viernes, 30 de enero de 2015

Insider

Por Nomar



Sinopsis

Basada en un hecho real pero con una base en ficción  insider o el dilema, como se llamó en España, fue puesta en escena de la mano del director Michael Mann. Este thriller nos trae una historia llena de mentiras, polémicas, estrategias, amenazas, dinero…llevado a la vida por actores como Russell Crowe, Al Pacino y Christopher Plummer entre otros.
La historia comienza con la entrevista del productor Lowell Bergman (Al Pacino), con un jeque árabe terrorista concertando una entrevista para su programa 60 minutos. Desde un primer momento vemos la importancia y la seriedad con la que Bergman se toma su trabajo incluso haciéndole poner su vida en peligro.
Por otra parte vemos a Jeffrey Wigand (Russel Crowe), saliendo de un edificio con sus pertenencias en una caja y llegando a casa donde le esperan su mujer y sus dos hijas teniendo una de ellas problemas respiratorios. Pronto la vida de estos dos personajes se une. Por una parte Lowell recibe unos documentos que no comprende y se pone en contacto con Wigand para que éste, como ex investigador de sanidad de una de las mayores tabacaleras de EEUU,le ayude. Rápido la tabacalera para la que trabajaba, Brown &Williamson, llama a Wigand para recordarle que firmó un contrato de confidencialidad y mediante la extorsiónhacer que firme otro más restrictivo. Jeffrey Wigand como ex investigador de sanidad de la tabacalera sabe información importante para la sanidad pública de EEUUpero no puede contar nada por dicho contrato. Wigand se encuentra en una encrucijada mental ya que por una parte tiene un compromiso de no contar nada, pero por otro su moralidad le incita a contar lo que sabe. La tabacalera empieza a presionar psicológicamente a Wigand y su familia, porlo que un día Wigand cansado y encolerizado por el comportamiento de su ex- empresa con él, decide grabar una entrevista en la que cuenta todo lo que sabe.Para no romper con el contrato de confidencialidad,la entrevista no puede ver la luz del día hasta que Wigand declare ante un tribunal ya que al ser un tema de sanidad pública el contrato de confidencialidad se rompería. Por otra parte, la tabacalera le pone un pleito que le advierte que si declara ante el estado podría ir a la cárcel. Finalmente decide asistir al tribunal y declarar contra la tabacalera Brown &Williamsonpero empiezan los problemas con la emisión de la entrevista. El programa 60 minutos pertenece a la cadena CBS y ésta empieza a poner impedimentos para la emisión del programa. Se crea una campaña de desacreditación contra Wigand falseando o con informaciones contradictorias contando sucesos del pasado de éste. Finalmente la CBS obliga a realizar y emitir un programa alternativo donde no aparece la entrevista en su totalidad ya que ésta teme poner en peligro la venta de la CBS a otra empresa. Wigand se siente estafado por Bergman y deprimido ante la soledad en la que se encuentra y las mentiras contadas sobre él. Bergman enojado con la cadena por dejarle en la estacada, en un último movimiento desesperado realiza una entrevista al The New York Times en la que cuenta lo ocurrido con la cadena, con Wigand y la transcripción de la entrevista entera realizada a Wigand. Posteriormente la entrevista sale a la luz completa y sin modificaciones gracias a la presión que ha ejercido Bergman, pero para él todo está roto. Finalmente Bergman dimite de la CBS ya que ha visto cómo funciona el periodismo actual y su moralidad no le permite ni adornar ni mentir respecto a la realidad.
Una película con una magnifica dirección de fotografía de DanteSpinotti y la nominación de 7 Oscar y 5 Globos de Oro entre otros.

Posibilidades en el ámbito educativo

En mi opinión este thriller puede ser utilizado para la reflexión sobre la información que nos aportan los medios de comunicación. Los medios de comunicación  son una herramienta muy útil para acercar a las personas  rápidamente la información. Sin embargo, en ocasiones la información es manipulada, parcial, falsa, oculta estrategias de mercado u orientación… Tomamos como verdad todo lo que nos transmite la información pero realmente no sabemos si sus afirmaciones o negaciones son reales o están basadas en los intereses de ellos mismos o de terceros. Es sumamente importante formar creando una mentalidad crítica y para ello primero hay que mostrar que a veces lo que tomamos por verdad  no lo es. Con esta película de larga duración pero maravillosa intriga vemos como la verdad es oculta por intereses económicos de los más poderosos y como muy bien es encubierta:

“Y Jeffrey Wigand que está en la cuerda floja ¿va a ir a la televisión a contar la verdad? sí, ¿es un caso que interesa? si, ¿vamos a emitirlo? Claro que no, ¿Por qué?, ¿por qué no cuenta la verdad? No, porque va a contar la verdad y por eso no vamos a emitirlo y cuanta más verdad cuente peor resultará.” (Lowell Bergman)

Por otra parte también es importante destacar el papel que desempeña Jeffrey Wigand ya que decide contar la verdad por un bien general aún sabiendo que las repercusiones pueden ser nefastas. Hacer frente al mal posible que pueda recibir por luchar por una sensación de realizar lo correcto, en palabras de Wigand:

"En ocasiones desearía no haberlo hecho y a veces me siento obligado a hacerlo. Si me pregunta si lo haría otra vez, si merece la pena... yo diría que sí" (Jeffrey Wigand)

Como conclusión veo este film como una posibilidad de mostrar la duda sobre toda la información que recibimos diariamente. Hacer reflexionar sobre lo que pensamos que es verdad o no y si realmente tenemos conocimiento real de que así sea. Veo el visionado de esta película como el incipiente deseo de conocer y de crear una mentalidad critica en el alumnado. La televisión, la radio, los periódicos, etc… no tienen por qué ofrecer la información completa o como ha sucedido realmente. Debido a esto es importante contrastar o diferenciar pero más lo es saber crear nuestra propia opinión.

Enlaces

https://www.youtube.com/watch?v=_mSUFRsSluA

https://www.youtube.com/watch?v=5rkvxi5hdbA

lunes, 26 de enero de 2015

Intocable(2011)

Por Loles

El blanco y el negro, el chándal y el traje de etiqueta, la elocuencia y la hilaridad1, la pobreza y el elitismo, Vivaldi y Earth, wind and fire1, la invalidez física y la invalidez social. Dos mundos enfrentados pueden encontrarse y enriquecerse mutuamente. Prueba de ello es la película “Intocable” basada en una historia real y llevada a la gran pantalla por los franceses Olivier Nakache y Eric Toledano en el año 2011.
Phillipe es un aristócrata tetrapléjico, Driss es un inmigrante negro recién salido de la cárcel. Representan dos realidades sociales opuestas, dos maneras de entender la vida y dos maneras de vivirla.
La película comienza con una persecución surgida de la nada, que sorprende al espectador y le hace ser consciente de los prejuicios y estereotipos que tenemos y que a menudo ignoramos; ¿Y qué pinta un negro en chándal conduciendo ese cochazo, y un señor muy bien vestido de copiloto, y encima es tetrapléjico?
- Cabría preguntarse. Parece que tienen complicidad, parece que se entienden que se necesitan, hasta incluso parece que se quieren.
Phillipe huye de la compasión. Está harto de la complacencia y la condescendencia. Vive cada día con la piedad y la lástima que su entorno social siente hacia él, actitudes que le hacen ser más consciente de su minusvalía.
Driss vive las consecuencias de la marginación social, las consecuencias de ser pobre e inmigrante nacido en una familia desestructurada.
Phillipe convive con su incapacidad física y Driss lucha contra un sistema social que le incapacita.
Phillipe ve en Driss a una persona ágil, fuerte y optimista. Una persona natural y espontánea que le trata como lo que es, una persona más, sin un ápice de compasión en su actitud. Actitud que transmite alegría de vivir. Driss encuentra en Phillipe el respeto y el trato que otros no le dan por su origen humilde y extranjero. Una inspiración para crecer como persona y aprender.


¿Por qué “Intocable” es una película idónea para el aula?
Su historia toma como punto de partida la confianza mutua, lejos de prejuicios e ideas preconcebidas. Pone de manifiesto como las diferencias de edad, cultura y etnia tienen un punto de encuentro en la amistad. Dos formas de entender y vivir la vida pueden encontrarse y enriquecerse mutuamente. Phillipe y Driss, a pesar de estas diferencias aparentes, tienen en común más de lo que podía parecer; el deseo de amar y sentirse amado. Así ,juntos inician un proceso de reconocimiento y aceptación mutua que les permitirá superar barreras y limitaciones personales y sociales descubriendo lo mejor de sí mismos. Descubriendo las virtudes que tenían escondidas.
El largometraje en versión original, en francés con subtítulos en castellano, puede ser muy interesante en clase de lengua extranjera ya que se contrapone la forma de hablar del aristócrata Phillipe con la jerga usada por Driss. Ayuda a entender diferentes formas de expresarse, formal y coloquial, así como pueda ser útil  para ampliar vocabulario.
Es una película esperanzadora, que inspira ganas de vivir aún conviviendo con una discapacidad física. Phillipe no sufre por ser discapacitado, sufre por la reacción de su entorno hacia su discapacidad. Driss nos enseña cómo hacer frente al drama con optimismo y humor sacando lo mejor de cada instante y disfrutando de la vida.
“un contagio mutuo entre los dos personajes; la quijotización de Sancho y la sanchización de El Quijote”2
“Intocable” Nos permite abrir la mente más allá de convencionalismos y términos que hemos admitido como  opuestos. Nos enseña que el blanco y el negro no son tan distintos, se necesitan el uno al otro. El chándal y el traje de etiqueta no importan, lo que importa es la persona que hay debajo, la elocuencia y la hilaridad pueden dialogar, la pobreza y la riqueza no empañan la amistad y la confianza e incluso, Vivaldi podría haber cantado “September” a viva voz de haber coincidido en el tiempo con la banda Earth, wind and fire. ¿Por qué no?
Hay valores que nos enseñan a adoptar una actitud positiva ante la vida y sus retos, y esos valores deben estar presentes en el aula.
Valores como la confianza, la amistad como fuente de conocimiento y aprendizaje, la superación personal y social, el optimismo y el uso del humor sin complejos ante una situación dramática. El cine tiene la capacidad de mostrarnos una versión distinta de cómo deberían ser las cosas, ya que el cómo son ya lo vemos en el día a día.

FUENTES,A(2014).”Cine Fórum. Discapacidad: La asistencia personal ¿hecho o derecho?. "Intocable", del director Eric Toledano y Olivier Nakache”. Obtenida el 19 de Enero de 2015 de http://www.usal.es/webusal/node/46620

MR.SAMBO(2012).”Crítica: Intocable (2011)” Obtenida el 19 de Enero de 2015 de http://cinemelodic.blogspot.com.es/2012/04/critica-intocable-2011.html

La invención de Hugo

Por Zarapallada

El director Martin Scorsese realiza su primera película dirigida al público infantil y en 3-D gracias a esta adaptación de la novela de Brian Selznick, "La invención de Hugo Cabret". Esta película es totalmente distinta a las otras obras Scorsese.
Fue nominada a once premios Oscar, siendo la más nominada del año, figurando en categorías como Mejor director (Scorsese) y Mejor película, recogiendo un total de 5 galardones. Asimismo, fue nominada a 3 Globos de Oro, ganando Scorsese su tercer Globo de Oro al mejor director y obtuvo 2 Premios BAFTA.


