miércoles, 9 de diciembre de 2015

La joven de la perla

Por Ana María García Salcedo

Sinopsis

Se trata de una película ambientada en la ciudad de Delft, Holanda, en 1665, donde vivía por aquel entonces el reconocido pintor Johannes Vermeer, junto con su mujer y sus hijas. Sin embargo, la protagonista de esta historia es una joven criada llamada Griet que entra a servir en la casa del pintor.
Vermeer va descubriendo poco a poco en ella grandes dotes para percibir la luz y el color. Comienza a observarla, a veces de forma directa, mientras ella mezcla los colores en la paleta, y otras escondido desde el umbral de la puerta mientras la joven limpia o se coloca la cofia. Analiza con cautela su figura enriquecida por la luz que impacta sobre ella al limpiar las ventanas, comienza a percatarse de cada mirada curiosa y pensativa que  Griet dirige tanto a sus cuadros como a los instrumentos de su estudio, y se deja sorprender por los camuflados consejos que ella le deja caer, hasta el punto de permitirla decidir sobre su obra.
Griet ve cosas imperceptibles para muchos otros como, por ejemplo, que las nubes no son blancas, sino que tienen colores. Vermeer se da cuenta de ello, y quiere introducirla en el mundo de su pintura en un lento proceso lleno de momentos a solas en los que la sensualidad de la joven criada fascina al pintor de tal forma, que este tendrá la apremiante necesidad de plasmarla en uno de sus lienzos.
“Creo que estaba profundamente seducido por la figura femenina, por esa mirada tan juvenil y viva de la joven de la perla. Le pasaba también a Rembrandt, aunque su concepción de la mujer es distinta.” Valeriano Bozal en Johannes Vermeer de Delft, 2002.

Análisis

Es una película muy cuidada en cuanto a fotografía y ambientación. Los vestidos de los diferentes personajes y los objetos de la casa del pintor no solo son fieles a la época en la que está ambientada la película, sino que muchos de ellos los encontramos en las pinturas de Vermeer, por ejemplo, su estudio ha sido reproducido igual que lo vemos en sus cuadros: el mobiliario, las ventanas, los colores, la luz.


Por otro lado, es una película repleta de sensualidad. Una sensualidad transmitida al espectador a través de primerísimos planos que hacen partícipe al espectador de la intimidad que los protagonistas comparten: cuando Vermeer muestra a Griet su caja oscura, ambos bajo su tela; el plano medio que se convierte en un primer plano de la joven criada cuando, estupefacta, da unos pasos hacia el frente cuando Vermeer le muestra su retrato; o el momento en el que Vermeer le pone el pendiente que proporcionará al cuadro el equilibro perfecto, seguido de un zoom sobre la imagen de Griet que transformará su figura, que observamos en un plano entero, en la representación fílmica exacta de la pintura de Vermeer, a través de un primer plano de su rostro. Los diferentes recursos técnicos utilizados en este plano: el zoom, la iluminación, la música, la mirada de la joven fija en el espectador, crean tensión e incertidumbre en el espectador.


Por otro lado, la película nos transmite también diversos conocimientos técnicos sobre pintura, concretamente, sobre la pintura de retrato:
Podemos observar en el estudio del pintor los distintos materiales e instrumentos que se utilizaban para pintar en el siglo XVII. Por ejemplo, en una de las escenas, Vermeer le muestra a Griet los diversos materiales de la mesa de su estudio tales como laca rubí, goma arábiga, malaquita, bermellón, aceite de linaza y carbón animal. También le muestra cómo moler las diversas piedras para obtener pigmentos, la posterior mezcla de los mismos, dónde se compraban, cómo se pesaban y se vendían por gramos, etc. Todo ello se nos muestra a través de planos detalle de Vermeer aplicando la pintura sobre el lienzo y de primeros planos de los distintos elementos siendo manejados por las manos de Griet, del pintor o de su lugar de trabajo.


También encontramos aspectos referidos al encaje y la composición. En una secuencia Griet decide apartar una de las sillas que forma parte de la escena que Vermeer está pintando. Cuando este le pregunta por qué ha hecho eso, Griet contesta: “Estaba como atrapada”.



También transmite el mensaje de que un verdadero retrato no consiste en la mera copia de la imagen que se tiene en frente, sino que es necesaria la mirada hacia el interior de la persona retratada, conocer sus más íntimos gestos, observar cómo actúa, sus gustos y pasiones, en definitiva, conocer su alma.
Esto fue lo que Vermeer descubrió junto a la joven ciada cuando, en una de las escenas, esta le dijo que podía ver su interior en el retrato que el pintor había realizado de ella. Momento en el que Vermeer, siguiendo la mirada embelesada de Griet, se giró casi con brusquedad hacia el cuadro para descubrir el fruto de aquella conexión especial que se había establecido entre los dos.
En un intento por hacer ver al espectador la importancia de la representación de lo interior frente a lo exterior en la pintura de retrato, no tenemos una visión completa del cuadro hasta el último plano de la película. En su lugar, cuando Vermeer destapa el cuadro en esta secuencia, el espectador descubre la gran precisión con la que el pintor ha conseguido plasmar el interior de su joven sirvienta, en el expresivo rostro que  nos muestra un primer plano de Griet al dar un par de pasos hacia delante, atraída por  aquella magnífica obra de arte.


