lunes, 24 de febrero de 2014

Rebell. La bruja de la guerra.

Por el guerrero Gerónimo


“Con tres heridas vengo: la del amor, la de la vida, la de la muerte.” M. Hernández.

Había una vez, una pequeña niña llamada Komona, que vivía muy tranquila y feliz, en algún reino junto al mar, con sus padres, hermanos y gentes llanas de algún pueblecito de África. Un día, unos hombres dotados de armas y crueldad  llegan en sus lanchas e irrumpen en el pequeño reino.
Las maneras con las que se presentan, no dan buenos augurios. Los niños, junto a Komona, son secuestrados y tras unas iniciales y espinosas pruebas de habilidad, convertidos en soldados.
Solo algunas esencias inherentes en el ser humano florecen en situaciones límite, como la voluntad de sobrevivir, y el amor  como la mejor arma de construcción masiva: Komona cuenta la historia de cómo llegó a ser soldado en forma de diario a su futuro hijo, fruto del amor con otro chico soldado, un africano albino.


Vida, amor y muerte, con parajes contundentes de África.
El buen lenguaje cinematográfico: un clímax, la mismísima naturaleza con sus  elementos como su brisa, viento que golpea  puertas de indolente madera,  sonidos de intemperie lo más alejado de lo artificioso, casi aromas que nos llevan hasta espacios remotos, un cóctel sensorial que nos lleva a África. Imágenes que brindan tranquilidad, invitan a la sentir y entender la paz, el contacto con la naturaleza africana, se escucha el silencio. Se suele decir que después de una tormenta, hay por fin algo de calma. Y el idóneo lenguaje del cine no se lo quiere perder. Inversamente, la  regla del guionista impera en la ficción.
Por ejemplo en el comienzo del film: imágenes que ofrecen calma, pero exigimos como espectadores una “tormenta”, que no tarda en aflorar. El bonachón y saludable panorama que ofrecen las imágenes de inicio es conseguido con planos fijos y encuadres estáticos pero se “rompen” sin concesión con el brusco sonido de unas lanchas, ataviadas con la siempre inclemente imagen de gentíos portando armas. Acto seguido un desembarco de soldados, esta vez cámara al hombro, colocándonos en vista subjetiva, rompe a todos los niveles con las imágenes aquellas estáticas: aquí el significado es diferente, como si fuéramos un usurpador más. Una técnica bastante usada en producciones de temática bélica. Es un riesgo que no le queda mal al director canadiense al dejar claro, un allanamiento en toda regla. Es en todo canon, la presentación de los personajes. Da sentido al guion, ya que irrumpen los refractarios, y no traen buenas nuevas. Llama la atención.

El desgraciado lenguaje de las balas se hace notar y termina con la armonía y paz de la aldea. Muerte, secuestro, entre  otros niños, de nuestra protagonista Komona;
Si antes nos llamaba la atención, ahora nos despierta la curiosidad. El juego de los contrastes, lo tendremos presente a lo largo del film; a ratos la tranquilidad, en contraposición, la destrucción. Sangre y muerte, contra el deleite de la ternura, en este caso de las almas aún adolescentes.
Una seria y trabajada paleta de colores  escoltan la historia. Si es África, negro es el color de los dioses, y las áridas estepas con sus variadas vegetaciones, el Olimpo. Nos acompañarán siempre en esta aventura. Es, por así decirlo, una película “natural”, rodada prácticamente en exteriores con acertada fotografía, que no se detiene en la pomposidad, sino en documentar la crueldad tal y como es, dejando atrás tretas de estudio  (amén de la post producción), y rodado con la naturalidad suficiente para dar verosimilitud a la historia.
El film cuenta también con aspectos  peculiares como es la presencia de los hechiceros en las tropas. A la vez rodadas estas partes con destacable plasticidad, se dice que invocan a los ancestros y otros espíritus dotando de fuerza y vigor a los soldados, inundados de visiones, para andar prestos y confiados en el inminente choque. Amuletos, hechizos son armas tan útiles para la batalla como lo son las demás. Es una de las novedades que presenta la película. De hecho, Komona, al sobrevivir a un ataque, la denominarán “bruja”, ya que sabe dónde se esconden los demonios de la jungla: “A la bruja del Gran Tigre, no se le golpea”.


Buen sonido: El idioma que predomina en los momentos narrados en primera persona, el diario de Komona, es el francés, aunque convive  con el autóctono. El sonido de las balas es un personaje más y suena como ha de taladrar la sinfonía de la destrucción. Los protagonistas juegan un papel bastante realista, y no es nada fácil el trabajo elaborado, por parte de la dirección de actores.

Invitar a una clase de adolescentes a visualizar esta clase de cine tiene un claro fin: no dejarles impasibles.

Sea un buen ejercicio hacerles saber que existen estos niños en países como Afganistán, Pakistán, Tailandia, Sudán entre otros y que amén de las razones que han imperado el reclutamiento, puedan ser conscientes los alumnos de varios aspectos: por un lado, que es una práctica muy asidua en determinados países en conflicto, como una imposición, sin miramiento ni derechos ninguno. Donde la guerra y la muerte cabalgan juntas y no tienen cabida palabras ostentosas  como “vida”. Por otro, que este tipo de acciones se conciba como algo normal.
A menudo estos niños son secuestrados; directamente de sus hogares o de las mismísimas escuelas. Se convierten en soldado, víctima y verdugo, y para más inri son pasmosamente reemplazables. Entre otros célebres aspectos que ni me atrevo a imaginar…
Amén de niños soldados, quisiera destacar la figura del personaje masculino principal: Mago, de naturaleza albina, y que son perseguidos y sacrificados debido a una extraña creencia por parte de los chamanes, en la que estos “seres”, tan diferentes en la raza, son fruto de los mismos demonios.
Que existen razones para estas aberrantes acciones como existe también los derechos del niño. Y que los responsables debieren rendir cuentas ante la justicia.
Concienciarlos de que, tal vez, en lugar de estar sentados en clase viendo este film, tuvieren que estar en un escenario definitivamente poco acogedor, con una Kafelnikov en lugar de un móvil última generación. O simplemente, no tener el lujo de contemplar una mala nota en Historia…
En definitiva, buena película que muestra una vez más, la crueldad del ser humano. Y que nada exime ni a los más jóvenes, de contemplar de cerca, el inexorable rostro de la muerte.
Este film, también fue proyectado en el I Festival Internacional de cine y educación de Madrid, celebrado entre el 20 y 24 de Enero de 2014. 

Chanel Nº 5, el secreto de un perfume

Por Zaida Sánchez González



“Era uno de los días más calurosos del año. El calor se abatía como plomo derretido sobre el cementerio y se extendía hacia las calles adyacentes como un vaho putrefacto que olía a una mezcla de melones podridos y cuerno quemado. Cuando se iniciaron los dolores del parto, la madre de Grenouille se encontraba en un puesto de pescado de la Rue aux Fers escamando albures que había destripado previamente. Los pescados, seguramente sacados del Sena aquella misma mañana, apestaban ya hasta el punto de superar el hedor de los cadáveres. Sin embargo, la madre de Grenouille no percibía el olor a pescado podrido o a cadáver porque su sentido del olfato estaba totalmente embotado y además le dolía todo el cuerpo y el dolor disminuía su sensibilidad a cualquier percepción sensorial externa”. 

“… Todos se vuelven, descubren al recién nacido entre un enjambre de moscas, tripas y cabezas de pescado…”. (Patrick Süskind, El Perfume, la historia de un asesino).

La obra publicitaria seleccionada anuncia un perfume: Chanel Nº 5.
Su emisión se produjo durante varios meses del año 1998, y en distintas cadenas de televisión. Este anuncio se creó para conmemorar el setenta y cinco aniversario del perfume creado por Coco Chanel. Su duración es de dos minutos y treinta y cinco segundos, y cuenta con un gran número de planos.
La historia está basada en una novela del escritor alemán Patrick Süskind, que se publicó en 1985 bajo el título El Perfume, la historia de un asesino. Y que posteriormente fue llevada al cine. El anuncio tiene muchas escenas que aluden a la película. Un ejemplo de ello es el minuto 1:07 a 1:10 donde se ve a un hombre joven cortando pescado.
Este anuncio puede analizarse por su iconicidad, propia de imágenes en color, aunque no empleada de manera realista. También en lo que tiene que ver con el espacio, y los escenarios, y cómo mediante ellos se alude a la muerte, como por ejemplo a través del parecido que tienen las verjas de la entrada a las de un cementerio.
La luz es artificial y está empleada de forma que resalta mucho los contrastes, casi siempre procedente de un foco lateral y de manera efectista. Hay grandes contrastes de claroscuro. En este anuncio, el uso que se le da a la luz es fundamental para envolver al espectador.
En cuanto al color, todo el anuncio mantiene una gran coherencia estética y lo emplea sin respetar el realismo ni la fidelidad a los colores naturales. Predominan las escenas en sepia y blanco y negro, aunque hay un protagonismo muy importante del negro. El color amarillo, verde, rojo y azul se entremezcla con escenas en blanco y negro y en sepia, pero las tonalidades se repiten sin variaciones durante todo el anuncio.
Predominan los primeros planos y los planos detalle, concentrando toda la atención del espectador y acentuando el dramatismo de las escenas y el carácter expresivo y psicológico de la trama. En cuanto a los efectos visuales hay una imagen subliminal en el minuto 0:15 donde puede verse una calavera formada por distorsión de las verjas. La angulación de la cámara casi siempre suele ser normal, pero hay que destacar un encuadre con ángulo contrapicado en el minuto 0:54 para expresar la superioridad del personaje femenino, que aparece en escena por primera vez. También hay ángulos aberrantes en muchos momentos, enfatizando la imagen sobre todo cuando los dos personajes principales se encuentran juntos.
Por otro lado, y en cuanto a sus posibilidades educativas, también es posible analizar el anuncio desde la manera en que está realizado, en cuanto a cómo se han tratado las imágenes en movimiento. Esto es algo con lo que el director de este anuncio ha ido jugando al emplearlo como una herramienta para modificar el tiempo real. No hay adecuación entre el tiempo real y el tiempo fílmico, el tiempo de las imágenes en movimiento no se ajusta al que ocuparían los acontecimientos en la realidad. Las escenas están marcadas por un ritmo que no es continuo y que va en concordancia con el de la música empleada. Este ritmo es seguido, incluso por la acción de los personajes, que con sus movimientos del cuerpo, brazos… lo acentúan. Esto puede verse en el minuto 1:19 a 1:25 (corte de un mechón de pelo y movimiento de brazos). Por otro lado, en muchos momentos se emplea más de un plano, lo que produce la sensación de que la escena se acelera, hay fundidos durante los primeros veinticinco segundos del anuncio.
El fuerte ritmo visual, la utilización de planos muy cortos y ángulos enfáticos, como los aberrantes o inclinados, dan lugar a una fuerte tensión emotiva, y la música contribuye a subrayar esa tensión. A este respecto, en lo que tiene que ver con la música, en muchos casos destaca la acción y potencia la imagen, ya que va al mismo ritmo que las escenas. Define y resalta los hechos. La imagen y el sonido se complementan, lo que hace que se genere una atmósfera que ubica al espectador ante un estado anímico cercano al miedo, a lo siniestro. Junto con la luz, la música genera un ambiente de miedo y muerte. Por otro lado, los personajes no establecen diálogo sino hasta la parte final del anuncio.
Es interesante un análisis de la iluminación y los colores, estos buscan ese equilibrio estético que se mantiene a lo largo de todo el anuncio.
El mensaje subliminal del minuto 0:15 y las mujeres colgadas que se ven al inicio también son alusiones a la novela, que hacen referencia a la muerte y a los asesinatos de las mujeres en torno al suspense que caracteriza a la trama.
Por lo que respecta al tratamiento de los temas transversales, se puede abordar el de la igualdad entre sexos; en general, durante todo el anuncio se da más énfasis al cuerpo que a los espacios donde se realizan las acciones, pero en especial al cuerpo de la mujer, que es tratado como un objeto, ya que de él es de donde se extrae el perfume.
Igualmente se destacan mucho las texturas. En general todo el anuncio es muy sensorial, pero principalmente durante el minuto 0:41 a 0:44. En el minuto 0:24 hay un plano detalle de una mano, lo que acentúa este hecho. Desde el inicio hasta el minuto 0:48 predominan las formas circulares y redondas ya que todo el anuncio gira alrededor de lo femenino, incluso las letras escritas con pluma durante uno de los primeros planos son redondeadas. Entre otras cosas destacan las gotas oscuras que caen dentro de un líquido y las burbujas de aire dentro de otro. Seguidamente pueden verse otras formas redondas como los pendientes de la mujer, las gafas del hombre, los ojos de los peces (en este caso creando un ritmo compositivo), las miradas y los cuerpos entre las verjas que también contienen elementos circulares, y las cuencas de los ojos pintadas de negro del resto de personas que salen con sus cabezas rapadas. También hay que destacar el predominio de las diagonales, que aportan dinamismo a la composición, pero también hay muchas líneas curvas que transmiten la idea de fluidez y sensualidad. Todas estas composiciones curvas circulares y en movimiento que pueden verse principalmente hasta el minuto 0:48, comunican entre otras sensaciones la de exaltación, inquietud y embriaguez (minuto 0:48).
El perfume es realmente el protagonista, el análisis de cómo en la mayoría de la publicidad se emplea el sexo y el cuerpo femenino como reclamo comercial ayuda a la educación del consumidor, a la educación cívica, moral y de la sexualidad.
Por otro lado, el que en este anuncio aparezca un mensaje subliminal sirve para explicar el uso que se hace de este tipo de imágenes tanto en el cine como en publicidad y analizar así sus propósitos y consecuencias en el espectador, el identificarlo sirve de ejemplo a los alumnos para que aprendan a identificar este tipo de imágenes en la vida cotidiana, como usuarios y como consumidores.