SINOPSIS

'La invención de Hugo' cuenta la historia de Hugo Cabret (Asa Butterflied), un niño huérfano que vive oculto en la estación de tren de París, en la que lleva el mantenimiento de los relojes, tras ser enseñado por su tutor, su tío, un alcohólico, el cual le enseña el funcionamiento de las máquinas, para luego desaparecer, es el año 1930.
Hugo vive entre las paredes de la estación, robando alimento y trabajando en el proyecto más ambicioso de su padre: la reparación de un autómata estropeado, un hombre mecánico supuestamente capaz de escribir con un pluma estilográfica. Hugo roba piezas mecánicas en la estación, con la intención de reparar este “robot”, pero un día es capturado por el propietario de una tienda de juguetes, llamado Georges Méliès, que confisca a Hugo un pequeño cuaderno, heredado de su padre, que contiene la información para llevar a cabo la reparación.
Para recuperar su libreta, persigue al dueño de la tienda de juguetes hasta su casa, donde conoce a Isabelle, una niña de edad parecida a la suya que es la hija de Méliès. La niña promete ayudarle a recuperar su cuaderno.
Finalmente, Méliès promete devolverle el cuaderno a Hugo si este se lo gana trabajando en su tienda, en compensación por todas las piezas que había robado.
Hugo trabaja en la tienda, y en su tiempo libre repara el autómata, pero le falta una pieza, una llave en forma de corazón.
Un día, Hugo, ve ésta llave, colgada del cuello de Isabelle, en forma de colgante.
Cuando utilizan la llave para activar al hombre de cuerda, este dibuja la escena de una película. Hugo recuerda que es un film del que su padre hablaba constantemente, recuerda que dijo haber sido su primera película (Le Voyage dans la Lune). Los jóvenes también descubren como el dibujo del autómata está firmado con el nombre de Georges Méliès.
En la casa de los Méliès, Hugo muestra el dibujo a mamá Jeanne, la mujer no les cuenta nada y los manda esconderse en una habitación al oir que su marido llega a casa. Mientras están escondidos, descubren un compartimento secreto en un armario y accidentalmente desparraman lo dibujos de los trabajos de Méliès. Éste, entra en la habitación y al ver eso, se siente traicionado.
El dueño de la librería de la estación brinda su ayuda a los niños en la búsqueda de un libro sobre la historia del cine. Tras dar con el libro, quedan muy sorprendidos al comprobar que el autor, Rene Tabard, afirma que Georges Méliès murió en la guerra (Primera Guerra Mundial), cuando, de repente, el propio autor aparece, entonces, los niños cuentan al hombre que Méliès aún vive. Tabard afirma ser fan de los trabajos de Méliès, e incluso tiene una copia de la película Le Voyage dans la Lune.
Más tarde, Hugo y Tabard, con ayuda de Isabelle, van a casa de Méliès. Al principio, son mal recibidos por Jeanne, pero cuando Tabard la reconoce, Jeanne acepta su oferta, y ve la película. Mientras la están viendo, Georges aparece de repente despertado por el sonido del proyector y explica cómo llegó a ser cineasta, y cuenta toda su historia. También les habla del autómata.
Hugo decide regresar a la estación para devolver el autómata a su dueño original. A su llegada, es arrinconado por el inspector de la estación y su perro, el cual cogía a los huérfanos, para mandarlos a horfanatos. Hugo se esconde subiendo a las agujas del reloj. Una vez burlado el inspector, Hugo corre en busca del autómata para huir con él de vuelta a casa de Isabelle y sus padrinos, pero es apresado por el inspector y el autómata cae a las vías del tren. Hugo intenta salvar al hombre mecánico arrojándose a las vías, a pesar de la inminente proximidad de una locomotora. Todo indica un desenlace trágico, pero el inspector salva al niño y al autómata y procede a su detención.  De repente, aparece Georges, que reclama al niño alegando que se encuentra bajo su tutela.
Finalmente, Georges realiza una espléndida gala conmemorativa por su trabajo y Tabard anuncia que han podido rescatar y restaurar unas 80 películas del director. Georges agradece a Hugo sus acciones, y luego invita a los asistentes a "perseguir sus sueños".


POSIBILIDADES DE LA PELÍCULA EN EL ÁMBITO EDUCATIVO

Veo en “La invención de Hugo”, una propuesta de película educativa,  debido a  que se trata de una película de recreación de hechos reales, un homenaje al cine, y que tiene, como uno de los protagonistas, a un innovador cineasta.
Muchos de los aspectos contados aquí sobre la vida de Méliès, sucedieron como se cuenta en la película como por ejemplo el interesarse en el cine tras ver el cinematógrafo de los hermanos Lumiére, aunque en la película dice que fue en una feria y no fue exactamente así, también fue mago, y fabricante de juguetes, y tuvo en su posesión un teatro, quedó en la ruina, sus películas fueron destruidas por la celulosa, y acabó vendiendo juguetes en un estación.
También, el cine mudo mostrado al comienzo del film corresponde a los trabajos reales de Méliès.
Una escena del sueño de Hugo, representa el espectacular descarrilamiento sucedido en 1895, en la estación de Montparnasse.
El niño, en el sueño,  ve a un hombre en una locomotora recreando una escena de Buster Keaton, otra leyenda del cine mudo. En este mismo episodio se hace alusión a Jean Gabin en el filme “La bestia humana” de Jean Renoir.
A lo largo de toda la película se ven secuencias de la versión coloreada a mano de Le voyage dans la Lune.
El libro que el dueño de la librería de la estación le regala a Hugo, Robin Hood le proscrit, es simbólico, ya que Hugo se ve obligado a evitar las fuerzas de la "justicia" para poder vivir en la estación y restaurar el autómata.
Esta película, sería muy válida, para analizar por lo tanto en cualquier clase relacionada con temas audiovisuales o de imagen, para proyectarla, de forma introductoria, a una clase de historia del cine.
Todos los datos de la obra de Méliès y su posterior ruina debida a la I Guerra Mundial, también son ciertos, por lo que podría servir también para una clase de historia, en la que se estudie la invención del cinematógrafo, posteriormente la I Guerra Mundial, así como los vestuarios y estilos que había en 1930 en París. Así como la estación, la cual es una amalgama de elementos de diseño y estructuras extraídas de multitud de estaciones de la época, algunas de las cuales siguen existiendo, lo que resultó muy útil para muchos de los artistas.
Otros personajes que también existieron en la vida real son “Mama Jeanne”, cuyo nombre verídico fue Jeanne d’Alcy, y René Tabard, el hombre que le devolvió la popularidad a Méliès, aunque en realidad era periodista, y no escritor.
La figura del veterano actor, Christopher Lee, es asociación automática con las mejores épocas del cine. Otros personajes históricos que aparecen brevemente en el film son Salvador Dalí y James Joyce.
Otra posibilidad, sería sacar cualquier fotograma de la película, en la que sale toda la maquinaria interna de los relojes, para utilizarla en una clase de dibujo técnico, y poder recrearlo.
Sobra decir, la posibilidad de verla en versión original, para la clase de inglés.
Por la gran riqueza de esta película, en cuanto a referencias a la historia del cine, creo que es apta para proyectarla en el aula.

‘BIRDMAN’ (o la incesante búsqueda de la continuidad)

 Por RPS

Dirigida por Alejandro González Iñárritu en el año 2014, ha ganado 2 Globos de Oro, 4 premios en el Festival de Venecia y está nominada a 9 Oscar.
Esta película cuenta la historia de Riggan Thomson, un actor que, tras interpretar durante años a un superhéroe, decide montar, dirigir y protagonizar una obra teatral en Broadway, para relanzar su carrera y demostrar(se) que puede ser un actor de renombre. En este camino, le acompañará el personaje por el que una vez fue conocido, Birdman. El superhéroe le habla, le acosa, se le aparece e incluso, a veces, le concede superpoderes. Mientras el protagonista intenta hacer las paces con su (alter) ego, un abanico de personajes distintos diseñan la trama teatral, contada desde el interior del espectáculo. Para conseguir su propósito, Riggan tendrá que enfrentarse a sus miedos y al propio Birdman.


Concebida con una idea de continuidad perpetua, las posibilidades que tiene esta película en el ámbito de la docencia audiovisual son muchas. Su planificación y el consecuente ejercicio de intentar lograr un único (aunque inexistente) plano secuencia podrían servir para aprender, de forma visual, conceptos técnicos y artísticos, en estas dos acepciones es un película muy rica.
Los títulos de crédito son originales y contundentes, a golpes de batería marcan el ritmo de arranque del filme, en el que van apareciendo las letras que los conforman. Este recurso musical inicia la narración para permanecer a lo largo de la misma, haciendo especial hincapié en las partes más dramáticas. Se utiliza como recurso de continuidad y de ritmo, funcionando como el leit motiv del corazón del protagonista en toda la película. Tal es su presencia musical que, estos golpes de percusión, se usaron durante el rodaje para marcar la cadencia en los movimientos de cámara. La música, que empieza siendo extradiegética en su noción de punto de partida, pasa a ser diegética en algunas ocasiones, cuando vemos al batería en pantalla. Otro concepto más a añadir a sus posibilidades docentes.
Este juego con lo que se muestra y lo que no, es una muy buena forma de plasmar y concebir los términos de fuera y dentro de campo. De este recurso se sirve el director, que constantemente focaliza (o no) la atención en aquello que le resulte más interesante e incluso prescindible para contar su historia, teniendo en cuenta que está narrada en su totalidad desde el punto de vista de Riggan Thomson. El resto del elenco desfila dentro y fuera del encuadre con aparente espontaneidad, aportando más o menos información a la trama.
Entre bambalinas, todo este entramado se manipula con armonía, sin olvidar los compases de batería, donde el espectador puede experimentar en primera persona qué sucede tanto detrás como delante del telón. No hay hueco en el que la cámara no pueda traspasar en el teatro, pues todos los mecanismos componen una receta en la que sus ingredientes están dispuestos en su justa medida. Así, esta mirada al interior del mundo teatral y el esfuerzo que supone sacar adelante una obra, es perfectamente un elemento transversal, dentro de las posibilidades educativas que tiene la película. Al igual que la integración de una obra de teatro dentro de la historia, ‘De qué hablamos cuando hablamos de amor’ de Raymond Carver. También se podrían tratar ejemplos anteriores, en los que el teatro dentro del cine han conformado un metarrelato, como es el caso de ‘Eva al desnudo’, ‘Todo sobre mi madre’, ‘Rosencrantz y Guilderstern han muerto’, ‘Shakespeare in love’ y muchas otras.

