domingo, 24 de enero de 2016

Oliver Twist

Tenía 15 años. Mi hermano, que siempre me hace preguntas concretas sobre la vida, me preguntó entonces qué sería lo primero que le enseñaría a mis hijos, si los tuviera. Tras meditarlo, le respondí que querría que supiesen, que serían personas valiosas, como cualquier otra, sin importar lo pequeños que fuesen. Hoy soy madre, y trato de enseñarle este valor a mi hijo, Oliver
.


 Por Lorena Rivero Guerra

Es una película británica dirigida por David Lean, que he preferido frente a la película análoga de Polansky por representar una oportunidad de acercar al aula un exponente de cine clásico, a la que esta versión contemporánea no tiene nada que envidiar.

Argumento

En una noche de fuerte tempestad, una joven a punto de dar a luz llega a un auspicio parroquial (una especie de orfanato) donde, tras alumbrar al niño, fallece. Al bebé lo llamarían Oliver Twist. Crecería en el lúgubre auspicio en condiciones de explotación laboral, abusos y limitación de alimentos. Un día, Oliver suplica que le den un poco más de comida. Este hecho suscita que el consejo directivo del centro publique un anuncio y lo venda por 5 libras a un comerciante de ataúdes, de cuyo tétrico, oscuro y hostil ambiente se escapará a pie hasta la ciudad, Londres, donde acabará siendo recibido por una banda de niños ladrones y carteristas dirigidos por un señor de aspecto muy inquietante llamado Fagin. Durante uno de los robos, Oliver, que sólo observaba para aprender, será detenido por la policía y llevado al juzgado, donde la víctima del robo, un amable señor de la burguesía victoriana, el señor Brownlow, se compadecerá del debilitado niño, y lo acogerá en su casa, un lugar, al fin, con mucha luz. Este señor se encariñará del pequeño. Pero Fagin recuperará a Oliver con la ayuda de Nancy, una prostituta, y Sikes, un violento matón. Lo secuestrarán en plena calle, ante varios ciudadanos. Pero Nancy se arrepentirá y ayudará a D. Brownlow a liberar al niño de las garras de un destino incierto y mortal, en el que ella cae, asesinada por Sikes. Además, Brownlow resultará ser abuelo de Oliver, a quien corresponderá una importante herencia (Pese a que Monks, otro familiar intentaría hacerle desaparecer para heredar él), gracias a un medallón que perteneció a su madre, única prueba de su identidad.

Ambientación de la película y época victoriana

Los escenarios ambientan la Inglaterra del  siglo XIX, época victoriana (Muchas veces pregonada como paradigmática) y entorno del escritor de la novela original, Charles Dickens (1812-1870), quien relata una autobiografía. Asimismo, es una denuncia a la explotación, a las desigualdades sociales y a la corrupción que se dan tras la revolución industrial, y durante el crecimiento urbanístico que le tocó vivir. Escritor muy reconocido en vida, tuvo mucho poder de influencia en la sociedad de su época. Escribía la novela por entregas, el formato usual en la ficción en su época, pues no todos podían permitirse el adquirir un libro.


El tema principal es el milagroso progreso en la escala social del niño.

David Lean

Teniendo en cuenta las circunstancias de la época, la postguerra y los medios limitados con los que debió de contar, David Lean recrea unos escenarios con paisajes sorprendentes, algunos reconocibles, como la catedral de Saint Paul, con efectos lumínicos muy pictóricos, en especial, al principio de la película en la escena de la tempestad.
El director sabe utilizar de manera  ingeniosa y sensible los ángulos de la cámara para ningunear a los niños desde perspectivas de altura, pero también les dota de gran fuerza y dignidad, como hace con el protagonista en la escena en que pide un poco más de alimento.
La luz adquiere un poder que hoy en día no suelen tener las películas en color. Muchas veces en movimiento, rasante y vibrante, es indicadora de los estados emocionales del niño, testigo de su evolución, la cual aumenta junto con el progreso social del protagonista.
En cuanto a animales, el pitt bull de Sikes se nos aparece como un inocente ser, que sin embargo logra eludir a su amo cuando éste trata de ahogarlo, y que acaba siendo clave en el desenlace.

La explotación infantil

Durante la película, los niños ingleses no tienen voto ni credibilidad, son utilizados como instrumentos de trabajo. Es una realidad histórica la que se nos relata,  que a los niños se les utilizaba para enriquecer a los mayores.