WALL•E

Por Arian Menéndez

Sinopsis

Wall•e es una máquina creada para despojar al planeta Tierra de toda la basura que lo cubre. Este robot formaba parte de todo un escuadrón que se envió a la Tierra por Buy´N Large, tras haber sido deshabitada por la humanidad por la descontrolada acumulación de residuos que hacían ya imposible la vida en el planeta.
Transcurridos 700 años, sólo queda en la Tierra nuestro pequeño robot  Wall•e, que continua con su comedido de limpiar el globo terráqueo. Pero Wall•e no es un robot cualquiera, ya que ha sido capaz de desarrollar una serie de habilidades humanas, que le han hecho posible continuar con su existencia después de tantos años. Wall•e se ha creado una casita en la que recoge todo tipo de objetos y los clasifica en pequeños contenedores. Es un robot <autosuficiente> que se repara a sí mismo y que imita a los humanos que observa todos los días en una televisión que restauró.
Un día, Wall•e encuentra una planta dentro de una vieja nevera y la guarda en su casa (camión). Al poco tiempo, una nave llamada Axioma, deposita en la Tierra un pequeño robot llamado Eva tipo sonda de combate, que está diseñado para explorar el planeta en busca de cualquier resquicio de vida orgánica. Wall•e persigue a Eva hasta que ésta se detiene a conocerle. Después, le muestra su casa y los objetos que él reúne cada día. Pero cuando Eva ve la planta, la guarda en su <estómago> y se bloquea en modo de hibernación a la espera de que la nave Axioma vuelva a recogerla. Wall•e no comprende que le ha ocurrido y trata de <revivirla> a través de todos los medios posibles, pero sin éxito.
 Entonces Wall•e empieza a reconstruir situaciones humanas con Eva, como la vista de un atardecer, observar las estrellas bajo la luz de la luna, pasear en barca por el <río>, etc., pero se da cuenta de que Eva no está con él y la deja en un montículo de basura, prosiguiendo de nuevo con su labor de limpieza. Pero de repente, la gran nave vuelve en busca de Eva y se la lleva al espacio exterior. Wall•e, que no quería perder a la única amiga robot que había conocido en su vida, corre hacía la nave y se esconde en ella. Ambos llegan al gran <Arca de Noé> del espacio, donde Wall•e ve por primera vez a los seres humanos que tantas veces trataba de imitar y que ahora, sufrían un grave problema de obesidad y transformación ósea. Todos los humanos van montados en sillones con pantallas digitales.
Walle persigue a Eva hasta que se la enseñan al capitán McCrea, que se lee el manual de <Regreso a la Tierra> para poder depositar la planta en la cavidad correspondiente de la nave y así poder poner en marcha la activación del sistema de vuelta al planeta. Pero el piloto automático se opone a la idea de regresar a la Tierra y hará todo lo posible por impedirlo. Eva y Wall•e tratarán de  colocar la planta en el compartimento, y con ayuda de los humanos lo consiguen. Aunque Wall•e <muere> en la lucha.
Cuando regresan al planeta, Eva reconstruye a Wall•e y le <resucita>. Ambos continuarán sus vidas juntos, ayudando a los seres humanos a repoblar la Tierra.

Análisis técnico

La película hace uso mayoritariamente de planos generales para mostrarnos los diferentes escenarios que componen el filme. Para narrar la historia de nuestros personajes protagonistas Wall•e y Eva, el director hace uso de primeros planos o planos medios para personalizarlos.
Los personajes no tienen voces humanas, sino que utilizan un comportamiento kinésico y sonidos robóticos (diseñados por Ben Burtt), que se asemejan muy bien a las voces humanas.
Los escenarios están ambientados en el espacio exterior y una posible Tierra futura llena de basura. Están bastante logrados y se asemejan muy bien con la realidad, junto con los efectos especiales, sobre todo los diseñados para representar el polvo, la lluvia o la espuma de un extintor.
La fotografía es bastante buena, con un predominante uso de la simulación de la luz natural, junto con el uso de un fuerte contraste en las imágenes referentes al universo, logrando así la sensación de velocidad o del espacio finito.
El guión es muy simple, pero es justo lo que necesita la película, ya que se entiende todo sin necesidad de una narración o diálogo continuo; la propia acción de los personajes y la música que les acompaña nos muestra el argumento de la historia.

Análisis profundo

Uno de los temas principales de los que trata la película es la masiva producción de basura que sufre la Tierra. En ella nos muestra un futuro que poco se aleja de ser una hipótesis posible. En los tiempos que corren, la poca dedicación que se presta al reciclaje y la sobreproducción de artículos no reciclables o de vida limitada, están causando que cada vez se acumule más y más basura, haciendo más difícil su destrucción.
Pero el problema no es sólo de las personas por no estar concienciadas de este hecho, sino de los diferentes gobiernos que prefieren <mirar para otro lado> y no ofrecer las ayudas o prestaciones necesarias a los centros de reciclaje. En la Comunidad de Madrid por ejemplo, la planta de reciclaje es excesivamente pequeña y en ella, los residuos del contenedor amarillo no son tratados como es debido: una vez que la planta se llena, el resto de basura pasa a formar parte de los desechos orgánicos. Además, se desprestigia el trabajo de las personas que día tras día reciclan en sus hogares, porque un mismo camión recoge toda la basura para más tarde, juntarla y ser separada de nuevo por los trabajadores de la planta de reciclaje. Por ello, me cuestiono la siguiente pregunta: ¿reciclo por sentirme bien o porque estoy contribuyendo realmente a la mejora del planeta? La respuesta ya se sabe, y más después de conocer la información anteriormente citada.
Otro tema muy importante es el avance de las tecnologías y el desarrollo de la <Inteligencia artificial>. He encontrado numerosas noticias que hablan de este tipo de inteligencia. Aquí muestro algunas de las más significativas:

- Una de ellas es del día 5 de febrero de 2014, en el País:

"El paciente danés Dennis Aabo Sorensen de 37 años, perdió la mano izquierda hace nueve años en un accidente. Es “la primera persona amputada del mundo que ha podido sentir el tacto de su mano prostética, y en tiempo real”, según los científicos de Lausana. Los médicos del equipo conectaron la mano robótica a los nervios del brazo de Sorensen, que estaban intactos. Es el primer éxito de una iniciativa de las universidades y los hospitales europeos llamada Lifehand 2. Esta mano robótica mide y transforma la tensión de los tendones artificiales en pulsos eléctricos. Dennis Aabo nos lo explica en la noticia: “La retroalimentación sensorial ha sido increíble, puedo sentir cosas que no había sido capaz de sentir durante más de nueve años; cuando sujeto un objeto, puedo sentir si es duro o suave, cuadrado o redondo”. Durante las pruebas con los ojos vendados, Sorensen pudo también saber con cuánta fuerza estaba agarrando los objetos, y regularla según las necesidades. Son tareas rutinarias para una mano humana, pero un sobrecogedor salto tecnológico para un brazo robótico.
Los últimos años han presenciado notables avances en la robótica médica, la disciplina que intenta reemplazar los miembros y órganos perdidos por versiones mecánicas, como pantallas de electrodos implantados en la retina, piernas y brazos mecánicos controlados por la actividad cerebral del paciente y el último grito en ciencias de la computación e inteligencia artificial."