Los movimientos de cámara realizados con una steadycam resultan interminables, así como la precisión en su composición. Son múltiples los espejos que refleja, como múltiples las personalidades de sus actores, y este complicado reto se resuelve de manera impecable en sus misceláneos tiros de cámara. Marcados en el rodaje por el ritmo impuesto de la batería, los movimientos se planificaron como una coreografía para que todo resultara lineal ante el espectador.



La iluminación y la intención de hacerla natural en cada secuencia, define una fotografía limpia y rica en matices, que puede servir igualmente como reflexión en el aula. Diferentes camerinos, pasillos, interiores y exteriores pueden servir para concebir la idea de luces y sombras que lleva consigo una producción de este tipo.
Gran cantidad de efectos especiales son mostrados con una aparente facilidad en su ejecución, donde el truco es invisible. Estas técnicas de efectos son susceptibles de meditación en la docencia audiovisual, pues resultan impactantes al estar rodadas con la premisa de la continuidad. El cielo de Manhattan sirve como transición del día a la noche y viceversa, gracias al uso de los time lapses.
El juego entre el personaje de Michael Keaton y el propio actor, funciona como un guiño al espectador. Tanto Birdman como Batman tuvieron su secuela en el año 1992. Esto no resulta casual, sino que retoma la idea de continuidad en una comparativa entre actores, personajes y actores interpretando personajes en el teatro. La elección del casting tiene bastante que ver con lo que sucede en el quinto largometraje del director mexicano, pues cada uno de ellos juega una importante vuelta de tuerca en la trama. Unido a lo que hoy en día supone el concepto de imagen de producto y su venta en el proceso de exhibición audiovisual, el cambio en el modelo de promoción engloba una serie de estrategias del mercado de la producción cinematográfica, que son susceptibles de estudio desde el punto de vista docente. Como ejemplo de todo esto, en este enlace se puede ver el falso trailer de la famosa secuela inexistente ‘Birdman Returns’:
https://www.youtube.com/watch?v=vueAC31glPQ#t=18.



La integración de las redes sociales hace que la historia sea aún más actual y que refuerce la idea antes mencionada de metarrelato. Cabe la posibilidad de considerar la cantidad de cambios que ha supuesto la tecnología en nuestros quehaceres cotidianos. En el rodaje de ‘Birdman’, el propio Alejandro González Iñárritu usó su smarphone para simular el punto de vista de un transeúnte neoyorkino, en dos de las cuatro tomas que se realizaron. Resulta curioso saber que el director contrató a un grupo de percusionistas para entretener al público, que paseaba mezclado con los extras, en Times Square mientras se rodaba la secuencia. En estos enlaces pueden verse distintos momentos del rodaje y la posterior explicación del director:

https://www.youtube.com/watch?v=KjTDzWPMWzA
https://www.youtube.com/watch?v=3hBuTNtIwUQ
https://www.youtube.com/watch?v=hU-aQ_bEsr4
https://www.youtube.com/watch?v=WPGRynexJHY

Como complemento formativo, se podrían tratar otras películas de la historia del cine como ejemplo de plano secuencia. La más famosa de toda ellas es ‘Sed de mal’, en la que la sincronización de elementos de rodaje, actores y vehículos articula una sorpresa explosiva final. También existen ensayos previos con esta planificación en el rodaje. En ‘La Soga’, Alfred Hitchcock tuvo que recurrir a transiciones de objetos/sujetos que taparan la cámara, pues su idea era rodar en un único plano, pero la necesidad de cambiar de rollo de película celuloide no se lo permitió. Otro experimento fue ‘Irreversible’, película que se sirve de un orden cronológico inverso para contar su relato en trece cortes.
Al ser una película en inglés, ‘Birdman’ resulta interesante como práctica de un idioma extranjero para el alumnado. Además, la dicción de la mayoría de los intérpretes es muy clara y diferente para su comprensión. Se sirven de diversos matices para marcar cuándo están o no en escena. Igualmente, es susceptible de reflexión la doble interpretación de los actores en esta película.
Para tratar con los/as alumnos/as a nivel transversal, la principal cualidad que recrea ‘Birdman’ es la lucha por los sueños, elevando la voluntad y el esfuerzo hasta el final de las consecuencias. El protagonista consigue lo que quiere: triunfar en Broadway, demostrarse que es un buen actor y, lo más importante, la comprensión de su familia. Todo esto solo es posible cuando cree en sí mismo y en el trabajo que tiene por delante. En mi opinión, es un buen punto de partida para reflexionar.
Del trasfondo de la película también puede extraerse la idea de vencer los propios temores que, en este caso en forma de alter ego, atormentan a las mentes creativas. La inseguridad a la que se expone un actor frente a su público en el escenario puede resultar aterradora, más aún si en esa función toda una vida está pendiente de un hilo. En muchas ocasiones, nos sentimos tan sumamente asfixiados que somos incapaces de respetarnos y aceptarnos como somos, con nuestras virtudes y defectos. Esta película nos recuerda lo sano y positivamente importante que resulta hacer las paces con uno/a mismo/a, comprenderse y PERDONARSE. Esta idea de romper con los fantasmas y saltar al vacío, liberando el espíritu interno y dejándolo fluir, es la fuerza con la que Iñárritu nos deja al final de la aventura de Riggan Thomson.

Web de la película:
http://www.birdmanlapelicula.es/

TheTheory of Everything (La teoría del todo)

Por Opticks

La película objeto de análisis, de estilo narrativo-biográfico, transcurre en Inglaterra entre 1963 y la actualidad. Narra la vida de un hombre intelectualmente brillante (Stephen Hawking) y de cómo luchó junto a su mujer contra una enfermedad degenerativa que, según los médicos, le dejaría sin vida en dos años.
En el centro del argumento está la condición humana y la incompatibilidad entre la ciencia y la religión y de cómo éstas justifican nuestra existencia. La ciencia argumenta todas sus teorías sobre la vida de forma racional y científica (basándose en las leyes de la física y las matemáticas) y la religión  quiere explicar todo basándose en lo divino y lo sagrado. Transversal a la ciencia y religión se encuentra la vida de un joven investigador de doctorado que se interesa por descifrar matemáticamente el origen del agujero negro y el origen del tiempo, esto es, el origen de la vida y del universo. Mientras desarrolla su investigación descubre que tiene la enfermedad de la neurona motora, que poco a poco le dejará inmovilizado y con una esperanza de vida de tan solo dos años. Es a partir de este punto donde se plantean los valores de la película. El hombre puede superar las limitaciones físicas que una enfermedad puede suponer, hasta el punto de convertirse en una referencia mundial en el campo de la ciencia, como es al caso de StaphenHawking. Podemos acompañar los progresos tecnológicos a nivel computacional y de ciencia médica, que le permiten al científico vivir en condiciones suficientes como para poder comunicarse con los demás, aunque esté imposibilitado para moverse y hablar. Finalmente la película termina, entre los méritos personales del brillante científico, y la alusión más importante del sentido de la vida: la creación de la vida misma.
La película es sobria, muy bien filmada, con buenos planos excelentemente trabajados en distintas situaciones, pues colocan al espectador en el lugar de la figura central y de sus limitaciones. La fotografía es de muy buena calidad y renuncia a los efectos especiales que hoy en día son lugar común entre las películas de cartelera en España.


La película y sus posibilidades educativas

Tratándose de un drama biográfico, esta película nos sitúa en un contexto más realista. En el ámbito educativo es importante que los alumnos tengan en cuenta que la historia presentada está basada en hechos reales y que por lo tanto no son ficción. Las materias más destacadas y que los alumnos de secundaria y bachillerato pueden sentir particular interés tienen que ver con la consciencia de la importancia que tiene la ciencia en el desarrollo del ser humano. La física y las matemáticas tienen un particular destaque ya que son las áreas en las el investigador domina y que explican la existencia del Hombre y del universo. También pone de relieve la explicación que la iglesia da para la existencia de la vida, que es incompatible con las explicaciones científicas, aunque puntualmente deja en duda un cruce entre las dos ciencias y que una justifique la otra. Tratada con respeto, esta dualidad puede originar un debate de gran valor en el contexto educativo.
En el contexto histórico el alumno podrá ser consciente de las limitaciones de la ciencia existentes hace cincuenta años, en una sociedad de prejuicios muy marcados, donde las principales innovaciones tecnológicas aún no existían (como el ordenador y los móviles) y de como la medicina también tenía muchas limitaciones. Con el paso de los años, la innovación tecnológica posibilita al personaje principal larga vida y posibilidad de comunicación, por lo que pone en evidencia las ventajas del avance de la investigación y el valor en particular la investigación universitaria.
A nivel lingüístico la película pide que se vea en versión original con subtítulos. La pronunciación británica no es muy común en los cines nacionales, por lo que es una buena oportunidad para que el alumno identifique mejor algunos aspectos relacionados con el vocabulario local y pronunciación.

Los temas que pueden dar lugar a un debate interesante y fructífero en clase podrían ser diversos, siempre dependiendo de su finalidad educativa.

Tratando el respecto al individuo y los valores

- La discriminación en ámbito escolar; con frecuencia el que se sale de la norma es discriminado por sus compañeros y es señalado como “rarito”.
- Apariencia y personalidad; los juicios de valor se crean cobre aspectos superficiales.
- Los superdotados, o como las élites intelectuales viven en ámbito escolar.

Tratando temas como la autoestima y el logro de objetivos

- La superación; aunque nos digan que no hay nada que se pueda hacer no puede ser razón suficiente para desistir de la vida.
- Cualquier tema objeto de estudio te puede llevar al éxito, es uno de los logros de este científico que estudia cosmología.
- La presión exterior sobre la carrera profesional, y de cómo terceras personas empujan a los alumnos según sus intereses personales.
- El hombre es frágil, pero la cabeza puede ser fuerte. Este es uno de los mensajes más sensibles de la película y que puede generar mucho debate en clase.
- El mérito y reconocimiento profesional; objetivos que casi todos queremos alcanzar y que no todos lograremos; cómo lidiar con el “fracaso”.

Tratando aspectos socio-familiares y ciclos de vida

- La ayuda incondicional, y la importancia de estar al lado de las personas y apoyarlas pase lo que pase.
- La infidelidad, de la relación en pareja ante una enfermedad o sobre el paso del tiempo.
- Una familia normal; cómo lograr la conciliación, principalmente cuando uno de los familiares sufre de una enfermedad grave.
- La muerte, aunque es inevitable, nunca estaremos seguros de cuando llega.

Tratando aspectos científicos

- La física está en todas partes, aquí y ahora, y dará todas las respuestas a lo que hoy todavía es desconocido.
- El tiempo;  cómo somos consientes de su paso a través de su medición y de la imposibilidad (de momento) de retroceder en él.

A Perfect Word

Por Juor

Libertinaje.
1. m. Actitud irrespetuosa de la ley, la ética o la moral de quién abusa de su propia libertad con menoscabo de la de los demás.

Libertad.
1. f. Facultad que tiene el ser humano de obrar o no obrar según su inteligencia y antojo.

