sólo algunos no lo padeciesen nuestro concepto de normalidad sería otro distinto, ya que la sociedad se conforma en función de la comparación entre unas personas y otras, no podríamos saber si una persona es alta sino hay otra más baja que ella.
Escritos como “Creatividad y enfermedad mental” del Instituto Karolinska, “La enfermedad como camino”de T. Dethfelsen y D. Rudiger, “Biografía a paso de carga” de Jean Dubuffet estudian las conexiones entre el arte y los trastornos mentales, así como abren nuevos caminos de investigación sobre el término “estar enfermo”. Es interesante pensar que al fin y al cabo todas las personas pasamos por enfermedades de un tipo u otro a lo largo de nuestra vida pero no por ello nos situamos al margen de la vida social, porque si una persona padece problemas mentales, en su reclusión sólo conseguirá agravar su enfermedad, como plantean Forman y Kubrick en las películas aquí citadas.


¿Por qué estas personas están en reclusión social?, ¿por qué a día de hoy no hay más estudiantes con discapacidad o trastornos mentales en las aulas? y ¿por qué debemos irnos a las escuelas privadas de carácter revolucionario para encontrar a todos los alumnos desarrollándose en un mismo espacio?
Finalmente, podemos observar cómo a través de una expresión artística, bien una película, un dibujo o un libro, se pueden tratar temas transversales como la relación entre arte, enfermedad mental e inclusión social, y de cómo pueden ser herramientas para debatir, ahondar e investigar sobre ello en un contexto educativo universitario. Creando así conciencia social y proyectos de colaboración entre los distintos ámbitos que enriquezcan el aprendizaje en las aulas.


Referencias

Creatividad y enfermedad mental. Instituto Karolinska:
http://www.investigacionyciencia.es/noticias/constatan-la-relacin-entre-enfermedad-mental-y-creatividad-10540
Le moindre geste, Fernand Deligny:
http://www.youtube.com/watch?v=EjwsMInjKwA&list=PL06B210BB376EB8B7
Historia de la corriente anti psiquiátrica:
http://ligaantipsiquiatrica.wordpress.com/tag/benjamin-rush/
Investigación sobre anti psiquiatría:
http://www.ucm.es/info/nomadas/31/adolfovasquezrocca.pdf
Colectivo Debajo del sombrero
http://www.debajodelsombrero.org/

domingo, 27 de enero de 2013

OLIVER TWIST. Roman Polansky


Por Berta Burgos

La historia cuenta la vida de Oliver, un huérfano que a la edad de nueve años es devuelto al hospicio donde nació después de haber vivido en el campo con los curas. En este hospicio es sometido a trabajos, maltratos y hambre por parte del director Bumble, al igual que todos los niños que viven allí. Esta situación hace que decidan sortear cuál de los niños debe pedir más comida para todos, siendo Oliver el desafortunado elegido. En la cena de esa noche, después de su ración normal, se dirige al director del orfanato y le pede más comida. Debido a este episodio es tachado de problemático por el Sr. Bumble, el bedel y el director, quien lo ofrece como aprendiz a cualquiera que lo quiera contratar. Así, Oliver se convierte en aprendiz del enterrador Sowerberry; sin embargo, se pelea con uno de los hijos del enterrador y decidiendo escapar a Londres donde llega debilitado y cansado y donde , por ingenuidad, se deja engañar por una banda de ladronzuelos que vive en los bajos fondos de la ciudad y que está dirigida por el viejo Fagin. Es así que empieza para el chico una vida subterránea y nocturna junto a Fagin y a Dodger, Bates y Claypole. Entre ellos, Nancycon él  buena y compasiva pero sometida a la protección de su amante, el violento Sikes -el cual había sido anteriormente uno de los lacayos de Fagin en su niñez-.


Un día los ladronzuelos de Fagin en uno de sus trapicheos roban al señor Browlow. Oliver asustado se aleja corriendo y con la confusión acaba siendo acusado, arrastrado y juzgado del robo de forma un tanto irregular pero en el último momento se salva gracias al testimonio del librero que declara a su favor y el cuál decide hospedarle en su propia casa compadeciéndose de las horribles condiciones de salud del chico.
Es a partir de entonces cuando Oliver empieza a conocer una vida agradable y de privilegios, rodeado del afecto del Sr. Brownlow y de su ama de llaves.  Pero la banda consigue descubrir dónde se esconde Oliver y se las ingenian para raptarlo y devolverlo a su refugio.
El inquietante y misterioso Monks le obliga a trabajar para él como ladrón y a robar a su salvador el Sr. Brownlow. Él se niega en rotundo pero no puede escapar y acaba recibiendo una bala. La señora Mayle le cura la herida y Oliver vuelve a quedarse en la casa bajo su protección. Fagin, con la ayuda de Monks, pretende llevarse al chico nuevamente pero la compasiva Nancy advierte al ama de llaves del complot. Sikes, descubre la traición de Nancy, la asesina. La banda de los ladrones acaba siendo descubierta por la policía y los ciudadanos. Al final de la historia Oliver termina siendo adoptado por el señor Brownlow. Descubiertos todos los delitos, Fagin es arrestado y a los pocos días juzgado y sentenciado en la horca.