En la película, podemos observar un presagio de lo que esta <Era tecnológica>, que crece a pasos agigantados, podría llegar a ser en el futuro. Hasta el punto en el que los robots sean más humanos que nosotros mismos. No sé si los creadores de la película tenían conocimiento para aquel entonces sobre la creación  de Google, pero las imágenes a modo de holograma que aparecen en la película en los sillones de las personas, ya muestran esa realidad que dentro de poco empezaremos a vivir en las sociedades de todo el mundo.
Otro tema importante al que hace referencia la película es al nacimiento de la vida de la religión cristiana con la historia de “Adán y Eva”. De hecho, nuestra protagonista se llama Eva, ¿casualidad? No lo creo… Los sentimientos que se muestran en el largometraje, la forma de actuar de los personajes, está dotada de unos valores muy cuidados y llevados a cabo por la iglesia. Es curioso, pero la película nos está diciendo que la vida de nuevo en el planeta, sería posible y causada gracias a las máquinas. En este momento ya no sé qué pensar, ¿los robots nos dominarán y destruirán o nos salvarán de nuestra propia decadencia?
Me parece curioso el hecho de que las máquinas se revelen contra ellas mismas. En la película se aprecia la discriminación y exclusión de las máquinas defectuosas, a las que encierran en salas especiales. Esto se puede comparar con nuestros manicomios por un lado, y con los centros de Educación Especial para alumnos con discapacidad, por otro. A raíz de este punto, aquí os dejo el cortometraje de “Cuerdas”, ganador del premio Goya este año.
Me gustaría hacer un pequeño hincapié en la frase que se menciona en la película por parte del piloto: “¡yo no quiero sobrevivir, quiero vivir!”. Y es que, se supone que los seres humanos se van a vivir al espacio exterior para sobrevivir hasta el día en el que sea posible la repoblación del planeta.
 Los individuos se dan cuenta de su situación, de cómo han llegado a estar así por su inagotable búsqueda del <no hacer nada>. Y es que, aunque nos neguemos a reconocerlo, el mundo no lo mueve el dinero, no totalmente, sino que a esto se le suma la idea del ser humano de crear máquinas que sean capaces de hacer nuestro trabajo. Vale, perfecto, y después, ¿para qué hacemos falta nosotros? No podemos concederle a una máquina nuestra responsabilidad; sí que es cierto que hacernos la vida un poco más cómoda no viene mal, pero no sigamos por ese <camino de vagos>…

Posibilidades educativas

Tanto la película de Wall•e como los vídeos que expongo en mi ensayo, nos ofrecen la posibilidad de crear un espacio de debate en clase en el cual los alumnos sean capaces de analizar la película y sacar su propias conclusiones, favoreciéndoles así a crear su propio pensamiento crítico-democrático. Todos los temas que aquí se analizan, pueden ser propuestos en el aula, con la posibilidad de profundizar en ellos o llegar a debates nuevos.
En particular, esta película me parece tan adecuada para el contexto educativo por la cantidad de contenidos, tanto técnicos como de reflexión, que la misma nos ofrece. Además, al ser una película de animación, Walle podría estudiarse y analizarse en cualquier curso de la ESO y Bachillerato, aumentando o disminuyendo el contenido del debate según el curso escolar.
También podríamos señalar que este filme y el corto de “Cuerdas” nos dan la posibilidad de trabajar los temas transversales que aparecen en ellos, como son el tema <para la paz>, <el medio ambiente>, <la identidad> o <las necesidades de los ACNEES (Alumnos con Necesidades Educativas Especiales)>; así como de proponer después actividades para trabajar esos mismos temas.
Además, cabe mencionar las películas de “Blade Runner”, y de Ridly Scott, “El gigante de Hierro”, de Brad Bird.

En un mundo mejor

Por Fernando Cerezo Carrera

Haevnen (En un mundo mejor), película danesa de 2010, escrita por Anders Thomas Jensen y dirigida por Susanne Bier, nos cuenta dos historias que giran alrededor de los problemas de dos niños preadolescentes; principalmente de la relación que tienen con sus padres (en masculino, en este caso), de la educación que intentan inculcarles; y, sobre todo, de cómo contraponen la visión del mundo que les dan sus padres a la que se están formando ellos mismos por su interacción con la realidad cotidiana.
Aunque esta película trata el tema de la justificación de la violencia, de cómo responder ante ella, sería interesante verlo desde el punto de vista de la implicación de familia y escuela en la educación “cívica” de los niños.
¿Deberíamos como educadores intervenir en los comportamientos antisociales de nuestros alumnos? ¿Se debe respetar la mala educación que puedan recibir en casa por el hecho de ser una prerrogativa de las familias la elección del tipo de educación moral (o religiosa) que dan a sus hijos? Si fuera así, deberíamos empezar también a plantearnos si teorías como la del creacionismo no deberían incluirse en el currículum para que los padres pudieran elegir si la prefieren a la teoría de la evolución de acuerdo con las creencias que tiene la familia.
Volviendo a la película, Claus, padre de Christian -cuya madre a muerto recientemente y que se ha visto obligado a trasladarse desde Londres a Dinamarca, a un nuevo colegio-, trata de razonar con su hijo sobre la inutilidad de resolver los conflictos mediante la violencia; pero Christian, que ha tenido un enfrentamiento con otro alumno, le responde que, en la vida real solo puedes responder con más violencia para poder sobrevivir.
Al mismo tiempo, Elias, hijo de Anton, un médico que suele trabajar en los campos de refugiados de Sudán, sufre de acoso en la escuela por los mismos chicos con los que se ha enfrentado Christian. Este le defiende y se hacen amigos.
Más tarde, Anton está con sus hijos y con Christian en un parque infantil cuando su hijo pequeño se pelea con otro niño y él les separa e intenta explicarles que no deben pelearse. Pero el padre del otro niño, un mecánico llamado Lars, agrede a Anton por haber tocado a su hijo.
Anton pretende mostrarles cómo la violencia solo hace más débiles a quienes la ejercen y lleva a los niños al taller en el que trabaja Lars. Este vuelve a abofetear a Anton, que no se defiende y se justifica con la torpeza que demuestra la actitud violenta de Lars.
Al final de la historia, Anton se encuentra en una situación en la que debe decidir si atiende a un sádico “señor de la guerra” en el hospital de campaña en el que trabaja en el campo de refugiados en Sudán y, la actitud de regocijo y orgullo por su comportamiento violento –similar a la de Lars en la civilizada Dinamarca- le llevan a responder también con violencia, dejando al criminal herido a merced de sus víctimas.
La sociedad influye en la percepción que tienen los niños de las reglas que deben regir su comportamiento, independientemente de los deseos de las familias. Pero, a la vez, la violencia como herramienta cotidiana en muchos entornos familiares, configuran el uso de la fuerza en las sociedades. En estos casos, creo que deberíamos hacer uso del “adoctrinamiento positivo”, igual que nos hemos puesto de acuerdo en la necesidad de la “discriminación positiva”.
Aquí os dejo el enlace a la escena que hemos comentado en la que Lars golpea a Anton en el taller en presencia de los niños.

jueves, 20 de febrero de 2014

“Vivir” Zang Yimou (1994)

Por Elena Fernández 

Esta película contiene los elementos imprescindibles para ser útil y eficiente como elemento de educación transversal ya que mantiene la tensión del espectador mientras le ofrece una cascada de goce intelectual, estético y emocional. Está bien construida, es técnicamente excelente, entretiene, emociona y aporta múltiples conocimientos.
Para entender el ritmo de la película lo primero hay que contextualizarla dentro del cine oriental. Por una parte las escenas se deleitan en lo que sucede, no se limitan a narrar una acción pero por otra parte se suceden numerosos núcleos de tensión y de catarsis. Podríamos decir que la tranquilidad dura poco, que si bien el ritmo de las escenas para la costumbre occidental es lento, el director es capaz de mantener alerta nuestro animal interno.  También la estructuración temporal clásica, con una narración ordenada en  la línea del tiempo y  haciendo gala de unos sencillos indicadores para los saltos temporales “años 40” “años 60” “unos años más tarde” le confieren una sencillez y claridad imprescindibles en una narración tan densa y llena de acontecimientos. En los momentos de clímax hace uso de un montaje más intenso donde se producen numerosas elipsis en las que el sonido e imagen se enfocan en  unas marionetas, en el fuego o en el agua, con primeros planos. El equilibrio del que hablábamos antes es una combinación de hechos con un gran dramatismo y cargados de contenido emocional seguidos de  márgenes de reflexión y asimilación concedidos con oportunismo al espectador.
 Si bien, para alumnos de Educación Secundaria acostumbrados a cine de acción podría resultarles lejana o aburrida, con un ritmo demasiado lento, considero que la película se sitúa en unos márgenes en los cuáles se da lugar a la adaptación de su costumbre perceptiva. Este mismo aspecto del ritmo, con las pausas para la reflexión, fuerza el hecho de que sea muy difícil percibir esta obra como un simple entretenimiento.
El Argumento es sencillo y la historia compleja. Pareciera que el argumento viene a decir conjugándose con el título que lo importante es vivir y que ello se compone de los elementos más sencillos.  La reflexión que propone la película no es a mi ver una reflexión centrada en la crítica al universo comunista como he podido leer en muchas críticas. ¿Qué reflexión propone la película? Una reflexión más centrada en aspectos generales del ser humano como cuál es nuestra capacidad de adaptación, qué necesitamos para ser felices o cómo entendemos lo que sucede a nuestro alrededor. Es decir, como afecta la superestructura a nuestra estructura familiar e individual. Si nos fijamos se critican algunos aspectos fundamentales del régimen comunista pero también se critican del régimen anterior. Se ensalzan así mismo algunos aspectos del régimen comunista y sin embargo del régimen antiguo no se ensalza ninguno.
 La historia trata de un núcleo familiar (aunque hay una parte de narración de guerra en la que el personaje protagonista se desenvuelve solo) y de cómo este núcleo familiar  atraviesa distintos problemas a lo largo de unos años de cambios políticos, sociales y económicos en la China de los años cuarenta, sesenta y setenta.
Tanto el argumento como la historia narrada me parecen interesantes para una clase de Educación Secundaria, si bien me inclino más hacia los últimos cursos de la etapa obligatoria o para los cursos de secundaria obligatoria. Se podría caer en el adoctrinamiento y reforzar comportamientos comunista-fóbicos no muy útiles para la docencia si se repite la lectura que dieron de ella los medios de comunicación occidentales, pero se puede evitar enfatizando algunos aspectos de la mirada del director sobre el régimen antiguo y el comunista en contraposición como ya hemos comentado. Propicia el debate acerca de los aspectos fundamentales del ser humano y tiene una visión que sólo refuerza comportamientos positivos y de integración social como es la supremacía de la vida frente a cualquier obstáculo y la gran capacidad de adaptación del ser humano a entornos complejos.
La fotografía es sensacional, técnicamente muy buena. Expresivamente también. Juega con las diagonales, con el movimiento en direcciones diagonales. En pocas ocasiones centra la imagen y siempre con una intencionalidad clara. Juega a los tres cuartos y a situar el peso de la imagen en la derecha. En multitud de ocasiones la imagen principal  se ve desenfocada por un movimiento en primer plano o porque entre la cámara y el personaje se percibe humo. Todo en la película de Yimou tiene un por qué, por lo tanto la fotografía también juega a enfatizar esa síntesis iconográfica. Las sombras son una pieza fundamental de la obra, desde la propia historia que se sirve del teatro de sombras chinescas como elemento narrativo, hasta la escena en la que su amigo llama a la puerta y sabemos que el protagonista está poniéndose el abrigo y a punto de salir a través de su sombra. En esta escena la luz de la casa nos expresa la esperanza que el matrimonio le aporta a una persona al borde del suicidio. En numerosos planos generales de la calle principal del barrio en el que viven, vemos a los personajes pasar debajo de zonas de luz y zonas de sombra consecutivamente. En general la fotografía es muy simbólica, los elementos básicos tienen un gran peso como el fuego, el agua y la sangre. En las numerosas elipsis de esta obra estos elementos nos narran lo que no vemos. También tienen un gran contenido los colores, el rojo es uno de los principales a través entre otras cosas de la imaginería comunista, el amarillo y los tonos marrones son los más abundantes y el azul brilla por su ausencia en la imagen del film si bien aparece en los títulos.
Por lo tanto de cara a un disfrute activo de la obra desde un punto de vista de análisis estético ésta ofrece grandes posibilidades. Se puede explicar teoría de colores, de composición, de iluminación y claroscuros, de enfoque…
El guión es escueto, los diálogos en la película responden a la economía de medios. No hablan más que lo estrictamente necesario, esto ayuda también a que el ritmo sea fluido. Todo lo que dicen es importante y las palabras con las que lo dicen las justas y concretas. Se puede comentar este hecho tan importante como es que en cine, en literatura y en arte todo lo que aparezca tenga un sentido y nunca haya nada que sobre.
Para la interpretación de los actores el director se ha apoyado en su musa Gong Li, la única crítica que se podría hacer es su excesiva belleza que llama en exceso la atención del espectador, desviándola del argumento.  Si bien se entiende dentro de esa búsqueda genérica de la belleza que caracteriza esta obra. En todo momento los personajes resultan verosímiles, pese a la dificultad de la caracterización en edades tan distintas. Podemos ver su desarrollo, especialmente el del protagonista, cuyo personaje dista de resultar insolente y despreciable al espectador a producir empatía y afinidad emocional.
Por tanto considero que se puede considerar una película de calidad elevada, se puede utilizar para favorecer el equilibrio social y como formación de temas transversales. Además gracias a las elipsis es capaz de retratar escenas de violencia sin tener un contenido explícito que la convierta en no apta para adolescentes. Si bien tal vez su crudeza sea uno de los puntos que pueden resultar complicados para su visionado en el aula. Las escenas de sexo brillan por su ausencia lo cual también es importante en este tipo de círculos.
 Es interesante como retrata los estados anímicos del ser humano, como detalle curioso me ha llamado la atención que en todos los momentos de mayor tensión los protagonistas son agarrados por multitudes de personas que evitan que contienen la furia de éstos. La cultura oriental que continúa siendo una gran desconocida para los estudiantes resulta accesible, aunque no siempre la descodifiquemos adecuadamente, desde esta historia que empatiza con el espectador. Se puede aprender desde un punto de vista artístico fotografía, composición, procedimiento, teoría del color… y abordando los temas transversales se puede aprender cultura china, historia, filosofía, literatura, psicología, sociología… y más concretamente se puede analizar cómo funcionan los individuos ante la presión del grupo, qué utilidad tenían los matrimonios concertados, cómo se entiende la diversidad funcional, cuál es el papel de la mujer en la China de aquel momento, simbología del antiguo régimen y del régimen comunista…