“Magistral e infravalorada película de Eastwood. La historia de un recluso (un sorprendente y genial Costner) que escapa de una prisión secuestrando en su huida a un niño es un relato original, complejo e intenso, que lo mismo te saca una sonrisa que te hiela el corazón, amén de estar firmada con la elegancia y maestría de los clásicos. Sin duda, una de las mejores películas americanas de los años noventa."
Pablo Kurt: crítico de cine y creador de  Filmaffinity.

“La premisa no puede ser más sencilla, pero el cineasta camufla bajo un ejercicio policíaco una fábula sobre la esperanza y la derrota en uno de los filmes más estremecedores de los noventa”.
Miguel Ángel Palomo: periodista, diario El País.

Es cierto, pienso que los comentarios son apropiados, opino que este film, o mejor dicho, como suelen llamar a este género: “road movie”, está infravalorado. Se trata de una obra escrita por John Lee Hancock y dirigida por Clean Eastwood, que poniéndose en ambos lados de la cámara, interpreta el papel de un ranger de texas que va en busca y captura de un criminal fugado de una cárcel (papel desempeñado por Kevin Costner) y que en su huída secuestra a un niño de ocho años.
Esta película, ambientada en los años 60 en lo más profundo y arraigado de Estados Unidos, Texas, comienza en una noche de Halloween. Este drama se centra principalmente en el personaje Robert Butch Haynes, que junto a su compañero de prisión Terry Pugh consiguen huir de la cárcel. Durante la huida, tras una serie de circunstancias y contratiempos, raptan a un niño de ocho años, Phillip Perry. En el transcurso de este “viaje”, Butch asesina a su compañero Terry, ya que por su comportamiento “inapropiado”, supone un problema para él.
Así comienza una frenética huída en coche: secuestrador y rehén, recorren las carreteras del estado de Texas en dirección a Alaska en donde Butch tiene intención de soltar al niño sano y salvo. Mientras tanto, les sigue el ranger Red Garnett junto a Sally Gerber, una criminalista del estado recomendada por el gobernador, que se dedica a investigar el comportamiento de los presos que se fugan para facilitar su captura.
Tras una serie de aventuras en donde abundan los momentos difíciles y amargos, robos y ciertas confidencias, se creará una bonita y a la vez extraña amistad entre Butch y Phipllip. Vivirán momentos emocionantes, poniéndose de manifiesto la libertad de hacer lo que uno quiera, a la que yo llamo “falsa libertad” y que más bien se denomina: libertinaje.
Finalmente Butch recoge lo que ha sembrado: Phillip dispara contra él. Butch, cansado y gravemente herido es atrapado, rodeado y abatido por un agente federal, el controvertido final está abierto a todo tipo de opiniones, pero deja bien clara una cosa: a Red Garnett (Clint Eastwood) se le va de las manos la situación y el control del mando de la unidad de persecución, no se acatan sus órdenes, dándose cuenta al final que ha sido partícipe de la ejecución de un hombre herido y desarmado.

SALLY. – Usted ha hecho todo lo que ha podido. Lo sabe.
RED GARNETT. – Yo no sé nada. Absolutamente nada.


La psicología de la educación en “un mundo perfecto”.

"Educar es aportar o disponer las condiciones adecuadas para que el ser humano desarrolle un sistema de valores, conocimientos, procedimientos y estrategias con el que desenvolverse de forma óptima y autónoma con respecto al medio, al prójimo y a sí mismo."

Butch educa a Phillip, le enseña a conducir, le enseña a controlar las situaciones, practican diversos juegos, le enseña ha hablar con respeto… pero, ¿qué clase de adulto dejaría conducir un vehículo a un niño de ocho años, dejaría en sus manos una pistola para controlar las situaciones, usaría los juegos con fines gananciales y emplearía el buen uso de la palabra para engañar y estafar? Efectivamente, alguien sin escrúpulos.
Este film nos ofrece un ejemplo de lo que no se debe hacer para educar y los peligros que conlleva el educar mal, sobre todo desde edades tempranas. Butch no tuvo una infancia ni una adolescencia fáciles y adecuadas: sin una figura paterna se crió con prostitutas en un burdel en el que su madre trabajaba, se dedicó a robar y a estafar, en su juventud acabó en un reformatorio y más adelante subiría su listón terminando en prisión por asesinato.
Phillip, también es un niño sin padre, ya que éste se largó de casa sin volver a aparecer. Pero a diferencia de su raptor, él es educado en el seno de una familia profundamente religiosa, siendo la madre del niño demasiado protectora y nada permisiva, ya que al ser testigos de Jehová, no le permite a su hijo celebrar determinadas fiestas anuales, ni cumpleaños, ni comer golosinas, ni disfrazarse, ni visitar ferias ni parques temáticos… cosas que a los niños/as les encantan y deben hacer. La obligación de un niño/a es: jugar, dejar volar la imaginación, desarrollar las aptitudes y capacidades creativas de una forma lúdica.

“La religión adormece, corta las libertades y riesgos del ser humano”.
Robert Butch Haynes, A Perfect World.

Butch se ve reflejado en Phillip y éste, a falta de una figura paterna y viendo que su raptor lo trata bien y le permite llevar a cabo todas aquellas cosas que su madre no le dejaría hacer, el niño obedece al secuestrador y colabora con él. Phillip es adoctrinado, no educado, a la manera de Butch, con malos consejos y acciones violentas, no hay cabida para la incertidumbre; como el chico nunca había visto antes todo aquello que el delincuente hace, dice o actúa, no sabe diferenciar el bien del mal, por lo tanto, el niño se ha “disfrazado” de bandido para Halloween.
Paralela a esta historia sucede la del ranger Red, sus ayudantes y la criminóloga. Se supone que son los “buenos” los “héroes americanos” que van a dar caza a un fugitivo de la ley y el orden. Entre ellos también se producen situaciones tensas y patentes, como la evidente violencia machista que sufre en todo momento Sally, rodeada de hombres muy varoniles, seguros de sí mismos, satisfechos de saberlo todo como Red, que se pasa recordando en todo momento quién es el que lleva los pantalones y quién está al mando de la situación, habla de sus grandes méritos y experiencias que pesan a sus espaldas.


¿Por qué?

Película cargada de abundantes significados que se pueden interpretar de “libres” maneras, dando lugar a múltiples pensamientos sobre la filosofía de vida de las personas ligada a la psicología de los personajes. Hay que hacer reflexionar y generar planteamientos diversos a los jóvenes: que se creen dudas y cuestiones personales para tratar de buscar soluciones a conflictos y problemas. Una serie de situaciones que se ponen de manifiesto en el desarrollo de esta película. Que cada cual saque sus propias conclusiones:
- Las creencias religiosas: prohibiciones.
- Fugarse de una cárcel, atentar contra la ley.
- El asesinato, ¿tenemos derecho y libertad de privar a una persona de su vida?
- ¿Podemos combatir la violencia con más violencia?
- Bipolaridad: trastornos de la personalidad.
- Problemas psicológicos que no se han tratado a tiempo: creando al monstruo.
- El robo, la estafa y el engaño.
- La persecución: ser un fugitivo en busca y captura.
- La vida de una mujer en un mundo de hombres: violencia machista y acoso laboral.
- Supervivencia: el fuerte y el débil.
- La convivencia y la sociedad. ¿Puede uno hacer lo que quiera con su vida, hay limitaciones?
- La propaganda política, el voto fácil.
- El juego: la doble cara de la moneda.
- La familia ¿es la base fundamental para la educación?
- Descubriendo el sexo.
- Escribir una lista de cosas que te gusten, o que quisieras realizar.


  La “buena educación” está llena de responsabilidades. Los niños observan, escuchan, perciben de su entorno, aprenden y toman como referencia, como ejemplo, todas aquellas acciones que los adultos llevan a cabo, ya sean positivas o negativas. Y que se verán reflejadas a modo de  resultados y consecuencias en el transcurso de las etapas de crecimiento del niño/a.

"Bob es un buen padre de familia y eso es lo más importante que puede ser un hombre”.
Robert Butch Haynes, A Perfect World.

“Nunca te fíes de la bondad de la gente humilde, Phillip”.
Robert Butch Haynes, A Perfect World.


viernes, 16 de enero de 2015

El discurso del rey

Por M.B.

Sinopsis.

El duque de York se convirtió en rey de Inglaterra con el nombre de Jorge VI (1936-1952), tras la abdicación de su hermano mayor, Eduardo VIII. Su tartamudez, que constituía un gran inconveniente para el ejercicio de sus funciones, lo llevó a buscar la ayuda de Lionel Logue, un experto logopeda que consiguió, empleando una serie de técnicas poco ortodoxas, eliminar este defecto del rey.
La película ha sido reconocida con numerosos galardones destacando sus 4 Oscars en las categorías más relevantes: mejor película, mejor director para Tom Hooper, mejor actor para Colin Firthy el mejor guión para David Seidler.

Posibilidades educativas.

Me parece una película muy pertinente para proyectarla en el aula a alumnos de la ESO o bachillerato, su argumento es sencillo, en él abunda el diálogo y prescinde de elementos tales como violencia, sexo y efectos especiales. No por ello pierde el ritmo narrativo (no por ello debería perderlo), ni deja de ser entre otras considerables cualidades, una película muy divertida.
En primer lugar la película es una herramienta para aprender competencias lingüísticas, concretamente el inglés.
‘El discurso del rey’ está enmarcada en la historia de Inglaterra y Europa. Por este motivo durante el filme se atisba ligeramente la convulsa situación política del momento, así como la lucha de este rey contra la Alemania de Hitler y el inicio de la segunda guerra mundial. Por lo que supone un acercamiento del alumno hacía la historia. Además, Lionel (el logopeda) y sus dos hijos muestran una gran afición a la literatura, de esta forma las alusiones realizadas a figuras de este ámbito de la culturaresultan interesantes en el aula.
No obstante,es en los valores transversales donde veo más posibilidades y lo más interesante de la película en el ámbito educativo. Habría que destacar dos asuntosr elevantes:

  • Capacidad de superación del personaje del Rey Jorge VI. 
  • El sentimiento que se fragua entre los personajes principales: la amistad.

Es necesario matizar que la película trata estos dos temas de manera honesta, solemne, es decir, sin recurrir a sentimentalismos.


El Rey Jorge VI es un hombre de mal carácter a priori, pero que esconde una enorme ternura, ésta última va evidenciándose a la lo largo de la película a medida que crece su amistad con el logopeda. Lionel (el logopeda) va descubriendo sus miedos y lo arrastra inconscientemente hacía un personaje más noble; podríamos decir que el Rey es contagiado por Lionel de su optimismo, de su delicadeza, y lo que esmás importante para él: de la confianza en uno mismo.