La revolución industrial utilizó a los niños desde los cuatro años de edad para labores como la minería Es un hecho histórico que la industria textil, habiendo accidentes y muertes frecuentemente al forzarles a trabajar bajo las máquinas en funcionamiento. Además, se les azotaba si la producción descendía.
Los pequeños más desfavorecidos se encontraban a cargo de las iglesias, que tal y como hicieron con Oliver Twist en la película, los vendían a las industrias a través de anuncios en los periódicos cuando ya no querían mantenerlos o cuando tenían demasiados.
Tal y como se refleja en la película, el sistema judicial no dudaba en castigar duramente a los niños.

Influencia de Oliver Twist y escolarización infantil

Oliver Twist cayó como un "cubo de agua helada" para los ingleses. El autor criticó sin tapujos las desigualdades  sociales y a los organismos públicos.
La esperanza media de vida de entonces era de aproximadamente 40 años. Los adultos morían de tuberculosis y los niños de sarampión, viruela y de hambre.
En 1878, una encuesta de la Asociación Británica a la población notificó que quienes fuesen niños trabajadores eran de media 12 centímetros más bajos que los de clase burguesa o aristocrática.
De la mano del cirujano y farmacéutico Charles Turner Thackrah verían la luz estudios en los que se detallan los peligros para el bienestar de los infantes, así como medidas de prevención.
En The effects of arts, trades, and professions, and of civic states and habits of living, on health and longevity comunica de modo preocupante las interminables jornadas que se cubrían en las fábricas textiles, especialmente los niños y niñas. Ésta y otras obras fueron elementos clave en la  reformas que se aplicarían: Inglaterra crearía en 1833 unas medidas reguladoras concernientes al trabajo infantil a través de la Factory Act. Se prohibiría trabajar a menores de 9 años, registrándose las nóminas y, finalmente, se obligaría a las empresas a proporcionar a los niños y niñas la escolarización. En esa época, sólo una séptima parte de la población británica había asistido alguna vez al colegio.
En 1891 la educación se convirtió en gratuita para todos los niños/as menores de 10 años. En España tardaríamos unos años más.

Legado de la época victoriana

No sólo penurias  se vivieron durante la época victoriana. De hecho, los ingleses, pese a ser muy castos (por imposición real), moralistas y de costumbres cerradas, inventaron y popularizaron muchos juegos, influyente legado para los pueblos de todo el globo: El backgammon y los juegos de casino y de salón, e incluso deportes de campo hoy mundialmente practicados, como el tenis, el rugby y  el fútbol. Por otro lado, según la opinión del psicoanalista Jacques Lacan (1901 – 1981), sin las imposiciones sociales de la Reina Victoria (por ejemplo, mandó agrandar los manteles de su comedor con el fin de cubrir totalmente las patas de la mesa, pues según ella, podían provocar a los hombres al recordarles a las piernas de una mujer), probablemente el psicoanálisis no se hubiese inventado, pues afirmaba que ella provocó el deseo de  Freud y convenció a Lacan de la necesidad a la que él llamó el "despertar". Por supuesto, el adulterio y la prostitución estaban a la orden del día. En este periodo se desarrollaría el primer preservativo realizado en látex.

Descripción del papel de la mujer

Resulta curioso que no aparezcan niñas en toda la película. Al respecto, imagino que no vendría a cuento, dada la segregación entre niños y niñas y la mentalidad tradicional hacia el papel de las mujeres (Como objeto de satisfacción del hombre, etc., etc., etc.).
El papel de la mujer, pues, se ve reducido a los siguientes personajes:
Al de la madre sin nombre, que fallece al principio (Santa).
Al de la comadrona, mujer malvada, ambiciosa, manipuladora (Bruja).
Tenemos también a Nancy en el papel femenino principal: Una mujer hermosa, supuestamente prostituta, siempre astuta, primero villana y luego  arrepentida, decide luchar por la justicia: Valiente, y finalmente mártir.
Aparecen momentáneamente unas señoras curiosas y la enfermera, al final anciana, también arrepentida.
Por último, tenemos a las sirvientas, mujeres bondadosas, eficientes y sensibles.