FRANKENSTEIN DE MARY SHELLEY

Por Paula Isabel Warren Alonso

La frase del comienzo de la película, palabras de la autora de la novela, nos avanza el interés último de la película, un viaje a la naturaleza del ser humano y sus temores más profundos. La película nos sitúa en un momento de cambio revolucionario, en pleno amanecer del siglo XIX. Los  avances científicos y  una convulsa agitación política y social cambian la vida de todos en una época en la que el deseo de conocimiento nunca antes había sido mayor.
El protagonista es Víctor Frankenstein, un joven de Ginebra que pertenece a una familia aristocrática. Sus padres adoptan a una niña huérfana, Elisabeth, de la que se enamorará profundamente con el paso del tiempo. Decide viajar a Ingolstadt para estudiar medicina en la universidad. Antes de marcharse jura su amor por Elisabeth y promete casarse con ella a su vuelta.
Con el deseo de profundizar en los misterios de la vida humana, Frankenstein se convierte en un obstinado alumno que realiza incómodas preguntas a sus profesores sobre temas delicados en relación con la vida y la muerte, que eran motivo de superstición en la época. Obsesionado con el fallecimiento de su madre, trata de dar con la clave sobre el momento exacto en el que acaba la vida y comienza la muerte. Tras conocer a un profesor que también hizo grandes avances en ese campo, Frankenstein da con la clave. El uso de la electricidad, junto a fuentes auxiliares necesarias (calor, nutrientes) y la materia prima adecuada (trozos de cuerpos humanos), dan vida a su ser. Lejos de ser una versión mejorada del hombre, la criatura resultante es lastimosa y abominable. En un descuido , Víctor cree fallecida a la criatura y regresa aliviado a Ginebra. Sin embargo, no ha muerto y se  esconde en un cobertizo anexo al hogar de una familia de campesinos. Allí aprende a leer y observa el cariño que se profesan los miembros de la familia. Cuando descubren su existencia huyen del hogar y la criatura se siente abandonada de nuevo. Tras dar con el paradero de su creador,   no encuentra consuelo a su soledad y fealdad ,e inicia una serie de crímenes que afectan directamente a la familia de Victor Frankenstein. También le amenaza, expresándole su deseo de vivir en compañía de un monstruo como él.
Es entonces cuando Víctor confiesa a Elisabeth que está aterrorizado. A condición de que le cuente la verdad, ella accede a casarse con él. Pero en un descuido de los guardias y del propio Victor, la criatura encuentra a Elisabeth y le arranca el corazón. Su amante sólo piensa en recuperarla de inmediato e inicia el mismo grotesco proceso con el que consiguió dar vida la primera vez.  Así es como una monstruosa Elisabeth cobra vida, pero se suicida al recordar quién era pero no reconocer su nueva existencia. Frankenstein no descansará hasta dar con la criatura original y destruirla. La película, de estructura circular, acaba con la escena del comienzo. Un exhausto doctor Frankenstein fallece tras contar la historia al capitán de un barco que está de expedición en el Polo Norte. El capitán sólo cree en ella al final cuando ve con sus propios ojos a este ser, que pone fin a su vida quemándose junto al cadáver de su “padre”. Tras unos segundos de vacilación, el capitán da la orden de volver  a casa y anular la expedición.
He de admitir que cuando vi esta película por primera vez, con dieciséis años, me enganchó lo suficiente como para pensar en ella por segunda vez e interesarme por las posibilidades educativas de este gran clásico de la literatura adaptado al cine. Por ello, lejos de presentar esta película a los alumnos como un ejemplo del llamado “cine de calidad” del que hemos hablado este curso es un largometraje más cercano al mero entretenimiento. Los excesos cinematográficos (el maquillaje, los escenarios, la iluminación, el movimiento de cámara...) nos permiten ver con claridad determinados  recursos técnicos. Ofrece además un excelente acercamiento a temas trasversales y preocupaciones que mucho tienen que ver con la sociedad de entonces y la de nuestra actualidad. De la misma forma, se anima a la lectura con la presentación de la película y con actividades como la lectura en el aula de fragmentos del original, que animen una investigación de la figura icónica de Frankenstein.
El ritmo de la película está muy descontrolado; es producto de un consciente ejercicio de construcción musical y movimientos de cámara que aceleran la narración y fuerzan al guión a reducirse a  frases que intercambian con rapidez los personajes. Esto produce un distanciamiento de los diálogos de la novela y  del lenguaje propio del siglo XVIII. Nos deja con la sensación de necesitar una mayor profundidad de conversación. Por tanto, el guión es una floja adaptación de la novela. Esta descompensación se encuentra también en el tiempo dedicado al desarrollo de las escenas. Excesivamente descriptivo en algunos casos y escaso en otros (se dedican demasiados y prolongados  giros de cámara para la presentación del laboratorio, de unos seis minutos de duración, frente a la primera conversación con la criatura de apenas dos minutos). Hay una cierta confusión espacio-temporal, como vemos con respecto al tiempo que la criatura tarda en aprende a leer. Los constantes momentos acelerados , en los que el movimiento de la cámara es incesante e irregular, se intercalan con otros más pausados y controlados, casi a modo de planos fijos, en los que se nos presentan algunas escenas. Un ejemplo de ello sería la escena del barco perdido en la neblina del Polo Norte ,cuando la mano de la criatura ensangrentada aparece aproximándonos a una representación teatral.
Son muy exageradas las interpretaciones de los personajes principales. Robert De Niro mantiene una actitud demasiado intimidatoria, alejándose del tipo de monstruo atormentado. Kenneth Branagh, por otro lado, mantiene una expresión muy parecida en toda la película. Pasa de un gran abatimiento a la mayor decisión. En la novela el personaje tarda en superar sus estados anímicos.
Sin embargo, el argumento de la película supone un buen reflejo de la época. Describe adecuadamente a los dos países protestantes europeos donde tiene lugar la trama, Suiza y Alemania, recogiendo las particularidades del momento.  La superstición sobre la peste, la reacción de las turbas enfurecidas que se lanzaban a  ejecutar a la gente que creían culpable sin miramientos, la discriminación  por miedo a lo extraño... Es una época de fuertes contrastes. Es cierto que había fuertes avances científicos pero también persistían dejes de la antigüedad. Aunque en los próximos doscientos años se acabarían por dejar atrás todos los miedos y terrores anteriores, en el salto definitivo a la modernidad.
Se considera una novela gótica, pero la película puede ser más romántica. Kenneth Branagh se vuelca de lleno en una representación teatral en la que se siente cómodo. Vemos reminiscencias  del cine y del teatro más antiguo en el que se mezclaban características de ambos, y nos recuerda en su ambientación incluso al Frankenstein del año 1931, salvando las diferencias. Esta aproximación al teatro más clásico nos sirve como posible introducción en la clase de elementos del mismo. Un ejemplo de ello es  la escalera por la que baja el padre después de intentar salvar a la madre. En este sentido, la fotografía también se aferra a pautas tradicionales, sin arriesgarse demasiado y manteniendo la coherencia de iluminación en todo momento
El uso del color es adecuado y coherente.  En la mayor parte de la película rigen las paletas de marrones, tonos cálidos, grises y negro. El comienzo de la película se sirve de tonos más fríos y claros. Hay un buen uso del maquillaje, el cuál es de nuevo demasiado exagerado, dando un aspecto grotesco a los dos monstruos, aunque de alguna es forma es coherente con la teatralidad propuesta. Otros elementos de esta son el barco en la niebla, similar a una maqueta, y la escenografía del laboratorio.
Hay una mala planificación de la economía de medios, puesto que la película abusa de efectos quizá innecesarios o que no logrando que se pretende con ellos. Se realizan grandes gastos en el montaje de las escenografías interiores y falta una mayor descripción del entorno exterior.