"Dígamelo a mí, como a un amigo" 
Lionel, dirigiéndose al Rey. 1:40’


Pero el alumno al que vamos a mostrarle esta película, no solo percibirá la amistad como una cualidad que sirve para ennoblecer las cualidades del rey (al que el logopeda insiste en llamar por su apodo: Bertie) si no que en la película se muestra como una virtud recíproca. Igualmente para Lionel Logue supondrá un reto completamente nuevo, en el que tendrá que construir férreamente el amor propio y la confianza en sí mismo para superarse ahora en su propia batalla

"Gracias Logue, buen trabajo, amigo mio" 
Bertie, diriéngose a Lionel.1:49’

miércoles, 14 de enero de 2015

Trois couleurs: rouge

Por EJGarrot

Trois couleurs: Rouge es una película de 1994 escrita dirigida por el polaco Krzysztof Kieślowski y protagonizada por Irène Jacob, Jean-Louis Trintignant, Jean Pierre Lorit, Frédérique Feder y Samuel Le Bihan.
Rouge ganó el Premio Independent Spirit a la mejor película extranjera en el año 1994 y el Premio Cesar a la mejor música, además de ser candidata a tres premios Óscar; fotografía, director y guión.


La historia de Rouge comienza con Valentine, una joven estudiante que se gana la vida como modelo, salva la vida de una perra atropellada por su propio coche, se la queda y se le escapa, la perra le conduce a su dueño, un juez jubilado que tiene una extraña obsesión: escuchar las conversaciones telefónicas de sus vecinos. Si antes el espionaje telefónico formaba parte de su trabajo en cierto sentido, ahora se ha convertido en un vicio. A Valentine le desagrada la conducta del hombre pero no puede evitar ir a verlo. Este hombre vive solo y de forma insospechada para el espectador, debido a la antipatía que inspira este personaje solitario, resulta que la joven y él se hacen amigos, se acaba descubriendo que tienen cosas importantes en común, por ejemplo, lugares. La película trata varios temas, el más evidente es la casualidad, la coincidencia, los accidentes que acaban por ser positivos en la vida de los protagonistas. Además la película, en cuanto a estilo, cuida muchísimo los detalles, por eso es tan humana, por eso el espectador entra en ese juego de "realidad" fácilmente. A través de la historia principal de los protagonistas, se dan a conocer otras historias relacionándose. Se da ese ejercicio de espectador que observa a otros espectadores que a su vez espían a otros. La perra atropellada que se queda la protagonista hasta que encuentra al juez, se le vuelve a escapar a ella, se mete en una Iglesia y cuando Valentine entra a por ella, la perra sale de la Iglesia en otra dirección hasta que llega a la casa del hombre.

Respecto al contexto educativo, decir que  si deseamos tomar decisiones acertadas y creativas, no basta con educar la parte consciente de nuestra mente, ya el simple hecho de que sea un película, hace que el espectador haga ya de por si un ejercicio de "pensamiento rápido, automático o inconsciente", pero es que además esta película enfatiza la retrospectiva puesto que hay localizaciones que se repiten a lo largo de la película que hace que al espectador le resulte familiar y reflexionen sin necesidad de que el ritmo de la película se ralentice. La protagonista busca a la perra y comprende en un determinado momento, que no la encontrará, al tiempo, cuando la encuentra, resulta ser un imán de atracción entre los dos protagonistas, da para reflexionar sobre si los animales son más justos que los humanos, el espectador juzga al principio al juez igual que lo hace la joven porque éste espía por teléfono, el espectador cree que por esa acción que consideramos "repugnante e ilegal"( de hecho el propio juez lo define así) Valentine ha caído en manos de alguien malo, se trabaja el problema de la concepción del bien y el mal mediante prejuicios de las personas, entre otros temas, este quizás sea el más interesante de trabajar con alumnos de todas las edades, pero sobretodo con adolescentes.


"Tienes la sensación de que la protagonista casi tiene una vida soñada, sabes que estudia pero no sabes el qué, sabes que tiene una madre que le preocupa pero no sabes dónde y sabes que tiene un novio pero no sabes de qué manera ni dónde está(...) El espectador tiene la sensación de ser voyeur(...) El drama no te detiene, la vida sigue." 

Fresa y chocolate

Por MissZero 

"¿Conoces a Oscar Wilde, a Guide, a Lorca...? Pues todos tenían algo en común conmigo. Pero además no solamente ellos, la lista es extensa querido, y ahí aparecen hasta los guerreros más valientes y famosos de la Historia: Alejandro Magno, Hércules, Aquiles en el compromiso de Patroclo...y dicen las malas lenguas, que hasta Hemingway."
           
Fresa y Chocolate es un canto a la amistad por encima de las convenciones. Al valor humano por encima de los ideales y al amor ajeno a los estereotipos.
David, un estudiante de sociología cubano en el apogeo de su sentimiento patrióticamente revolucionario, es abordado por Diego, un artista y marchante homosexual atraído por él. En un juego de tira y afloja entre el rechazo de David y la curiosidad que empieza a sentir por Diego, surge entre ambos una incipiente amistad. Aunque David pretende utilizar a Diego para denunciarlo y demostrar así su buen hacer por el régimen, por encima de los prejuicios se irá forjando entre ellos una relación más profunda que ayudará a ambos a comprenderse más humanamente. A la par, David se adentrará en el mundo amoroso con la vecina de Diego, comprendiendo que, por encima de clichés y estereotipos, prima el valor de las personas.
La película está rodada de forma sencilla, con la casa de Diego como escenario principal, siempre llena de obras de arte. La casa de Diego se convierte para él en un refugio donde guarecerse, donde expandir la sensibilidad y leer todo lo que no puede mostrar fuera, donde guardar las obras que en el exterior se consideran, inquisitorialmente, no aceptables o depravadas. Donde Diego puede ser él mismo, alejado del qué dirán. Algunos exteriores de la Habana, esa Habana tan cautivadora por su pasado colonial como anticuada en sus viejas aspiraciones, la ciudad de las columnas.
Prácticamente toda la película está rodada con planos medios y primeros planos, centra toda la atención en la psicología de los personajes, contraponiéndolos, pues toda la línea argumental está basada en el diálogo. Por un lado David, representante del tipo de persona que teme lo que no conoce, cuyos esquemas sobre el mundo le aportan tranquilidad y cuya noción de normalidad se enraíza en unas cerradas creencias. Frustrado en el amor precisamente por eso, por pensar que las cosas sólo ocurren de una manera concreta. Por otro, Diego, su antítesis, el personaje que no encaja con el mundo que le ha tocado vivir, que viene precisamente a romper los esquemas de David para enseñarle, en el preciso momento de su vida en el que menos parece comprender las relaciones amorosas, que hay un "ser" detrás de lo que "parece ser", que lo que a veces consideramos normal y correcto no tiene por qué serlo para todo el mundo, que en la vida no hay verdades universales ni modos de vivir más correctos que otros. Diego es la representación de aquel que no puede desarrollar sus aspiraciones como le gustaría, que necesita encontrar algo más de lo que la vida le ofrece, tanto para sí mismo como para los demás y que acabará encontrando, paradójicamente en David, al amigo que no encontraba dentro de su pequeño mundo. Una comprensión más profunda que surge desde el abismo de la diferencia.
En la iluminación prevalece la luz natural, la fotografía de interior sí emplea juegos de luces con algún carácter cromático, los movimientos de cámara son muy ligeros, algunas panorámicas siguiendo el movimiento de los personajes y muchas situaciones en las que la cámara permanece fija, haciendo el cambio de plano para enfocar al personaje que habla. La música extradiegética no acompaña a todas las escenas de la película, si no que aparece en algunos momentos para dar más intensidad emocional a la situación.



No es una película de una gran complejidad técnica, pero las interpretaciones son notables y tiene una gran narratividad, creo que es un buen ejemplo de cómo en el cine se puede hacer algo de intensidad argumental y emocional con pocos elementos, algo que para los estudiantes es adecuado si van a contar con pocos medios en sus trabajos. Además, el cine que más consumen hoy en día probablemente sea el de muchos efectos especiales, continuos movimientos de cámara que pretenden dar espectacularidad y argumentos pobres. El problema que conlleva esto respecto a esta película es que al no estar acostumbrados al cine de tanto diálogo, puede que no les resulte dinámica y les aburra, pero de todos modos no es un film especialmente espeso en cuanto argumento y duración, se trata el tema de forma sencilla y directa.

La película es un ejercicio humilde que ha logrado abordar un tema de actualidad en aquella época y en la nuestra, que plantea este problema en Cuba pero que podría plantearse en cualquier país del mundo, siendo la de este país una situación especial en la que se confrontan la lucha política de la isla por la libertad económica del mundo capitalista que la rodea, y una lucha individual de los ciudadanos por sus libertades dentro de ella.  Una paradoja entre personas que pretenden mantener vivo el espíritu de la revolución, pero que a la vez temen enfrentarse a la modernidad con una mirada nueva.
Sin embargo, lo que me interesa para los alumnos, que podrían verla a partir de los quince ó dieciséis años, edad en la que comprendan adecuadamente la realidad social de la película y el tema,  no es tanto el contexto como la situación en sí misma, situación que como digo se daba en nuestros país y se sigue dando a día de hoy aunque parezca que la homosexualidad tiene mucha más visibilidad. De hecho, esa visibilidad es patente, pero continua sin estar completamente libre de estigmas. Y esos estigmas son precisamente creados a partir de las nociones de normalidad, del lenguaje de uso común, de la diferenciación en muchos aspectos de algo que debe estar comprendido y asimilado como parte natural de la vida. A esto se une la abundancia de alumnos de algunas culturas en los centros educativos, en las cuales la homosexualidad está aún más estigmatizada. No creo que con el trabajo sobre la película se trate de imponer a los alumnos que acepten algo como bueno y punto, pero al menos que les ayude a reflexionar sobre ello.
Unido a esto, la situación psicológica de la adolescencia, de profundo cambio, de descubrimiento de la orientación sexual, de los primeros pasos en las relaciones sentimentales y por tanto, de inquietudes respecto a estos temas, la convierten en una película propicia para generar debate en clase, para que los alumnos se planteen un tipo de relaciones con mujeres y hombres basadas en un mayor nivel de comprensión, porque muchas veces las relaciones que se plantean a través del medio audiovisual, sobre todo en los programas televisivos y las películas de la industria del espectáculo son, cuanto menos, muy superficiales.
Siendo, quizá, unos fines difíciles de conseguir hasta el punto que nos gustaría, es, al menos, un primer paso. 

martes, 13 de enero de 2015

Gran Torino

Por Irpe


“¿Quieres saber lo que se siente al matar a un hombre? Pues algo horrible, maldita sea. Lo único peor es que te den una medalla de valor para matar a un pobre crio que lo único que quería era rendirse. “

Walt Kowalski (Clint Eastwood) es un anciano grosero debido a su participación en la guerra de Corea (1950-1953), obrero jubilado del sector del automóvil que ha enviudado recientemente. Desde entonces su única pasión es cuidar un coche Gran Torino de 1972. Es un hombre inflexible y testarudo, al que le cuesta trabajo asimilar la llegada de sus nuevos vecinos coreanos. Sin embargo, las circunstancias harán que se vea obligado a replantearse sus ideas.