Oliver Twist en la escuela

La película, apta para todos los públicos, tiene bastante potencial pese a su antigüedad.
Desde el punto de vista artístico y escenográfico, los juegos de luces que aparecen al principio de la película pueden verse como ejemplos de inspiración para la creación de videoarte en la escuela, pero de una forma más analógica, como complemento a la tecnología digital.
Sería interesante proponer la película también por su temática para que los y las adolescentes reflexionasen y adquiriesen una perspectiva de la realidad en la que hoy viven, ya que hoy en día, pese a las mejoras de las instituciones y al avance de la sociedad, el maltrato y las violaciones a los derechos de los y las menores se dan frecuentemente.
Una reflexión puede aplicarse en la clase del Máster de Formación del Profesorado: acerca de la importancia de tratar con respeto a todos los alumnos y alumnas, escuchando sus sentimientos para poder entendernos con ellos y ellas en clase.
También podríamos preguntarnos: ¿Acabaremos regresando en cierto modo a las condiciones de vida propias de la era victoriana, al estar en cuestión el estado de bienestar?

Referencias

https://en.wikipedia.org/wiki/Victorian_era
https://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89poca_victoriana
https://es.wikipedia.org/wiki/Jacques_Lacanducacion/cineyeducacion/temastwist.htm
http://www.filmaffinity.com/es/film246833.html

Imágenes obtenidas de:
https://wondersinthedark.wordpress.com/2015/08/28/34-oliver-twist-1948/
http://www.m-hddl.com/graveyard/24118-oliver-twist-1948-m720p-bluray-x264-bird.html
http://www.theguardian.com/film/2011/aug/24/john-howard-davies-obituary

Véase también:
https://actualidad.rt.com/sociedad/187729-empresa-china-obligar-empleados-andar-rodillas-gatear

Star Wars. Una nueva esperanza

Por Elena Pascual Ibarra

Sinopsis

El Imperio Galáctico liderado por el malvado Darth Vader consigue la victoria en el enfrentamiento entre galaxias contra  los rebeldes. Durante la batalla, la princesa Leia consigue hacerse con los planos de “la estrella de la muerte”(estación espacial utilizada por el Imperio para destruir otros planetas y flotas espaciales).
Leia, antes de ser capturada  por el imperio, decide acudir a Obi-Wan Kenobi, uno de los pocos caballeros Jedi que aún viven en la galaxia. Le envía un video-holograma pidiéndole auxilio para poder adentrarse en la estación, acabar con ella y restaurar la paz en la galaxia.
Obi-Wan conoce a Luke Skywalker, un joven granjero en el que ha sentido “la fuerza”, un poder que solo poseen los caballeros jedi y que dota de un fuerte control sobre la mente.Le invita a unirse a la aventura, junto a ellos, Han Solo, un piloto intergaláctico que se ofrece a llevarles con su nave espacial, el halcón Milenario.


Análisis

“Star Wars: Una nueva esperanza” forma parte de la primera trilogía.
Esta saga comienza en el episodio IV, le sigue “El imperio contraataca”en 1980 y “El retorno del Jedi” en 1983.Después apareció la segunda trilogía como una precuela de estas tres. Estrenó “La amenaza fantasma” en 1999, “La guerra de los clones” en 2002  y “La venganza de los Sith” en 2005.
“Star Wars: Una nueva esperanza” se estrenó el 25 de mayo de 1977 en 37 salas de Estados Unidos haciendo una recaudación de 79.000.000 teniendo un presupuesto de 150 000 dolares.
Fue escrita y dirigida por George Lucas. Anteriormente había rodado la película  “THX” de estética también futurista El guión de la Guerra de las Galaxias fue inspirado por película “La fortaleza oculta” de Akira Kurosawa, y las aventuras de Flash Gordon y constaba de 14 páginas que fueron presentadas a los Universal Studios. Tras la primera reunión, ellos se desmarcaron al pensar que el presupuesto sería desorbitado para llevarlo a cabo así que tuvo que probar suerte con la productora Twenty Century Fox, que finalmente le dio el visto bueno para comenzar a rodar.