Planteamientos educativos transversales

El Síndrome de Frankenstein ,surgido en los años setenta, expresa la idea de que no somos capaces de soportar el parecido de lo que creamos con la propia obra de la naturaleza, por lo que acabaríamos destruyéndolo. Se puede despertar un debate sobre la tecnología y la inteligencia artificial, o robótica. Aunque los aspectos tecnológicos determinan que si esto pudiera ocurrir, nos sentiríamos incómodos con nuestra propia creación, con la idea de androides tipo “Blade Runner” , (Ridley Scott, 1982) , que serían inviables. La historia de Victor Frankenstein nos presenta la frustración que se produce cuando el hombre se enfrenta a la naturaleza, en un intento de imitarla y sólo conseguimos una vulgar copia. El salto de la robótica a la genética puede producirse en un intento de ir más allá. No hemos producido increíbles robots, no son ni copias de la naturaleza, por lo que tratamos de imitar a ésta de otras formas.
Entre los numerosos temas que podemos tratar con este clásico está la búsqueda de los límites del ser humano. El planteamiento no es hasta dónde podemos llegar, sino hasta dónde debemos. El capitán del barco que quiere abrirse paso como sea en el hielo , haciendo peligrar la vida de su tripulación. El propio Frankenstein en la búsqueda de la continuación de la vida y de transgredir los límites de la naturaleza. Realmente ambos personajes buscan su propia inmortalidad, uno en relación con lo físico y otro a nivel histórico. Nunca hemos buscado como ahora nuestros propios límites. La ingeniería genética, las investigaciones con células madres, la clonación, etc. Hasta el s.XIX las respuestas se buscaban en Dios, pero desde entonces y hasta ahora la búsqueda se hace a través de la ciencia. La culpa sería otro tema importante. Su carga es una constante en la película.  Está relacionada con la vulneración de las leyes naturales, de los límites, y finalmente recae en el protagonista.
Nos valemos de una película exagerada como primer acercamiento a estos temas que no siempre son fáciles de percibir y  desarrollaremos otros muchos que faciliten la comprensión del marco histórico al que se refieren, el Romanticismo. La importancia del amor, el hombre en contra de los elementos, superando condiciones adversas ( el barco en la tormenta, el hombre atravesando la nieve, la lluvia...). Miedos compartidos igualmente en la actualidad, en películas sobre catástrofes mundiales. La venganza se presenta aquí como sentimiento despertado después de que el espíritu es corrompido por las circunstancias. Los constantes abandonos de la criatura, la expulsión de la ciudad, el rechazo definitivo del niño... Él no quería vengarse pero se siente arrastrado a ello. El hombre falla al enfrentarse a la adversidad. Persigue sus ideales románticos y aún así fracasa. Pareciera que la reflexión final que nos propone Mary Shelley fuera más bien una advertencia sobre la búsqueda romántica, a favor  la aceptación de la realidad.
Toda la ciencia, desde la biología hasta la informática, se mueve impulsada por un sentimiento romántico de desafiarnos a nosotros mismos. La esperanza , propia del ser humano es la  creencia en un mundo mejor, que nos permite ir más allá del realismo puro. De lo contrario, nadie se aventuraría a hacer nada o a comenzar ninguna exploración. Tenemos la creencia de que somos más realistas, pero en realidad nos mueve la imaginación.

“En la investigación científica es más importante la imaginación que el conocimiento”.
Albert Einstein.

lunes, 17 de febrero de 2014

Cine y Educación. Una propuesta

Por Mónica M. Puente

Al ponerme a indagar sobre el tema me he topado con algunas webs, pero como no sólo no me han satisfecho sus planteamientos, sino que estoy un tanto en contra con algunos de ellos, he creado otros. Sirven porque tienen clasificaciones y una gran base de datos.
Haremos una reflexión y recopilación sobre películas que podrían utilizarse con fines educativos para el alumno y películas con aportes a los profesores. Resaltando sus posibilidades y dando algunos ejemplos sobre esto.

Cine con fines educativos.

El cine con fines educativos para los alumnos.

Tomando como punto de partida el profesor como mediador, seleccionaremos algunas películas que puedan contribuir a desarrollar las capacidades y aptitudes de los alumnos, capacidades de conocimiento de la técnica y sus intenciones, sin interés de reeducar al alumno o de adoctrinarle. Cogeremos ejemplos de cine reciente y cine más histórico.
En este tipo de actividades es muy importante el tratamiento que el profesor dé a la película. No es lo mismo poner una película en el aula y dejar a los alumnos que la vean, para pasar el rato; que poner fragmentos de una película, ir parando, explicando, comentando, preguntando y haciéndoles contribuir al análisis y descomposición de esta para comprender cómo funciona. El profesor debe contar con una formación técnica sobre tipos de planos, composición, fotografía, en definitiva sobre el lenguaje del cine.
Algunos criterios importantes serían no sólo contenido sino películas fáciles de ver que puedan despertar el interés de quién la vea por un cine no comercial. Cortas, con ritmo, con gracia o humor, que enganchen desde el primer momento y no sean muy lentas. Si divierten y no son una completa banalidad, ya se ha cumplido parte del objetivo.
Otro punto importante a tener en cuenta es el curso, la edad de los alumnos, y sus conocimientos previos sobre cine. Es importante hacer un pequeño cuestionario inicial para saber desde dónde tiene que partir el profesor. Así, éste escogerá unas películas u otras adecuándose al nivel y a los conocimientos previos.

Ejemplos

Documentales

“Searching for Sugar Man” Año 2012. Malik Bendjelloul. Documental sobre el músico Sixto Rodríguez. Además de la música y lo que de histórico se puede aprender con el documental, tiene un planteamiento y un relato fácil de seguir, bien estructurado, es interesante la combinación de escenas para narrar con diferentes discursos en uno solo.
“Baraka” Año 1992. John Fricke. Documental de gran interés, con imágenes impresionantes, no sólo aspectos técnicos, más sociológicos, para reflexionar. (componentes transversales¿?)

Cine actual

“A propósito de Llewyn Davis” Año 2013. Cohen Brothers. El argumento no es de gran interés, aunque depende de quien la vea, quizá si la ve un chico de 30 años de ahora pueda deprimirse un poco al sentirse identificado de algún modo con el personaje. El ritmo es más fluido en unos momentos que en otro, pero la fotografía es brillante y la música también. Las tomas, los colores, todo está realmente pensado, medido, estructurado. El clima general se adapta al argumento.

Cine clásico

“Ocho y medio” Año 1963. F. Fellini. Y no puede faltar una película de este gran maestro del cine, que muchos directores han tomado como referencia. Aunque hay que tener cuidado con algunas de sus escenas, las tomas, fotografía, etc, son de un intelectual del cine.
“La noche americana” Año 1972. Truffaut. Exceptuando alguna escena que habrá que cuidar poner en el aula. Es una de las películas más indicadas y en las que más claro se ve cómo funciona el cine. Es una película en la que se rueda una película, y aparecen los pasos necesarios para un rodaje, el director, los actores, cámaras, se puede ver un poco desde fuera cómo funciona.
“Las aventuras de jeremías Johnson” Año 1972. Sydney Pollack. Es una película difícil para poner en el aula porque puede resultar aburrida, pero tiene buena fotografía.
“El temible burlón” Una película inglesa del año 1952. Robert Soidmak. Se pueden analizar diversos puntos importantes del cine desde sus orígenes, ya que se ven claramente los escenarios, muy teatrales, la preparación de los personajes que eran auténticos circenses haciendo sus acrobacias ante la cámara sin dobles, con un toque de gracia ya que hay una gran diferencia entre ese cine y el de ahora, tanto los medios como los argumentos, la manera de hablar, lo cual puede hacer reflexionar también sobre cómo el cine se adapta a la época y a sus espectadores.
“Moby Dick” Año 1956. John Houston. Es otra película en el ámbito de la anterior, que además puede aportar componentes literarios ya que está basada en la novela del escritor Herman Melville.
“Tiempos Modernos” Año 1936. Chaplin. Tema y cómo lo trata, no sólo el juego técnico.
“Doce hombres sin piedad” 1957, Sidney Lumeck y “La solución final” 2001, Frank Pierson. Películas que requieren algo más de madurez, por los temas y cómo son tratados pueden resultar incomprensibles.

Cine para profesores.
Cine que puede servir a los profesores. Habla de profesores y aun pudiendo resultar un poco aburrido, también pueden hacer aportes. Nos centraremos no tanto por su enfoque técnico como por el argumento. Aunque esto es algo bastante personal.

Ejemplos:
“La clase” Año 2008. Laurent Cantent. Conflicto al que se enfrenta un profesor cuyos métodos no son entendidos.
“Ser y tener” Año 2002. N.Philibert. Documental sobre la labor de un profesor en el ámbito rural.
“El pequeño salvaje” Año 1970. Truffaut. Es una película documental basada en hechos reales, habla Víctor de Aveyron, un niño encontrado en los bosques de Francia, y su reeducación. Interesante.
“Los chicos del coro” Año 2004. C. Barratier.
“La lengua de las mariposas” Año 1999. José Luis Cuerda.
“Hoy empieza todo” Año 1999. Tavernier.
“Los 400 golpes” Año 1959. Truffaut.

Webs

http://www.uhu.es/cine.educacion/
http://www.profesorfrancisco.es/2009/11/lista-con-las-mejores-peliculas.html
http://portal.educ.ar/debates/sociedad/cultura-digital/las-100-mejores-peliculas-sobr.php


jueves, 13 de febrero de 2014

El vientre de un arquitecto

Por Zaida Sánchez

Director: Peter Greenaway
Egocéntrico, narcisista, obsesivo, acusado de ser un hombre egoísta y de mostrar principios de locura, Stourley Kracklite sólo puede considerarse a sí mismo como el centro del mundo que lo rodea. Es el centro a lo que se alude durante toda la película, mediante el círculo y la arquitectura del Panteón y  la obra del arquitecto Étienne-Louis Boullée, un visionario arquitecto francés, cuyo trabajo fue muy influyente en arquitectos contemporáneos, como en el caso del protagonista, obsesionado con su obra y con la exposición que dirigirá en su honor.
Pero al centro también se hace referencia a través de la figura humana, a través de planos que muestran esculturas clásicas exclusivamente masculinas, y más en concreto de sus vientres, empleándolos incluso como una forma de medida. Porque aquí el vientre es el verdadero protagonista, que actúa como centro, como el lugar donde se gesta tanto la vida como la muerte, y ambas se entremezclan, desde la concepción hasta que un infarto o un suicidio ponen el punto final. ¿Es la forma de morir una manera de recompensar o de castigar la manera en que se ha vivido? Cuando Stourley Kracklite entra en Roma, en realidad lo estará haciendo hacia su propio cementerio. Paradójicamente, el momento que él prevé como el más dulce acabará siendo su final, y el inicio de la vida de su hijo. Este hijo, es otro centro, pero en otro vientre, en el de su mujer Louise, una persona totalmente ajena al mundo del arte a pesar de estar dentro de él. A quien los intereses de su marido le son tan indiferentes como a él los de ella.
Viendo como su mujer se marcha con otro arquitecto más joven, obsesionándose con la idea de ser envenenado, y mientras organiza la exposición, sus dolores de estómago van en aumento. Y lo que en principio parece una dispepsia causada por comer en exceso, derivará en una enfermedad más grave. Quizá tan mala como la hibris, esa desmesura y falta de control sobre las propias pasiones, a la vez consecuencia de un carácter irracional y desequilibrado asociado tantas veces a la personalidad del artista, que se tiene a sí mismo como centro del mundo que le rodea, pero siempre desde su perspectiva, puede que incluso inocente, de niño.
Hay que destacar la presentación de los personajes al inicio, que se muestran como actores en un teatro aplaudiendo al Panteón. Durante toda la película se hace referencia a las diferentes posibilidades expresivas del arte, desde la fotografía, escultura, arquitectura, dibujo y pintura. El propio Stourley Kracklite realiza bocetos de su estómago para representar su dolor ante el médico, y alude a la muerte de Marat, de Jacques-Louis David, en una escena en la que según él intenta suicidarse.
Por otro lado, el uso del color en la vestimenta carga de simbolismo a los personajes, Stourley Kracklite siempre viste con traje blanco. En una de las primeras escenas puede verse una contraposición entre él y su mujer, o entre el cielo y el infierno. Mientras uno de los dibujos de Étienne-Louis Boullée, a Stourley Kracklite le recuerda al cielo, a su interlocutor al infierno e inmediatamente puede verse a su mujer vestida de rojo andando con su futuro amante en la parte inferior del edificio, mientras su marido se encuentra en la parte superior.
Desde el punto de vista artístico y estético, la película es de gran interés tanto por el homenaje que ofrece a los edificios y esculturas de Roma, la reflexión sobre la figura del artista y los estereotipos creados en torno a él, como sobre todo lo que rodea el mundo del arte, las exposiciones y una vez más el dinero, que de forma indirecta, también llega a ser otro centro más.