Es un film sencillo y lineal en su construcción formal, a pesar de su sencillezargumental se pueden sacar muchos valores y debates ; violencia, respeto, multiculturalidad, inmigración y presión de grupo.
Como primera lectura el film es un alegato contra los prejuicios racistas y la amistad. El diálogo testarudo y cariñoso del personaje de Clint Eastwood permite un acercamiento al público que nos permite comprender cómo las circunstancias conforman el carácter de las personas;  En este caso tanto los emigrantes como Walt (el propio personaje de Clint Eastwood) son “víctimas” de los contextos sociales y económicos de un momento determinado. Uno de ellos por haber participado en una guerra habiendo matado y sin perdonárselo de por vida, y otros por intentar vivir en paz siendo aceptados en un nuevo lugar.
Es una película que se acerca mucho a nuestra realidad actual debido al incremento de personas que se ven obligadas a cambiar de residencia y establecerse en un lugar diferente lejos de su cultura y su familia. Lo que puede suponer un problema si no se lleva a cabo un esfuerzo de integración e intercambio cultural. Es importante destacar el respeto y la tolerancia con otras culturas, un tema bastante acorde con las circunstancias que estamos viviendo ahora mismo…
En este caso podríamos hablar de la guerra de Corea y la etnia hmong que aparece en la película. Una antigua aliada estadounidense en la Guerra de Vietnam. Miles de hmongs fueron pagados por EEUU por asociarse a la CIA y luchar contra el comunismo en la conocida “Guerra Secreta de Laos”. Tras la derrota y expulsión estadounidense fueron perseguidos y discriminados en sus países de procedencia al ser vistos como traidores.
Este tema además de introducirles en historia nos permite acercarles a un debate crítico. Por otro lado, la película tiene una doble lectura pues si nos paramos a analizar el contenido y lenguaje interno podemos descifrar cantidad de mensajes americanos envueltos en esa apariencia de seguridad y modelo patriótico.Clint Eastwood encarna el papel de héroe; de héroe americano, él es el que dará seguridad a la nueva cultura que se incorpora en el barrio y por la que se sacrificará. A su vez la conversación que mantiene la hermana de Thao con Walt también induce a la reflexión;

Sue: Ojalá nuestro padre se hubiera parecido a ti. […] Fue muy duro con nosotros, era muy tradicional, realmente de la vieja escuela.
Walt: Yo también soy de la vieja escuela
Sue: Sí…pero tú eres americano…


Para ser una película de no muy alto presupuesto ha demostrado tener los elementos claves para ser buena; Sencillez argumental, buen guión y buen ritmo. El lenguaje es sencillo y cómico en determinadas partes por lo que es cercano al público adolescente. Tiene una cuidada y clásica fotografía y muy buenas interpretaciones con Clint Eastwood de cabeza. Obtuvo una nominación a los Globo de Oro a la mejor canción yel premio César a mejor película extranjera.

Eduardo Manostijeras (1990)

O Edward Scissorhands como título original es una película dirigida por Tim Burton, director de otros largometrajes como Pesadilla antes de Navidad, La novia cadáver o Charlie y la fábrica de chocolate entre otras.
Tuvo una nominación al Óscar en la categoría de mejor maquillaje y otras cuatro al mejor diseño de producción en los premios BAFTA.



Sinopsis
Todo comienza con una nevada y la conversación de una abuela llamada Kim y su nieta, quién realiza la pregunta de el porqué de la nieve, así que ella empieza a explicarlo.
La historia transcurre en un pueblo de Florida custodiado por un gran castillo, donde al entrar una intrépida mujer vendiendo sus productos de maquillaje conoció a Edward, un chico solitario e inocente quién había sido creado aunque inacabado por el hombre que vivía allí, pues tenía una particularidad, tijeras en lugar de manos.
Ella al ver que era inofensivo lo llevó a su casa y se dispuso a tratarlo como a uno más de la familia.
Edward era un chico diferente al resto, incomprendido, muy tímido, con un aire gótico y ropas negras de látex y cuero.
Todo el vecindario siente curiosidad por conocerlo, y todos se aprovechan de sus habilidades e inocencia haciéndole podar sus jardines, cortarles el pelo, muñecos de hielo etc.
En el ámbito familiar, la hija de la mujer que lo acogió, Kim, no se sintió cómoda a su lado desde un principio, quién lo rechazaba por su aspecto, sin pararse a conocer su interior.
La relación de ambos, va estrechándose a medida que avanza el relato, por lo que Jim el novio de Kim empieza a sentir increíbles celos hacia Edward queriendo hacerle daño y alejarlo de su chica para siempre.
Tras una serie de malentendidos, entre los que se encuentran un corte en la mano a Kim por un susto que provocó Jim y otro en la mejilla al hermano de ésta para salvarle de un accidente, todos le toman por un peligro.
Todos lo persiguen, incluido Jim, así que Edward huye de nuevo al castillo de donde procedía buscando refugio.
Jim lo alcanza y comienza a golpearlo sin recibir respuesta, por lo que Kim lo defiende siendo herida. Edward reacciona como protector, matando al chico.
Finalmente Kim proclama la muerte de ambos, salvando así a Edward de las masas.
Él queda atrapado en el castillo, que al estar en lo alto del pueblo, cada vez que esculpe con sus tijeras estatuas de hielo hace caer la nieve sobre ellos.

¿Por qué esta película?

Este largometraje sacado de un dibujo de la adolescencia del propio Tim Burton puede ser usado como un buen material didáctico ya que se trata de una película amena con la que alumnos puedan sentirse identificados gracias a sus diferentes estéticas, mezclando lo gótico con lo elegante o lo oscuro con lo colorido creando vínculos con diferentes gustos y preferencias.
Los chicos no se aburrirían y prestarían la suficiente atención, siendo ésta apta para todos los públicos.
Contiene la posibilidad de en su lengua original el inglés, por lo que sería útil tanto para colegios bilingües como para los que no.
Se hablaría sobre el arte y el don del protagonista de crear figuras fantásticas a partir de arbustos y bloques de hielo, haciendo que valorasen diferentes aspectos artísticos dando pie a hablar sobre todo tipo de creaciones.
Al terminar la película me gustaría que reflexionasen sobre ella y lo que quiere expresar. El pensar en cómo tratamos a los demás y si nos guiamos demasiado por una fachada en vez de pararnos a indagar y descubrir que hay dentro de los demás. Ser conscientes de si juzgamos demasiado rápido y si debemos dar segundas oportunidades.

Babel

Por Mariam GM

Babel es una película del 2006 dirigida por el mejicano Alejandro González Iñárritu, cuyo guión original pertenece a Guillermo Arraiga Jordán, escritor, productor y director cinematográfico mejicano, y protagonizada por Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael García Bernal, Adriana Barraza y Koji Yakusho.
Babel ganó el Globo de oro a la mejor película dramática en el año 2007 y fue candidata a siete premios Óscar, entre ellos mejor película y mejor director, aunque finalmente sólo consiguió el premio en la categoría de mejor banda sonora.


La historia de Babel comienza con dos niños marroquíes que están probando el rifle de su padre y disparan a una turista norteamericana que va en un autobús. Este hecho causa una serie de sucesos en tres partes del mundo diferentes: Marruecos, donde se encuentran los turistas norteamericanos de vacaciones; Japón, donde encontramos la historia de una adolescente sordomuda que vive en Tokio cuya historia está relacionada con el hecho de marruecos ya que su padre fue quien vendió el rifle a un marroquí; y Méjico, lugar de procedencia de la niñera de los hijos de los turistas que se encuentran en Marruecos. Entonces la historia se centra en tres conjuntos interrelacionados de situaciones y personajes, y muchos acontecimientos se revelan fuera de secuencia.
Respecto al contexto educativo, decir que el mito de la torre de Babel es un mito judeocristiano que da explicación a la proliferación de las diferentes lenguas a lo largo del mundo. Antes todos los hombres hablaban un mismo idioma  y querían construir una torre para llegar al cielo; Yaveh, para evitar que los hombres llevaran a cabo todo lo que se propusiesen descendió y confundió el lenguaje de los hombres, para que no se entendiesen los unos con los otros y los dispersó por toda la superficie de la tierra. Por ello a la torre se le llamó Babel, que significa lugar o situación de confusión y desorden. Y este mito da nombre a la película, ya que trata entre otras cosas de la imposibilidad o los problemas de comunicación al hablar diferentes idiomas o al ser sordomudo. El lema es "si quieres ser entendido, escucha".
La película también nos muestra sobre todo las diferencias culturales, políticas, económicas y sociales de cuatro países muy desiguales, Estados Unidos, Marruecos, Japón y Méjico. Se puede hacer ver al estudiante como nos afecta la globalización, las relaciones y la incomunicación personal, el aislamiento por la diferencia de cultura, los prejuicios y la tecnología en la sociedad en la que vivimos.


"Lo mejor de Babel fue que empecé rodando una película acerca de las diferencias que separan a los seres humanos, las barreras físicas y el idioma, pero en el camino me di cuenta de que estaba haciendo una película acerca de lo que nos une, el amor y el dolor. Es muy posible que lo que hace feliz a un marroquí y a un japonés sea muy diferente, pero lo que nos hace sentir mal es lo mismo para todos." 
(González Inárritu, 2007)

West Side Story

Por AC

Dos bandas rivales se enfrentan en las calles de una gran ciudad. Los miembros de cada una de ellas responden a un perfil social muy distinto, determinado por su raza, su procedencia, su situación económica y las posibilidades de progreso de las que parten. Aún así, ambas deben convivir en un mismo espacio físico, algo que no siempre es sencillo. El marco para este conflicto podría ser cualquier lugar en el mundo en cualquier época, ya que forma parte de los problemas que casi todas las sociedades han enfrentado en algún momento con más o menos dificultades. Esto se hace especialmente visible en el caso de las grandes ciudades en momentos de crecimiento económico, cuando grandes oleadas de inmigración llegan de todas partes buscando una vida mejor. La coexistencia de “los que ya estaban allí” con los nuevos habitantes es, en ocasiones, conflictiva. Unos reclaman su derecho a buscar una vida mejor,  otros “su derecho a proteger lo que es suyo frente a los recién llegados, que tratan de robárselo”. Aparentemente son tantas las diferencias entre unos y otros, y tan grande el desconocimiento y el miedo a lo ajeno, que terminan creándose guetos en los que cada “tribu” lleva una existencia paralela a la de al lado, totalmente ajenas unas de otras, y que rara vez se tocan. Pero es en estos momentos excepcionales, cuando ambas se encuentran frente a frente por casualidad, cuando una pequeña mecha puede provocar que esa paz aparente salte por los aires y salga a la superficie el odio y el recelo al diferente con imprevisibles consecuencias.
Ésta es la historia que cuenta West Side Story. La película está basada en el musical del mismo nombre estrenado en Broadway en 1957. Se trataba de una adaptación contemporánea de la obra Romeo y Julieta de Shakespeare, en el Nueva York de los años 50. Dirigida por el coreógrafo Jerome Robbins con música de Leonard Bernstein, tuvo un enorme éxito y supuso una revolución en el mundo del teatro. Fue tal su popularidad que en 1961 se llevó a la gran pantalla dirigida por el mismo Robbins, junto a Robert Wise -director de cine que posteriormente rodaría Sonrisas y Lágrimas. Entre los actores estaban Natalie Wood, (María), Richard Beymer (Tony) como coprotagonistas, Rita Moreno, George Chakiris y Russ Tamblyn entre otros. Fue ganadora de diez óscars y ha permanecido como uno de los mejores musicales de la historia.