Conclusiones

Podemos decir pues, que La joven de la perla es una película con la que, por un lado, podemos realizar un análisis de las técnicas que tiene el audiovisual para causar determinados sentimientos en el espectador. Es interesante detenerse en determinadas secuencias y analizar la intención en el uso de los planos, con qué fin se pasa de uno a otro, la función de la banda sonora en cada momento, la iluminación, etc.
Por otro lado, es de interés también analizar la película en cuanto a los conocimientos que disponemos de la época del Barroco, el modo de proceder a la hora de pintar, materiales, objetos curiosos de la época y comprobar que, efectivamente, la concepción que teníamos previamente todos estos aspectos y, concretamente de Johannes Vermeer y su pintura, se adecúan a lo que vemos en la película.

sábado, 5 de diciembre de 2015

Wiplash

Por Cristina Valencia

Sinopsis

La película narra la historia del joven estudiante de música Andrew Neiman (Miles Teller), que lucha por ascender en su carrera como batería de jazz. Alumno del prestigioso Conservatorio de Música de la Costa Este, considerado el mejor del país, Andrew conseguirá acceder a la banda principal orquestada por Terence Fletcher (J.K. Simmons). El perfeccionista director es conocido por los duros y abusivos métodos de enseñanza con los que persigue sacar el máximo potencial de sus alumnos. El extremismo de dichos métodos, sumados a la obsesión de Andrew por convertirse en uno de los mejores, acabarán llevando al protagonista al límite de su integridad física y moral.


Análisis

El film, dirigido por Damien Chazelle, versa sobre varios temas que, a pesar de no ser originales en este medio, siguen generando controversia y diversidad de opiniones. Wiplash habla de la pasión obsesiva, del sacrificio, de la superación personal y, ante todo, de métodos de enseñanza. ¿Hasta dónde puede o debe llegar alguien para alcanzar su máximo deseo? Esta podría ser una de las preguntas centrales que la película plantea, sin embargo se abren colateralmente otro tanto de cuestiones: ¿el genio nace o se hace?, ¿es necesario sacrificar cuerpo y alma en aras del arte?, ¿debemos seguir en la cultura del esfuerzo pasando por encima de la fragilidad y debilidades humanas?, o ¿realmente...si quieres puedes?
Para ponernos en bandeja todas estas reflexiones, Chazelle se sirve de un guión dinámico cuya narrativa siempre avanza. Partiendo de un suave comienzo, la trama se acelera a través de una sucesión in crescendo de escenas hasta llegar a uno de los momentos climáticos de la película. Tras ese punto la intensidad decrece sutilmente hasta reinventarse en un soberbio desenlace. Austero en efectos especiales, el trabajo de este director pone de manifiesto el triunfo del cómo sobre el qué. La composición de planos, en la que destacan los planos cortos, pone énfasis en los elementos principales del argumento, tales como instrumentos, sudor y sangre. A destacar el manejo de la cámara en escenas como el diálogo visual que se genera entre maestro y alumno en una de las secuencias finales de la película. Partiendo de esta materia prima se elabora el trabajo de montaje de Tom Cross (ganador del Óscar), que consigue imprimir a la película un ritmo adaptado a cada situación, vertiginoso por momentos y calmado cuando es necesario. Mediante secuencias de tiempo justo, se logra mezclar la intensidad musical con la visual en una edición que parece cuadrar con cada golpe de tambor.
Acompañando al eje central sobre el que versa la película, la música, nos encontramos con una magnífica banda sonora gracias a las composiciones de Justin Hurwitz y al tratamiento de sonido por parte de Thomas Curley, Craig Mann y Ben Wilkins, trabajo que otorgó al equipo el Óscar en el 2015. Acorde al ambiente sonoro se nos presenta una atmósfera austera y brumosa, fotografía apoyada por una iluminación baja que enfatiza los instrumentos y a sus intérpretes, y que proporciona una adecuada dimensión al drama en combinación con el desarrollo musical.
Como colofón a todos estos elementos nos encontramos con las magistrales interpretaciones de los dos actores principales, Miles Teller y J.K Simmons, ganador del Óscar al mejor actor de reparto ese año. Ambos trabajos consiguen llevar al espectador por un amplio recorrido de estados emocionales y acompañar a los personajes en su evolución por el juego de dominio, sumisión y humillación que  plantea la película. Frente a la veraz representación de la tiranía y el poder que encarna Simmons encontramos el extraordinario trabajo del actor protagonista, que se desdobla a partes iguales entre la contención y la expresión descarnada de quien rebasa los límites de la moralidad.



Propuestas educativas

Introducción a los conocimientos técnicos e históricos del lenguaje cinematográfico. Elementos que lo componen: guión (componente literario), planos, secuencias, movimientos de cámara y montaje. La importancia del ritmo narrativo.

Realismo cinematográfico vs cine fantástico.

La imagen en movimiento. Acercamiento al tema de la percepción visual.

La música y el ambiente sonoro como recurso cinematográfico potenciador de estados de ánimo.

Análisis de personajes. Estudio de patrones de comportamiento.

Profundizar en la idea de cinematografía como vehículo de transmisión de mensajes y cultura.

Debate sobre la idea de éxito.
  • ¿El fin justifica los medios? Competitividad, abuso de poder y métodos de enseñanza.
  • El narcisismo y la necesidad de reconocimiento en el otro.
  • Sacrificar el presente en pro del futuro.
  • La discriminación sexual.
  • Salir de la zona de confort. Conformismo vs la toma de riesgos.
  • Relaciones paterno-filiales. Los progenitores modelo/anti-modelo.

Reforzar la práctica del inglés con un visionado en versión original.

Música: historia y estilo principales. Clasificación de instrumentos.

Música y matemáticas. ¿Cuál es su relación?.

Investigación sobre la historia del jazz. El crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra El jazz: de Nueva Orleans al jazz rock, señala:

“El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos”. https://es.wikipedia.org/wiki/Jazz