Aplicaciones educativas

Una de las aplicaciones educativas que podría tener es el análisis de la propia película tanto por todos los recursos estéticos que emplea, como por el modo en que está realizada, qué planos predominan, composición, simetría, cómo se emplea la luz, cómo la película alude a obras pictóricas incluso sobre perspectiva, se podría analizar el uso del color, qué colores que predominan (blanco, rojo, ocres) y su simbología.
También se trata el clasicismo, lo que daría lugar a comentar los distintos movimientos artísticos y sus influencias entre ellos.
La película también muestra desde arquitectura funeraria a la conmemorativa, e incluso desde un punto de vista político como algunos edificios fueron apropiados por el fascismo, por lo que se puede tratar también algún tema transversal, como la educación del consumidor, la educación para la paz y la cívica y moral. También es posible hacer una reflexión sobre los emperadores romanos y su forma de gobierno, cómo ha repercutido también en nuestro sistema actual, y cómo en muchas ocasiones el arte ha estado al servicio del poder y ha sido empleado como forma de propaganda de ideologías. Por otro lado, y profundizando más en la educación del consumidor, se podría tratar el empleo del dinero en el arte, y la mercantilización del mismo.

domingo, 9 de febrero de 2014

El Gran Lebowski. El arte y la concepción del artista en la película de Joel y Ethan Coen.

Por Juan Manuel Campos

La película de los hermanos Coen está basada en el personaje Dude, en español Nota, un vago hasta sus últimas consecuencias sin oficio ni beneficio cuya única preocupación es beber Rusos Blancos, fumar marihuana y jugar a los bolos con sus inseparables colegas. Por compartir nombre con un importante millonario se ve involucrado en un caso de secuestro de la mujer del rico e innumerables situaciones dantescas rozando el surrealismo. Para ir resolviéndolas cuenta con el apoyo de Walter, un excombatiente del Vietnam obsesionado con ello y bastante desafortunado. El otro compañero inseparable de bolera es Donny, un frágil y tímido personaje.
En la película aparece la figura de Maude Lebowski, hija del millonario Lebowski y artista. Es un personaje basado en la artista Carolee Schneemann, una artista feminista de los 80 importante  del arte de género de principios de los 70. Maude es un personaje fielmente extraído de la artista norteamericana. Es habitual en los hermanos Coen la creación de personajes que se inspiran en gente real. 
En la secuencia en la que el Nota entra en su estudio, presencia una copia casi exacta de la performance de Carolee Schneemann Up to and including her Limits,  del año 1973. El discurso de Maude es el statement de la propia artista. 
La siguiente secuencia en la que aparece la artista se desarrolla en su estudio. Aquí además los Coen introducen un nuevo personaje, la figura del amigo videoartista de Maude. Los hermanos nos presentan a Knox Harrison, el videoartista,  con apariencia “casual”, leyendo una revista que podría ser de moda o arte y sin hacer otra cosa que reirse. Tiene aires de superioridad de estar por encima del mundo real en algún tipo de esfera superior. Los directores establecen una diferenciación del modelo de artista más setentero, al que pertenece Maude, y más moderno, el amigo videoartista.


Se puede ver la confrontación  del aire desastroso y la actitud pasota del Nota frente al videoartista, pulcramente vestido contrastando con las vestimentas del protagonista. Resalta así el estatus de ambos, frente a frente. El mundo prosaico frente al artista, tanto en el espacio, como en los ademanes de cada uno. El artista le espera sentado con cierto aire de superioridad y cierto misterio.
En esta secuencia podemos ver la ambientación que le dan los Coen al estudio de Maude Lebowski. El paralelismo entre lo vulgar del Nota y el misticismo de Maude y del videoartista que desespera con su actitud al Nota.  Maude hace su entrada en escena con objetos que parecen haber sido encontrados. La presencia de los maniquíes femeninos con diversos elementos y uno aparece con referencias a la sangre con objetos clavados.
La iluminación es interior, bien regulada, una fotografía cuidada tanto en su encuadre como en composición cromática. Quizás la levedad de la iluminación pretende conservar esa atmósfera de delicada sensibilidad, aparentemente asociada al mundo del creativo que los Coen acompañan de una música de fondo que enfatiza aún más ese carácter místico.


El espacio tiene más importancia que el mundo interior de los personajes, lo que podemos deducir que es todo fachada, y la autenticidad recae en el personaje del Nota.
En cuanto al color predominan los colores neutros a lo largo de la secuencia, aunque cabe destacar el color rojo de los cuadros pudiendo hacer referencia al tema de la sangre con el que la artista trabaja. El rojo aparece también en el mismo pelo de Maude que tiende a rojizo.
Toda la secuencia sigue el discurso narrativo de la película con personajes variopintos y siguiendo el carácter surrealista de la película, que a su vez hace fieles retratos de los personajes arquetipo, fácilmente identificables en el mundo “real” y que se podían encontrar en la sociedad norteamericana de la época.

Cinema Paradiso

Por Juan Manuel Campos Guisado

Dirección: Giuseppe Tornatore
Producción: Franco Cristaldi y Giovanna Romagnoli
Guión: Giuseppe Tornatore
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Blasco Giurato
Reparto: Philippe Noiret, Salvatore Cascio, Marco Leonardi, Antonella Attili, Jacques Perrin, Agnese Nano, Brigitte Fosey.


La vida de Salvatore, director de cine italiano, queda reflejada en esta película. A través del flashback  comienza a narrar la historia de vida de Salvatore, un niño pobre de la pequeña ciudad de Sicilia de Giacaldo, cuyo padre muere en la Segunda Guerra Mundial, y al que le apasiona el cine. Le encantaba meterse dentro de la cabina del operario, Alfredo,  que será maestro en muchos sentidos para el pequeño Totó Salvatore. Éste, ya mayor, vuelve a su pueblo natal tras 30 años en Roma para asistir al funeral de Alfredo.
El ritmo narrativo es bueno, aunque a veces parece lento el director introduce algún elemento que hace que no dejes de seguir la película.
Cinema Paradiso rinde homenaje al cine y a su evolución a lo largo de la historia.
Se sitúa en el marco de finales de la segunda guerra mundial en los años 50, en la pequeña ciudad de Giacaldo (Sicilia), donde la población, en su mayoría analfabeta, pasaba bastantes penurias por la carencia económica, incrementándose las diferencias entre clases sociales. En la película vemos como la clase alta tiene sus asientos en el palco del cine Paradiso, desde los que escupen y tiran colillas a la clase baja. Queda patente en la película esta diferenciación de clases sociales. También está presente la censura por parte de la Iglesia cuando vemos al cura visionando las películas que se van a proyectar y cortando las escenas que le parecían impropias.
Refleja también cómo era la educación de la época, tanto formal como no formal. El castigo físico imperaba en ambas, destacando el papel fundamental de la Iglesia en la educación.
Es durante la película cuando Tornatore va introduciendo los cambios que se produjeron en la sociedad y en el cine desde los años 50 hasta los 70. Vemos como la diferencia de clases se reduce, así como la censura por parte de la Iglesia.


Cuenta con un guión muy cuidado, retratando fielmente a cada uno de los personajes que aparecen en la película.
Tornatore trata de representar la sociedad de posguerra italiana mostrando cómo era y plasmando la historia de amor por el cine de Salvatore.
Es el propio Cinema Paradiso y las proyecciones de sus películas, el medio por el que nos cuenta la evolución de la sociedad y del propio cine, ya que se inscribe dentro del cine de la época. También vemos los cambios que se produjeron a través de los personajes que asisten a la sala del Cinema Paradiso.
La fotografía de la película, a cargo de Blasco Giurato, es bastante buena creando encuadres creativos y situando de manera espléndida la acción en el contexto donde sucede.
La música es otro factor determinante en la película acompañando en todo momento a la narración y facilitando al espectador el seguimiento de la acción narrativa. Acentúa el carácter emotivo y nostálgico de la historia.

Posibilidades educativas.

Cinema Paradiso nos ofrece grandes posibilidades pedagógicas para la introducción del cine como elemento educativo. Nos brinda la posibilidad de tratar temas como la historia del cine y la evolución de los medios, la forma en que se configuraba la sociedad y la posibilidad de establecer paralelismos con la sociedad actual.
Me parece interesante la visión que nos da la película de la influencia de la Iglesia en la educación de la época para trasladarla a la actualidad y reflexionar sobre ello. También se puede trabajar sobre las relaciones de pareja, analizar cómo es la que Salvatore tiene con Elena en la película y como se conciben hoy en día. Permite trabajar sobre el papel de la mujer a lo largo de la historia, la amistad, el recuerdo, el paso del tiempo o el tema de la muerte.

viernes, 7 de febrero de 2014

Sinfonía de ilegales

Por el Guerrero Gerónimo

Sinfonía de ilegales (Opus desesperado para piano, violín, guitarra y bandoneón).  Un film de José Luis de Damas.
Es sorprendente como una sola visita al médico, cambia  el rumbo de la vida de una persona. Es lo que le ocurre a nuestro personaje principal  Julio de Lomas, maestro en el conservatorio de Música de Madrid (Miguel  Molina). En los primeros días del resto de su vida, decide reunirse con su mejor amigo Alberto (Tito Delgado), para detallarle desde las entrañas, su última voluntad como objetivo de razón vital: crear una sinfonía. Una sinfonía con músicos sacados  de las mismas calles de Madrid: la sinfonía de los “ilegales”.
A partir de este momento, la voluntad y el tesón se cobijan en la sombra de la mortífera enfermedad de Julio, junto una cámara “casera” que portará su eterno amigo en un viaje sin billete de vuelta, pero con tiempo… ¿el suficiente?
Es el “hilo” argumental para unir ficción y realidad, (a momentos  documental) que llena de savia y veracidad la historia. Desde un punto de vista sincero, delicado y sensible,  el director (José Luis de Damas Medina) nos invita a un viaje donde nos sumergimos en las vidas de sus personajes; lo que dejaron atrás, sus anhelos y sus inquebrantables ansias por flotar, donde sus llantos y clamores quedan disimulados en sus apacibles melodías. Una de esas melodías tiene nombre y apellidos propios: Daniel Costea. Natural de Rumanía, y se expresa desde su más recóndita intimidad con el violín. Y es que el instrumento también entiende de pena, porque no solo puede reducirse a su concepción técnica. Lo mismo les ocurre a la rioplatense María Gómez, profesora y Premio Nacional de guitarra y al tercer miembro, Efraín Scheinfeld con su bandoneón bonaerense. Este film, y por caprichos del imperecedero destino, concibe el encuentro de  estos artistas “ilegales” en esta vida tan desatenta.