Su uso docente podría ser interesante tanto por su contenido como por el empleo de abundantes recursos cinematográficos y su atractiva puesta en escena. En lo referente a la temática, actualmente los conflictos sociales derivados de las diferencias culturales, raciales, económicas o religiosas siguen, desgraciadamente, estando muy presentes. La creciente radicalización de algunos movimientos y el auge de partidos políticos y asociaciones con discursos xenófobos como consecuencia, hacen imprescindible reflexionar sobre estas cuestiones en el aula. A mayor información, mayor conocimiento, y a mayor conocimiento, mayor aceptación del otro. Los alumnos han de comprender que la violencia, finalmente, no sirve de nada; que las diferencias, en lugar de ser un obstáculo, nos enriquecen; y que la convivencia pacífica es necesaria y beneficiosa para todos. Todo esto es lo que trata de decirnos West Side Story. Además al tratarse de otro contexto -otro lugar, otra época- y observar el conflicto desde fuera, puede resultarles más sencillo hacer un análisis objetivo y extraer conclusiones que al mismo tiempo son atemporales, y por tanto, igualmente válidas hoy en día.


Por otro lado, el lenguaje cinematográfico y los recursos empleados son muy ricos por lo que su visionado podría ser útil para introducir en el aula ciertos conocimientos sobre medios audiovisuales y cine. Desde el famoso inicio con planos cenitales que van desvelándonos poco a poco el lugar donde transcurre la acción, (una gran ciudad, un barrio, una pista de baloncesto que podría ser cualquiera), el empleo de fundidos para pasar de la realidad al interior de los personajes, hasta el magistral uso del color, la música y el movimiento como un elemento narrativo más.


Para terminar, como ya he dicho, creo que a los alumnos podría gustarles ya que su puesta en escena es magnífica. Seis de los diez óscars que ganó corresponden a: mejor dirección artística, mejor música, mejor fotografía, mejor sonido, mejor vestuario, y mejor montaje.  Destacan especialmente sus números musicales, algunos de ellos tan famosos que ya forman parte de la cultura popular, como America, ó el del gimnasio, en mi opinión el mejor de la película (https://www.youtube.com/watch?v=DDsKxjHQUeA). La banda sonora de Leonard Bernstein, con un gran despliegue orquestal, muy innovadora en su día y una de las más famosas de la historia del cine, la convierte en un instrumento muy útil para la asignatura de música.
Se trata, pues, de un clásico del cine que los alumnos no pueden dejar de conocer, y del que pueden extraer numerosas conclusiones sobre la importancia de la convivencia social y la inutilidad de la violencia, mientras disfrutan de todo un espectáculo visual, sonoro, técnico y cinematográfico.

lunes, 12 de enero de 2015

Into the Wild. Un viaje hacia el autoconocimiento

Por Anamor


“Camina dos años por la tierra. Sin teléfono, sin piscina, sin mascotas, sin cigarrillos. Libertad absoluta. Un extremista. Un viajero de lo estético cuyo hogar es el camino. Y ahora después de dos años de caminata, llega la aventura final y más grande. La batalla culminante para matar al falso ser interno y concluir victorioso la revolución espiritual. Sin estar ya más envenenado por la civilización el huye, y camina solo por la tierra para perderse en la naturaleza.” 
Alexander Supertramp Mayo de 1992.

Introducción

Esta es una película para todos y de todos, o eso es lo que pretendía Sean Penn, en su cuarta obra cinematográfica como director. Penn tardó 10 años en adquirir los derechos para el rodaje de esta cinta, buscando la aprobación de toda la familia McCandless antes de escribir el guión. La adaptación cinematográfica se fundamenta en la novela y el título de la obra homónima, escrita por Jon Krakauer en 1996, basada en la historia real de Christopher McCandless.
En la revisión del guión Sean Penn contó con la colaboración de Carine, hermana de Chris y las anotaciones en forma de un diario de Chris McCandless durante su viaje.

Roger Ebert, el crítico de cine, escribió en un artículo del Chicago Sun-Times diciendo que la película reflejaba el nexo íntimo del director con el personaje. Sean Penn, conocido rebelde y activista político solía vivir la realidad en directo. Así lo confirma también John Lahr que en una entrevista en The New Yorker utilizó las palabras de Dennis Hopper para decir que “Sean’s an investigative reporter of his emotional life and our world, […]” Sean goes to the middle of the hurricane. He’s not taking a secondhand opinion.[…]” (Lahr, J., 2006) *  De modo que se podría decir que esta película se convirtió en un testimonio personal de su director.
Fue capaz de ponerse en la piel del protagonista para comunicar lo que realmente pasó, aunque es posible que quedara algún enigma por resolver.

Voy a citar algunas preguntas que se plantea el escritor Julio R. Chico: ¿Quién no ha sentido alguna vez la imperiosa necesidad de liberarse de las ataduras de lo material, huir de todo un sistema social lleno de reglas y compromisos, para estar a solas con la naturaleza? ¿Quién no ha deseado tener aventuras y experiencias nuevas que sirvan para medir sus capacidades físicas e intelectuales?
Este chico podría haber sido cualquiera de nosotros, a pesar de que en su rebeldía faltaba una buena dosis de sentido común. El aprendizaje de cada ser humano pasa por una serie de fases que bien podrían compararse con distintos caminos. La vida, al igual que lo desconocido, está lleno de rutas que reflejan el crecimiento de la persona según cómo se adapte a éstas. Porque no todo el mundo adquiere las mismas lecciones y la misma experiencia recorriendo el mismo camino. Como es normal, durante el trayecto será necesario hacer paradas obligatorias, como lo son la decepción, la ilusión, la esperanza o la incertidumbre extrema. Todo ello conduce a la madurez.

There is a pleasure in the pathless Woods;
There is a rapture on the lonely shore;
There is society, where none intrudes;
By the deep sea, and music in its roar:
I love not man less, but Nature more…
- Lord Byron

Hay placer en los bosques sin hollar;
Hay éxtasis en las costas salvajes;
Hay sociedad donde nadie se inmiscuye;
Junto al hondo mar y música en su rugir:
No amo menos al hombre, sino más a la naturaleza…

Posibles planteamientos didácticos.

La cita inicial de Lord Byron en la película nos introduce al siglo XIX (el Romanticismo) con las eternas luchas del hombre por sus ideales de libertad. Su trama ofrece el marco perfecto para estudiarla y discutirla en clase, tocando de lleno la crisis de identidad que sufren los adolescentes con sus ansias de libertad. Además abarca la literatura, la conducta social-emocional, la ética moral y la responsabilidad individual. También se inscribe el campo de la psicología, la filosofía y la eterna búsqueda de la felicidad del hombre. Lo que en un primer instante parece una aventura se convierte en un mosaico de todas las etapas por las que pasa el individuo hasta su madurez.
El joven Chris McCandless adquirió la experiencia de toda una vida en dos años. Emile Hirsch, el actor elegido por Penn, para encarnar a Chris tuvo que perder 18 kg nada más empezar el rodaje y tras 8 meses en condiciones extremas llegó a comprender la transformación psicológica y física por la que pasó el protagonista. La narración casi documental y literaria de unos hechos reales se ofrece en un tono lo suficientemente serio para invitar a los adolescentes de 2º de Bachillerato a la reflexión, edad en la que deben decidir sobre su futuro profesional y/o académico. El cine es otro instrumento didáctico más. No es solo entretenimiento sino un medio de comunicación eficaz por su gran poder de impacto visual. En concreto esta película de culto es objeto de estudio en muchos colegios tanto en España como en Estados Unidos.
Quizás muchas personas lleguen a identificarse con el personaje, como me pasó a mí, recordando esta fase de la adolescencia. Desde luego el destino de este chico no le deja indiferente a nadie. En mi opinión, más que querer imitar la rebeldía de éste, el efecto que produce esta cinta con un marcado carácter filosófico es el de crear conciencia. La película establece una buena base para debatir las actuaciones de Chris McCandless, investigar el detonante de sus decisiones y las consecuencias de sus errores.
Estimula además la actitud crítica hacia una sociedad fría y complicada y la vida moderna que llevamos, sin olvidar que formamos parte de ella y que la necesitamos. Desde mi punto de vista el resultado de esta huida y el análisis de la vida de este aventurero laza una advertencia a los jóvenes de que el idealismo y la obstinación no son suficiente bagaje para sobrevivir.
Nuestro mundo se mueve a una velocidad vertiginosa y la falta de diálogo entre padres e hijos está a la orden del día. Se producen malentendidos, distanciamientos y los chicos se guardan muchas cosas que a veces no confiesan ni siquiera a sus amigos más íntimos. La vergüenza y la inseguridad forman parte del mapa de sus complejos, desoyendo cualquier consejo. Pero el triste final de Chris les confronta con la realidad y cómo la naturaleza puede convertirse en un enemigo hostil, algo no calculado por el protagonista.

Para fomentar un diálogo constructivo en clase se puede comenzar a formular una serie de preguntas, como por ejemplo:

¿Qué relación tenía Chris con la naturaleza y con la civilización?
¿Qué relación tenía el protagonista con sus padres y su hermana?
¿Qué lecciones aprendió durante su viaje?
¿Por qué rechazó el amor?
¿Qué errores cometió?
¿Por qué se marcho?
¿Habría sido posible otra solución a su conflicto interno? ¿Cuál?
Esta última se presta para introducir a los alumnos al psicoanálisis y la filosofía por si les interesa el tema, facilitándoles la bibliografía específica para ello. Asimismo sería conveniente la lectura de la novela que dio luz a esta película y que es bastante más detallada en su descripción de los hechos que la película.

La historia real de este romántico idealista, arrogante y de una gran calidad humana puede ayudar a formar carácter para sobrevivir en el mundo de hoy. Las palabras de Orange lo confirman: “It’s about somebody who had a will that is so uncommon today, a lack of addiction to comfort, that is so uncommon and is so necessary to become common, or humankind doesn’t survive the next century.”** (Orange, A., 2007)
La trama refleja un comportamiento adolescente con una rebeldía desmesurada a causa de sentimientos reprimidos. Sin embargo es admirable la valentía, el coraje al emprender el éxodo y su capacidad para adaptarse a las carencias de manera asombrosa. Algo no tan natural en las civilizaciones modernas donde los jóvenes, sobreprotegidos, bastante egoístas, quieren independizarse con todas las comodidades y con poco espíritu de sacrificio.
Para aumentar la capacidad de observación crítica y autónoma es deseable hacer un análisis detallado del film dónde los estudiantes deberían elegir escenas claves para hacer sus observaciones por escrito para profundizar en el aprendizaje.

Análisis cinematográfico.

Tras graduarse en la Universidad de Emory en Atlanta, el joven de 24 años de edad dona una gran suma a una ONG (Oxfarm) y decide declarar su independencia ante una familia atónita para emprender un viaje con destino a Alaska, dando la espalda a una civilización conformista, y también a un panorama familiar conflictivo. Provisto de su nueva identidad “Alexander Supertramp” se cruza con varios personajes en su camino que le aportan valiosas experiencias, hasta que un conjunto de errores y circunstancias fatales cambiaron su destino.