Argumento:

Esta película proveniente del libro de Chales Dickens es una adaptación realizada por Roman Polansky muy fiel al libro de Oliver Twist. Dickens fue el primer escritor que se atrevió a escribir sobre la cruda situación de los barrios pobres y de los niños que se ven obligados a llevar una vida de delincuencia por manipulación y por necesidad. Es una crítica dura a la sociedad del siglo XIX. Este puede ser una buena incitación a la lectura de este gran clásico de la literatura inglesa y de hacer conscientes a los chicos de la situación de pobreza no muy lejana a la situación en algunos países en la actualidad.

Enlace: http://cinefox.tv/ver1606/oliver-twist_pelicula-completa.html

jueves, 24 de enero de 2013

GOOD BYE LENIN!


Por Alicia Rodríguez

Pequeña sinopsis

Good Bye Lenin es una película Alemana del año 2003, dirigida por Wolfgang Becker que está catalogada como “tragicomedia”.
Esta película narra la historia de un joven alemán que vive en la República Democrática Alemana, en el entorno de una familia socialista, cuya madre es una mujer orgullosa de sus ideales socialistas. Tras el abandono de su padre, la madre de Álex (el protagonista) cae enferma, y cuando se recupera vuelve como una mujer completamente entregada a la política y al partido Socialista Unificado.
Alex acude a manifestaciones, no se sabe en concreto qué reivindican, pero sí sabemos que es en desconformidad por el sistema que les rige. Éste es un detalle importante, ya que a pesar del entorno familiar en el que vive, nos intenta mostrar que, como casi toda la juventud mundial, es inconformista y anti-sistema.
La madre de Álex lo ve en la manifestación, en una manifestación que va en contra de todo aquello que ella ama y admira tanto, y cae desmayada y posteriormente en coma. La policía Alemana golpea fuertemente al joven, impidiéndole ir a socorrer a su madre. Se intenta mostrar la dura represión contra aquellos que ponen en duda y amenazan al sistema.


Después de este suceso la madre de Álex entra en un coma durante ocho meses, tiempo en el que culmina la guerra fría con la caída del muro de Berlín, las dos Alemanias se unifican y se instaura  el capitalismo en la sociedad. A partir de aquí es cuando empieza el verdadero sentido de la película. La madre de Alex despierta, y el médico lo avisa de que cualquier cambio sustancial el la vida de su madre podría ser perjudicial para su salud, y en concreto, el drástico cambio político que su entorno había tomado, la mataría.
Entonces Álex se decide por ocultar todo lo que había pasado para proteger a su madre y evitarle el disgusto, re-decorando la casa tal y como estaba en la época socialista, consiguiendo botes de comida del régimen, ocultando las marcas capitalistas que se habían instaurado en el día a día (como Coca-Cola o McDonalds), hasta incluso grabando telediarios que hablaran del régimen con compañeros, que después le pondría en la televisión para que no sospechara. Todo para protegerla y ayudarla mientras él se va haciendo una visión de la nueva Alemania.


Utilizar esta película en el aula

Ésta es una película que considero con elevadas capacidades para poder trabajar en el aula de alumnos, más bien de bachillerato, una edad en la que pueden comprender y estructurar mejor en sus cabezas los acontecimientos históricos.
La calidad de imagen de esta película es posible que no sea especialmente elevada, se intenta ofrecer una imagen ochentera, en consonancia con el momento histórico que está relatando. Pero no cabe duda de que es una película que engancha, la fotografía está, en mi opinión bien cuidada, y trata de contar un echo histórico que a priori puede ser bastante aburrido y muermo, de una forma diferente y que te mantiene pegado al sillón hasta que termina. En medio de una situación bastante dura, te cuenta detalles graciosos visto por la mirada de un adolescente, y las cosas por las que tiene que pasar, sin dejar de lado ese toque cómico que hace que no te distraigas de la historia.
Con esta película se puede ayudar a comprender a los adolescentes los hechos históricos que han sucedido recientemente, a comprender aspectos de la política que rechazan siquiera empezar a discutir, porque les aburre, porque les parece algo que no va con ellos o porque simplemente no les interesa. Con esta película se puede iniciar un buen debate, una buena muestra de opiniones e incluso se pueden llegar a buenas conclusiones, teniendo como punto de partida el visionado de este film.


La violencia o la relación al sexo que aparecen en esta película, no son explícitas ni buscan el morbo. Aparecen significativamente durante breves periodos de tiempo para dejar patente  al espectador que esos temas están ahí, y no se pueden olvidar porque son inherentes a la raza humana, pero sin hacerse eco de ello, sin regocijarse en imágenes crueles, largas y sin sentido que sólo buscan el morbo.
También se puede realizar el visionado en versión original subtitulado, porque aunque no sepan el idioma Alemán, es necesario acostumbrarse a ver las películas en vo, y también puede ser que surja la curiosidad por aprender otros idiomas. Que tengan en cuenta que no todo el cine es Americano, y no sólo el Inglés el único idioma a aprender. Es importante hacerles ver que el mundo es muy grande y la cultura muy extensa, y cuántos más conocimientos se adquieran mejor será para ellos.