Julio, nos irá desgranando la obra iracunda con una seria incursión en el proceso creador de cada uno de ellos: como personaje, historiador  e interlocutor. Y como “roadmovie”, pasaremos por ciudades como Barcelona, Madrid, Venecia y Buenos Aires, entre otras.
Una cualidad particular de constar en este mundo es el otro amor de Julio, un centello pasado, es Isabella. Pero algo sin embargo queda, y que advertimos en la inefable relación que aún conservan: ella, a través del contestador automático. Él, a través de su música. La otra música no nos deja nada indiferentes: Se percibe por parte del  director, una vez más, la primordial importancia que le otorga: está realizada magistralmente por el barcelonés Luis de Arquer, e inunda  la atmósfera de la película desde los albores de la misma. Siempre intenso en  su piano. Siempre fiel a la trama. Destaca también la participación de la orquesta Sinfónica Estatal de Rivne (Ucrania). Todo de un cuidadoso sumario sonoro.
La fotografía (Jerónimo Molero) es destacable. Unos encuadres bastante acertados a los que se unen los buenos usos del color, tanto fríos como cálidos, siempre acordes en el énfasis de la “acción”.  Los insertos “realistas” (grabados en miniDv), dan cierta riqueza al ritmo narrativo y dotan al film de valiosa franqueza, naturalidad y realismo. Quizás algún espectador quedara a ratos desconcertado entre “planos-clave” realistas y los de ficción. Pero en líneas generales, el guion está acertado y perderse de la trama principal, a priori, no está contemplado.


No hay duda cualquiera, de que  los temas transversales suponen una ocasión de globalizar la enseñanza por su alta relevancia social y su subrayada dependencia con la educación en valores. Aquí se dan cita temas como la amistad, el amor por las artes y la música que, según palabras del director: “…nosotros nos la llevamos de cualquier manera; gratis o dejando a cambio algunos céntimos, pues ellos la lanzan al aire, no la expenden tras fríos mostradores, para que los oídos y las almas de la ciudad, tengan o no tengan con que pagar, crezcan en la esperanza…”. El respeto a las demás personas sea cual sea su origen, raza o religión. La lealtad a uno mismo y el tesón de conseguir el anhelado objetivo. Al menos “morir” en el intento. Reconocer y ser  conscientes del poder  inherente que tiene el Arte. Aquí, en este peculiar encuentro, une a personas. Se impulsa el trabajo en equipo. El Arte no debería ser exclusivista: es para el disfrute de todos.
Tampoco queda indiferente la importancia de la formación humanística, como la “source” de la formación del individuo a persona. Como tampoco esa generosidad espontánea, que se pone de relieve enfrentándose a ese mercantilismo, de capital casposo y destructor de valores.
La diversidad viene inherente en los seres humanos como las notas en un pentagrama. Los “personajes” de esta película son inmigrantes ubicados en una clara desventaja sociocultural,  y sus historias están basadas en hechos reales.  España, hoy por hoy, se ha convertido en un país de destino para muchos de ellos, y al parecer, para algunos es un problema cuando debería ser un hecho.


Según el concepto de anagnórisis, “una revelación altera la conducta del personaje y lo obliga a hacerse una idea más exacta de sí mismo y de lo que le rodea”.  Es el caso de Julio, el protagonista. Pero Julio somos todos. ¿Tendremos que esperar una anagnórisis de índole similar para darnos cuenta de lo que nos envuelve? ¿Ciertamente es así?  En fin, cine minoritario y vital.

Uno de los nuestros

Por Elena Montes

Título original: Goodfellas
Año: 1990
Duración: 148 min.
País: Estados Unidos
Director: Martin Scorsese
Guión: Nicholas Pileggi, Martin Scorsese (Novela: Nicholas Pileggi)
Música: Varios
Fotografía: Michael Ballhaus
Reparto: Robert De Niro, Ray Liotta, Joe Pesci, Lorraine Bracco, Paul Sorvino, Debi Mazar, Mike Starr, Tony Darrow, Frank Sivero, Frank Vincent, Chuck Low, Frank DiLeo, Clem Caserta, Illeana Douglas, Melissa Prophet, Samuel L. Jackson, Michael Imperioli, Tobin Bell, Billy L. Sullivan, Frank Adonis, Louis Eppolito, Victor Colicchio, Isiah Whitlock Jr., Tony Sirico, Vincent Pastore
Productora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama | Mafia. Crimen. Años 70. Años 80. Película de culto. Basado en hechos reales

Uno de los Nuestros es mafia, amistad, traición, robos, cocaína, pistolas, ropa hortera, tacos, palizas, cuchillazos, sexo, anarquía, helicópteros….
Dirigida por Martin Scorsese en uno de los puntos altos de su carrera, Uno de los Nuestros nos ofrece un retrato de lo que podríamos llamar (Italian) American way of life, es decir la vida de un grupo de mafiosos en su mayoría italo-americanos en Estados Unidos durante las décadas de los 70 y los 80. Y lo hace de un modo exhaustivo, no se conforma con mostrarnos sus robos, amenazas o asesinatos, lo que podría ser a priori el lado más atractivo de la vida de estos tipos,a lo largo de Goodfellas también podemos ver a estos tipos en su vertiente más cotidiana. Los observamos discutiendo con la mujer, visitando a sus madres o yendo a hacer la compra. Y todas esas situaciones terminan repercutiendo en sus vidas al mismo nivel que sus golpes.
El protagonista, Henry Hill, está alejado de las otras figuras míticas del cine de gánsteres moderno. No tiene nada que ver con el casi omnipotente Michael Corleone que Coppola retrataba en El Padrino o el ansioso de poder Tony Montana del remake de Scarface. Es un mafioso de segunda que vive el día a día sin grandes planes, que se dedica a eso  por la admiración que ha experimentado desde niño creciendo rodeado de ellos y que su objetivo en la vida es no ser un don nadie.
La cámara de Scorsese sigue las andanzas de Hill y su círculo de amistad de modo casi documental (hay que recordar que está basado en hechos reales), pero sin distancias, colocándonos en el centro de su vida, enseñándonos como es su mundo, para bien y para mal.
Para ello, el director recurre a una narración en off portentosa, trucos de montaje heredados del cine clásico y reconvertidos a su propio estilo, un reparto donde los actores personifican tanto a quienes interpreta que muchos quedaron encasillados o al menos la imagen que el público tiene de ellos es la de esta película, y una selección musical espectacular que impregna nuestro cerebro del eco de los años que reproduce.
Desde la perspectiva educacional, si bien es cierto que en un primer momento Uno de los nuestros, no parece la película ideal para enseñar en clase por todos los excesos que muestra, de ella pueden extraerse algunos ejemplos educacionales interesantes.Por un lado vemos un retrato perfecto de un grupo social, con sus costumbres, ideología y códigos de lealtad muy marcados. Asistimos también el resultado de sus acciones y en que desemboca su estilo de vida: o son asesinados  o acaban en la cárcel. Sociológicamente es muy interesante presenciar desde el propio núcleo del grupo todas las vicisitudes que lo rodean. Puede ser interesante establecer un debate de tinte ético con los alumnos sobre la película y ver si son capaces de discernir de ella lo correcto y lo incorrecto en el comportamiento del individuo.
Por otro lado, artísticamente es una película muy útil a nivel educacional. Muestra el empleo ejemplar de recursos como la voz en off, el empleo de música y el montaje al servicio de la historia.
En definitiva, Uno de los Nuestros es una película que reune la excelencia tanto en  la forma como en el contenido, lo que hace sea una película ya mítica. Un clásico que ha influido a las generaciones posteriores del cine mundial. Ya sean norteamericanos, coreanos, brasileños, franceses o hongkoneses.
El vídeo que os dejo es un ejemplo y resumen perfecto de la película. Vemos en plano secuencia a  Henry Hill entrando a un famoso local por la puerta de atrás y llegando a primera fila a base de dar dinero y respeto (más bien miedo). Es decir haciendo las cosas a su propio modo.

martes, 4 de febrero de 2014

Amelie

Por Blanca

Ficha técnica

Dirección Jean-Pierre Jeunet
Producción Jean-Marc Deschamps
Guion Jean-Pierre Jeunet
           Guillaume Laurant
Música Yann Tiersen
Sonido DTS - Dolby Digital
Montaje Céline Kelepikis
Vestuario Emma Lebail
Protagonistas Audrey Tautou, Mathieu Kassovitz, Isabelle Nanty, Rufus, Jamel Debbouze, Yolande Moreau, Dominique Pinon, Ticky Holgado
André Dussollier (narrador)
Datos y cifras
País(es) Francia
Año 2001
Género Comedia romántica
Duración122 min.
Idioma(s) Francés
CompañíasPresupuesto11.400.000€Recaudación173.921.954 $



















SINÓPSIS 

Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Notre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a sus veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir, sin que se den cuenta, en la existencia de varias personas de su entorno. Entre ellas está su portera, que pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca: o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir.

Aspectos para analizar en la película a nivel educativo: 

Historia : una historia entrañable narrada con mucha originalidad. El mundo de Amelie está lleno de dulces ironías. Los detalles caracterizan a sus personajes de una manera íntima.

Fotografía, iluminación y color: es adecuada para una clase de fotografía e iluminación, destacando la importancia de los colores complementarios y las posibilidades que ofrecen. En este caso, el rojo y el verde ayudan a la ambientación de la película, acercándonos a su personaje principal y a su narrativa fantástica. El rojo nos acerca a la protagonista, a su personalidad íntima y pasional. Ella contrasta con su mundo exterior, en el que predomina el verde, color frío, representa la esperanza y ayuda a que la timidez e introversión el personaje se resalten. La psicología del color juega un papel muy importante. La fotografía es buena, tiene una estética personal y romántica. La iluminación es cálida y tenue en los interiores. En el exterior Bruno Delbonnel nos muestra un París rebosante de luz que apoya enormemente el carácter optimista de la película. Se juegan con primeros planos, planos generales, medios, subjetivos, grúas, travelling…

Desarrollo narrativo: tiene ritmo, Amelie consigue cautivar al espectador con su personalidad. La cercanía al espectador es inmediata.

Diálogos: El narrador introduce el relato con una cantidad de pequeños detalles y su voz en off se va intercalando con los diálogos de los personajes y el propio pensamiento de la protagonista: Amelie.
Interpretaciones:
Los personajes en esta película son muy cercanos al espectador, llegan incluso a ser cotidianos. Los primeros planos tan expresivos acompañan y ayudan al narrador en aproximarnos a la historia, nos describe al mínimo detalle sus gustos, sus gestos, sus pensamientos e intimidades. La personalidad de cada uno es única.
Audrey Tautou interpreta el papel protagonista: Amelie. Nos trasmite la vitalidad, inocencia y positividad de su personaje. Marcada por su infancia, tiene dificultades a la hora de socializar, costándole horrores superar su timidez extrema para poder luchar por lo que quiere.
El padre de Amelie hace un papel de persona fría, distante y minuciosa. La madre es estricta y ordenada, y le gusta tenerlo todo bajo control.
En el momento en que Amelie crece y se va de casa, se introducen detalladamente al resto de personajes que rodean su nueva vida.


Banda Sonora: La música de Yann Tiersen es fabulosa, ayuda a que la ternura y calidez de la película se resalten. Las melodías consiguen trasladar e involucrar al espectador en el ambiente mágico de la historia.