"Voy a parafrasear a Thoreau: más que amor, que dinero, que fe, que fama, que justicia... dame VERDAD.”
En sus encuentros con estos compañeros de viaje se adentra en la cultura hippie, descubre sentimientos por la novia que nunca tuvo y la vida que podría haber tenido, y se sumerge en diversas relaciones tan diferentes de las que compartía él con su familia.  Entre los personajes Penn consigue transmitir los sentimientos de un típico lobo estepario, mayor, solo, centrado en sí mismo, magníficamente interpretado por el actor Hal Holbrook, que alterna su carácter solitario con sus ganas por conocer.

“Si admitimos que la vida humana puede ser gobernada por la razón, entonces se destruye toda posibilidad de vida.”
La primera impresión que capta el espectador es la de una persona totalmente transgresora de todo orden establecido. Pero analizando a fondo su personalidad, se trata de un adolescente con una herida sangrante desde la infancia. Castiga a sus padres con el silencio y no les informa de su paradero durante toda su huida, un acto bastante cruel por su parte.
En su viaje le acompañan sus libros favoritos de L.Tolstoy, Jack London y H.D.Thoreau y algunos sobre plantas autóctonas, un nexo a la civilización. Al tener claro sus ideales se muestra firme en su propósito a pesar de los muchos tropiezos que sufre. Es bien sabido que la voluntad mueve montañas y a veces no es cuestión de aptitud sino de actitud para lograr llegar a la meta. Christopher intenta descubrir el verdadero ser, dentro de una naturaleza salvaje. Su capacidad para soñar, imaginar, crear y pensar al límite lo transforma en acción.
La nueva vida de Chris se desarrolla en varios capítulos, empezando con su nacimiento para seguir con la adolescencia, la madurez y finalmente con el encuentro de su sabiduría.
La primera toma comienza con un sueño de la madre que genera mucha expectativa y que posee una fuerte similitud gráfica con el final de la película.
En el manejo del tiempo se puede decir que la película se inicia en el presente con el hallazgo del autobús mágico, su refugio en el parque. No posee una estructura de principio y desarrollo final, sino que hace saltos temporales en el tiempo por medio de flashbacks, atrapando al espectador con un factor de incertidumbre. El ritmo es algo lento y la duración de las tomas son largas. Destaca el fuerte contraste y el aprovechamiento de la luz natural en la grabación de los paisajes naturales de Alaska con una impresionante fotografía que recuerdan el estilo de Terence Malick en El árbol de la vida.
El color dominante en la película es el blanco que nos habla de un nuevo comienzo junto a los tonos azules que indican la profundidad de su imaginación, sus sueños, la lejanía y el frío. También este tono azul grisáceo es utilizado para situarnos en momentos de recuerdos temporales anteriores o de una fuerte carga emocional. En algunas escenas la luz adquiere un carácter simbólico como la hoguera encendida nada más llegar a Alaska, en fuerte contraste con el entorno nevado, evidenciando la búsqueda de calidez de la que carece en ese instante. Cada vez que Chris se encuentra en pleno contacto con la naturaleza es iluminado a contraluz, que le hace aparecer con una luz divina. Al contrario se observa lo inhóspito al llegar a la civilización con luces difuminadas, distorsionadas.
La condición de trotamundos o nomadismo (como lo llama Michel Maffesoli) con la mochila a cuestas en un paisaje árido, haciendo autostop, torna la película en una especie de road movie que no solo se refiere al estado interior del personaje.
Haciendo un paréntesis, aunque no es la misma situación, hay que mencionar la cantidad de jóvenes que se han visto obligados a dejar su país en busca de un porvenir que la sociedad no les proporciona. También se lanzan a una aventura con la esperanza de poder volver, con trabajos ocasionales, sin convencionalismos, ni lazos culturales. Según se quiere llamar es la huida de un sistema que desemboca en una odisea de supervivencia para muchos causada por políticas laborales erróneas.
Retomando el análisis de la película y el constante enfoque de la carretera se puede decir que la señalización a modo de relación gráfica está presente en todo momento. Nos sitúa tanto en lugar como tiempo correctos, en forma de narración documental, ayudada por la voz en off del protagonista, reforzada por las citas literarias. El Stop marca un símbolo de cambio así como el cruzar las vías de la carretera y la curva del tren que lleva a Chris a su destino final, Alaska.
En toda la película el sonido está sincronizado con las tomas. Dentro de los no diegéticos la banda sonora de Eddie Vedder con una lírica bien elegida, intensifica la belleza de las imágenes y las acciones del personaje. Al mismo tiempo la voz en off narrada por su hermana Carine nos hace comprender la estrecha relación que mantuvo con ella.

“La fragilidad del cristal no implica debilidad, sino calidad”
Penn no dudó en ponerse la cámara al hombro para filmar algunas escenas así como montar en un kayak río abajo para darle ejemplo al joven actor Emile Hirsch.
En algunas tomas destaca el manejo movido de la cámara como si fuese una grabación casera, sobre todo las que aluden al recuerdo con su familia. El plano medio de su mirada en el espejo retrovisor de un camión alude a la búsqueda interior y el encuentro con el Yo ideal e implacable como lo llama Freud.
Existe un juego bastante dinámico de todos los encuadres, que ayuda a contemplar los escenarios naturales desde distintos puntos de vista. El uso de ángulos en contrapicado demuestra la superioridad de un personaje como se muestra en el momento de encuentro con su padre en el restaurante. La toma de un gran plano cenital de Chris bañándose desnudo en un río alude a esta libertad conquistada para ser interrumpida de golpe por un plano nadir que enfoca las vías y el tránsito veloz de un tren, ese regreso arrollador a la sociedad. Tampoco faltan los primeros planos que captan las emociones de Chris y un gran angular que muestra ciertas imágenes desenfocadas.
Otro plano detalle se dirige a los pies del caminante y el trayecto andado que no se produce en línea recta, sino en curvas como los meandros de los ríos, sorteando obstáculos. Varios objetos adquieren otro significado como la mochila, el contenedor de sus sueños, la libreta de anotaciones, sus libros que le mantienen en contacto con sus ideales dentro de esa soledad y la falta de calcetines, al igual que su padre revela por más que intenta negar el vínculo paterno.

“He decidido que voy a vivir esta vida algún tiempo.”
El autobús mágico aparece como otro protagonista más. Para el rodaje Penn no quiso utilizar el autobús original de Fairbanks así que hizo una réplica. El original se encuentra en el Parque Nacional de Denali en Alaska cerca de un pueblo llamado Healy que hoy constituye una especie de lugar de peregrinaje para aventureros que rinden homenaje a Chris McCandless.
Para el protagonista este vehículo se convirtió en su casa refugio durante los 113 días de su supervivencia, con escaso equipamiento en un paraje absolutamente salvaje. Un lugar de tránsito como ese autobús en plena naturaleza resultó ser un no lugar. Las últimas palabras escritas por Chris muestran la sabiduría alcanzada tan trágicamente: “La felicidad solo es real cuando es compartida”. Tesis ratificada por las palabras del antropólogo francés Marc Augé que: “toda representación del individuo es necesariamente una representación del vínculo social que le es consustancial” ( Augé, M., 1992, p. 25)
Sean Penn explicaba al periodista que

“ The way that Walt McCandless described his son to me was that Chris didn’t want to burn down the building, he just dismissed it. […] Chris was a young man who, way ahead of his time, knew who he was and just had to find a place that would accept him. Once he did that, he would have the muscles to offer something back to a community, to a family, to a woman, to whomever. It was always on that basis that I approached him.( Orange, A., 2007) ***


Notas

* Traducción propia: “ Sean es un reportero de investigación, de su vida emocional y de nuestro mundo,
 […]. Sean se mete en el centro del huracán. No se basa en opiniones de segunda mano.

 ** Traducción propia: “Se trata de alguien quien tenía un coraje tan inusual, una falta de adicción al confort, que no es normal hoy en día y algo que es absolutamente necesario que se convierta en un hábito, o la humanidad  no podrá sobrevivir el próximo siglo”

***Traducción  propia: La manera en que Walt McCandless me describía su hijo era la de que Chris no quería quemar la casa, solo olvidarse de ella.[…] Chris era un hombre joven muy adelantado para su tiempo que supo quién era y sólo  necesitaba encontrar un lugar que le aceptara. Una vez  hecho esto, hubiera tenido el coraje de ofrecer algo a la comunidad, a una familia, a una mujer, o a cualquiera. Siempre me he acercado a él con este pensamiento.


REFERENCIAS

AUGÉ,M.(1992) Los no lugares. Espacios del anonimato. Una antropología de la Sobremodernidad. Barcelona: Gedisa.
BYRON, L. (1812-1818) Child Roland’s Pilgrimage. Poema. Canto IV, Verso 178. Obtenido de: http://www.gutenberg.org/files/5131/5131-h/5131-h.htm#link2H_4_0006
CHICO,J. R. (2008)  Blog: La mirada de Ulises. Obtenido de: http://www.miradadeulises.com/2008/11/hacia-rutas-salvajes-en-el-magico-autobus-del-idealismo/
COURIC, K. (2007, October, 9) Entrevista. Eye to Eye with Director Sean Penn CBS News Obtenido de: http://youtu.be/AxZShqiTEpo
FREUD, S.(1970) El malestar en la cultura y otros ensayos. Madrid: Alianza Editorial, S.A.
JUNG, C.G.(1995) Título original: Man and his symbols. Traducción: El hombre y sus símbolos. Buenos Aires: Ed. Paidós, SAICF.
KRAKAUER, J.(1996)  Título original: Into the wild. Traducción: Hacia rutas salvajes. Barcelona: Ed. B.S.A. (2008)
LAHR, J. (2006, April 3 ) Entrevista. Artículo: Citizen Penn. The many missions of Sean Penn. New York: The New Yorker. Obtenido de: http://www.newyorker.com/magazine/2006/04/03/citizen-penn
LONDON, J. (2007) To build a fire and other stories. . New York: Batam Classic Edition by Batam Dell.
MAFFESOLI, M. (2004) Título original: Du Nomadisme. Vagabondages initiatiques. Traducción: El nomadismo. Vagabundeos iniciáticos. México, D.F.: Fondo de Cultura Económica.
ORANGE, A. ( 2007, September 20) Entrevista: Sean Penn and Eddie Vedder Go Into the Wild The duo head to Alaska for their Chris McCandless biopic. Las Vegas: MovieWeb WATCHR Media, Inc. Obtenido de: http://www.movieweb.com/sean-penn-and-eddie-vedder-go-into-the-wild
THOREAU, D.H. (2009) Walden. Madrid: Cátedra. Letras Universales.
TOLSTOI, L. (2009) Título original ruso: Smert Ivana Illicha. Traducción directa al español del ruso: La muerte de Ivan Ilich. (1828-1910)  Madrid: Alianza.

http://www.filmaffinity.com/en/film966177.html