Posibilidades transversales: 
Educación en valores: Podríamos analizar la importancia del detalle, de apreciar lo que uno tiene y le rodea. La importancia de las distintas miradas hacia las cosas. Me parece interesante tratar la capacidad de ver las pequeñas cosas día a día y sacarle su magia. Observar lo cotidiano con mayor atención.
Más temas transversales: La soledad. La timidez y la represión de emociones. La fantasía. El autoestima. La observación. La personalidad.
Lectura: novelas románticas, cálidas, fantasiosas, llenas de detalles. Realismo mágico.

A N Á L I S I S:
Para poder entender mejor la importancia del lenguaje cinematográfico, analizaremos la retórica y los diferentes planos que se encuentran en varias secuencias de la película.

1ª SECUENCIA:  08:49 – 09:05
El plano picado general describe una elipsis temporal, podemos ver un oso de peluche abandonado en una jardinera. En el mismo lugar pasa el tiempo, el oso ayuda a que la infancia este presente. El abandono y deterioro del oso son metáforas de la muerte de la infancia, ayudadas por escenas que se repiten del oso pasando por diferentes cambios estacionales. La música le da dramatismo a la escena. Se posa un pájaro en la jardinera aludiendo la despedida de la infancia, alza el vuelo y es una metáfora de cómo Amelie da paso a su infancia para emprender un nuevo rumbo.


2ª SECUENCIA:   9:18- 10:40
El travelling desde un plano americano hasta un primer plano nos presenta a la protagonista de mayor: Amelie Poulain.
Ella nos mira directamente a nosotros los espectadores.
La voz en off del narrador, nos menciona que la vida tranquila de Amelie va a dar un giro inesperado, consecutivamente aparece un pequeño bombardeo de imágenes con sonidos de truenos que nos adelantan acontecimientos futuros. Hay un pequeñísimo juego de suspense, ya que los espectadores hemos visto imágenes y pistas que sabemos que la protagonista todavía desconoce, esta sensación nos produce un desconcierto inconsciente que también nos engancha al relato.
A continuación comienza la presentación de parte de los personajes cotidianos que rodean la vida de Amelie. Hay una dinámica de planos que cambian con rapidez, mostrándonos y mencionando infinidad de particularidades.
En primer lugar, nos presentan a Susan, la dueña del bar, por medio de un travelling.de izquierda a derecha, dándole dinamismo y movimiento al personaje, a continuación hay un cambio de plano y nos muestran a través del narrador e imágenes que le acompañan, detalles exclusivos de su personalidad: le gustan los deportistas que lloran por un fracaso (montaje con plano de otra película), le disgusta ver como un padre es humillado delante de
su hijo, aquí la cámara hace un seguimiento a través de primeros planos de la descripción al detalle (primer plano del que está humillando, pasa a primer plano del padre humillado y rápidamente al primer plano del hijo contemplándolo todo). La segunda presentación también es un travelling, empieza en un plano americano y acaba en un plano medio
con Georgette, hipocondríaca, le disgusta oir la frase ‘ que dios bendiga el fruto de tu vientre’, esta frase está acompañada por un bombardeo de imágenes de órganos y vírgenes. Todo esto ayuda a darle énfasis en lo obsesivo que puede ser este personaje.
En el siguiente plano, se para la cámara, y el personaje de Gina es el que se acerca, de alguna manera auto presentándose, se intuye que se desenvuelve muy bien. Rápidamente se cambia a un plano detalle en blanco y negro para describir que su abuela era curandera y que a ella lo que le gusta es hacer crujir los huesos.
Nos presentan al escritor, de un plano americano pasan a un plano lateral a contraluz, resaltando el color rojo del vino que se toma el literato. A continuación hay un montaje de cómo cornean a un torero, y eso es lo que más le gusta. Se funde, dando pie al comienzo de un primer plano, presentándonos a Joseph, rechazado por Gina y obsesionado con vigilarla para comprobar que nadie le sustituye como amante. El movimiento de cámara desde el primer plano de la cara del personaje, hasta las manos que esconde debajo de la mesa, desvela que le gusta explotar las burbujas del plástico de embalaje. Se funde la imagen, dando pie a un plano general del bar.
Por la puerta del fondo entra Filomen, la azafata con su gato Rodri, al que cuida Amelie cuando ella se va de viaje. A ella le gusta escuchar el ruido que hace el cuenco de la leche de su gato cuando apoya contra el suelo. La descripción del narrador es acompañada por un plano medio en blanco y negro del cuenco y el gato. El gato también es presentado, a el le gusta estar presente cuando cuentan cuentos a los niños. El detalle de presentar al gato es una personificación, ya que le está dando al gato cualidades racionales de seres humanos. Se le dan protagonismo a pequeños detalles, y es algo que caracteriza a la película entera. También se intuye la fantasía, también presente, por la manera en la que el narrador nos cuenta la historia.
La cámara desvela tantos detalles fundiendo diferentes planos que podríamos hablar de la hipérbole, porque los detalles consiguen aumentar el protagonismo de los personajes, incluso del cincunloquio ya que la cámara da bastantes rodeos muy rápidos centrándose en sus pequeños detalles en vez de ir al grano.

jueves, 30 de enero de 2014

RETORNO A BRIDESHEAD

Por Juan José Martínez Ruiz



Director: Julian Jarrold
 Guión: Jeremy Brock, Andrew Davies (Novela: Evelyn Waugh)
Música: Adrian Johnston
Fotografía: Jess Hall
Reparto: Michael Gambon, Emma Thompson, Matthew Goode, Ben Whishaw, Greta Scacchi, Hayley Atwell, Felicity Jones


ARGUMENTO
Durante la Segunda Guerra Mundial, Brideshead, una gran mansión inglesa, se ha convertido en destacamento militar británico. Allí vuelve, ahora como soldado, Charles Ryder, que evoca los viejos tiempos en los que él era casi un miembro de la familia Marchmain, propietaria de la mansión.
El argumento gira alrededor del personaje de Charles, un joven de clase media con aspiraciones a artista, que comienza sus estudios en Oxford donde conoce a Sebastian, de origen aristócrata, y gracias a su amistad, termina accediendo al círculo familiar. El film está planteado de una forma ambigua, subjetiva, las vivencias de la familia Marchmain son vistas a través de Charles, un personaje que se sitúa entre la atracción que siente Sebastian por él, al mismo tiempo que él mismo se siente atraído por su hermana Julia, ante la desaprobadora mirada de su madre. Una madre posesiva y autoritaria que utiliza la fe católica como instrumento de control en la vida de sus hijos.
El marco general, aunque ha sido ya tratado en otras ocasiones, familia de clase alta y joven atraído por un mundo hasta ese momento ajeno a él, permite describir de manera elegante una historia de gran calado, ofreciendo al espectador todos los ingredientes de la historia pero dejando que sea éste el que juzgue o sienta compasión por los personajes que nos muestra.


GUION / INTERPRETACION
Nos encontramos ante una adaptación, que aunque introduce ligeros cambios respecto a la novela original, se puede considerar respetuosa y elegante. Cuenta con un guion muy cuidado y bien adaptado, que retrata con detalle a los personajes a los cuales deja tiempo y reposo para que se vayan construyendo. La obra mezcla el amor, la amistad, los intereses y la religión y todo con un ritmo pausado, que no lento, lleno de buenos diálogos.
El objetivo del film no es provocar la emoción o el sentimiento sensiblero del espectador, en momentos puede incluso llegar a resultar fría o distante.
En cuanto a los actores podemos hablar de un elenco de calidad. Comenzando por el trío protagonista, Charles interpretado por Matthew Goode, es el clásico héroe romántico, con cierta vuelta de tuerca, que lleva todo el peso de la cinta con aparente facilidad. Hayley Atwell que resuelve de manera solvente el papel de Julia, el más evolutivo de los tres mostrando con claridad las diferentes etapas de maduración de su personaje y Ben Whishaw como Sebastian, que haciendo una buena interpretación es el que me parece más flojo ya que no refleja del todo el paso del dandy inicial al resultado de su autodestrucción, aunque seguramente sea más un problema de adaptación del libro que de actuación.
Y continuando con unos personajes secundarios excelentes. La represiva madre de Julia y Sebastian interpretada perfectamente por Emma Thompson, al igual que el jovial padre exiliado en Venecia por Michael Gambon. Sin olvidar otros personajes que también están bien dibujados como el distante padre de Charles, que ofrece algunos de los momentos humorísticos de la película o también los otros dos hermanos Flyte o el amigo ostentosamente homosexual de Sebastian.


FOTOGRAFIA / MUSICA
En el apartado técnico, “Retorno a Brideshead” aprueba con nota. Su fotografía es espléndida y certera, cuidando cada detalle de cámara, sacando provecho de diferentes tipos de luz (no es lo mismo la luz fría inglesa que la cálida italiana) y sabiendo utilizar muy bien los contrastes.
En cuanto a la banda sonora hay que mencionar la discreta pero efectiva música compuesta por Adrian Johnston, que en momentos nos devuelve a los felices años veinte como en ese salón de baile del transatlántico, o nos acompaña de manera emotiva, y a veces inquietante, con delicadas notas de piano en esa consecución de sentimientos siempre contenidos. Un hilo conductor perfecto para la historia.


AMBIENTACION / LOCALIZACIONES
En esta película hay que destacar el minucioso trabajo técnico de vestuario y ambientación que crean a lo largo del film unos escenarios fastuosos acordes con el lugar y la época, sólo hace falta recordar por ejemplo la fiesta de compromiso de Julia o los carnavales de Venecia.
Las localizaciones se pueden considerar unos personajes más de la película, nos muestran las calles góticas de un Oxford repleto de estudiantes, una Venecia exultante de colorido y románticos canales, el caos de los mercados callejeros de Marruecos… pero por encima de todos ellos la mansión de los Marchmain, Brideshead, con su grandiosa presencia.
Brideshead es en la realidad el Castillo de Howard, una mansión situada en el condado de Yorkshire en Inglaterra, a 40 kilómetros al norte de la ciudad de York. Es citada entre las mejores residencias campestres de la aristocracia británica, tanto por su compleja y monumental arquitectura como por su rico contenido artístico y decorativo. La mayor parte del edificio se construyó entre 1699-1712.
El castillo ha sido utilizado como decorado en otras películas y series de televisión. Fue Brideshead en la serie que se hizo en los años ochenta con Jeremy Irons como protagonista y también por ejemplo fue escenario del film Barry Lyndon, Stanley Kubrick (1975).
Hay que recordar que además del castillo posee unos magníficos jardines, con sus fuentes majestuosas y pabellones usuales en la época de su construcción, y la película sabe aprovechar con sutileza sus impresionantes paisajes.


POSIBILIDADES A NIVEL EDUCATIVO / TEMAS TRANSVERSALES
Literatura: nos acerca a una de las mejores novelas inglesas del siglo XX.
Lenguaje cintematográfico: buena muestra de diferentes tipos de plano, fotografía, guion…
Historia, religión: comparación de nuestra época con principios del siglo XX.
Relaciones sentimentales, homosexualidad, construcción de identidad personal.
Relaciones familiares, matrimonio.
Adicciones, alcoholismo.