Escenas de “La fortaleza oculta” 
“La guerra de las galaxias”, a pesar de referirse a un tiempo muy atrás en una galaxia muy muy lejana tiene una estética futurista que después de ser estudiada por los expertos no esta ligada a la funcionalidad sino  simplemente a parecer situada en una dimensión galáctica.
Para conseguir unos efectos especiales sin precedentes, George Lucas funda “Industrial Light & Magic” con un grupo de estudiantes de ingeniería. Una de las novedades que introdujeron fue la cámara Motion Control, que puede ser dirigida a distancia.
La mayoría de efectos de sonidos están tomados de la realidad, Ben Burtt creó una librería de sonidos que George Lucas calificó como “orgánica”. Buenos ejemplos son: el bramido de un elefante para los vuelos de los cazas, un cable de acero en tensión para las explosiones, la mezcla de un televisor estropeado con un proyector de 35 mm para el sonido de la espada láser, un martillo golpeando el cable de una antena de radio son los disparos láser o la respiración del propio Ben Burtt con una botella de oxigeno de submarinismo para usarla con Darth Vader. Este personaje a su vez tuvo que ser doblado porque el actor que lo interpretaba tenía un extraño acento inglés y aunque como primera opción querían que fuese Orson Welles finalmente fue un actor poco conocido llamado James Earl Jones.


La  banda sonora fue realizada por John Williams quién en ese momento era el director de la orquesta sinfónica de Londres. Steven Spielberg recomendó a George Lucas que trabajase después de trabajar juntos en la banda sonora de “Tiburón”.
El Montaje con las cortinillas crearon el sello de identidad en la saga Star Wars. Es un recurso que suelen utilizar para cambiar de escena. Consiste en dejar una imagen mientras simultáneamente aparece la siguiente dentro de una forma predeterminada, utilizan muchas y muy diversas.
También se caracteriza por comenzar con unos títulos que desaparecen en un punto de fuga situados en el espacio y siempre terminan con un plano de seguimiento a una nave espacial que los cruza.
Las cortinillas y lo trepidante de la trama hace que la película sea muy ligera y dinámica, no hay ningún plano en el que la acción te resulte pesada o aburrida.
En cuanto al reparto, George Lucas quiso compartir las audiciones con Brian De Palma, que buscaba actores para adaptación de la novela de Stephen King “Carrie”. Buscaban actores no demasiado conocidos que pudiesen interpretar los papeles sin tener un encastillamiento previo.
El papel de la princesa Leia fué para Carrie Fisher, Mark Hamilton como Luke Skywalker y  Han Solo fue interpretado por Harrison Ford. Este último acudía a las audiciones sólo para leer la réplica a los actores porque Lucas no quería un actor que ya fuese conocido y Harrison Ford acababa de hacer American Graffiti con él pero a pesar de esto, lo escogió por encima de Kurt Russell y Nick Nolte.


Uno de los temas principales que aborda la película es la formación del héroe. En este caso: Anakin Skywalker (de la trilogía de la pre cuela)  y Luke Skywalker. Ambos atraviesan los mismos estadios hasta que uno de ellos se desvía al lado oscuro. Podríamos enumerarlos

  • Son personas comunes.
  • En el caso de Anakin Skywalker un esclavo y Luke Skywalker un granjero. 
  • Se les plantea un desafío
  • Anakin debe ganar la carrera de vainas y Luke encuentra un mensaje de socorro de la princesa Leia.
  • Al principio rechazan la aventura
  • Tienen lazos que suponen un obstáculo para emprender su camino.
  • Deben someterse a una serie de pruebas y finalmente demostrar lo aprendido.

Llegados a este punto, es en el que Anakin se aleja del camino del bien dudando sobre la ética Jedi: “Algo está pasando. No soy el Jedi que debería ser. Quiero más. Y sé que no debería.”
Pero Luke tiene una fortaleza mayor porque su entrenamiento con Yoda le ha servido para ser dueño de su templanza.
La última prueba de su entrenamiento debe servir para poner en práctica todos los conocimientos adquiridos a vida o muerte.
Finalmente Luke siente misericordia por su padre y le perdona la vida. Acto que simboliza su plena formación como Jedi.
George Lucas quería fusionar diversas religiones: Del cristianismo (el mesías) del Gnosticismo, el bien y el mal, el Judaísmo, (el golem y el armagedón); y del budismo, el naturalismo, la moral estoica, el autoconocimiento y el abandono del mundo.
El nacimiento de Anakin, por ejemplo, se produjo sin que su madre hubiese tenido relaciones sexuales con un hombre, nació simplemente a través de “la fuerza”. Según San Juan en el Evangelio :” no nacieron de la sangre ni por la voluntad de la carne, ni por la voluntad del varón, sino de Dios” Así pues, Anakin se presenta como un mesías de “la fuerza” Jedi.


También se hacen alusiones filosóficas en la figura del Maestro Yoda, quien habla descolocando gramaticalmente las palabras produciendo un sobre esfuerzo para ser entendido. Heráclito tenía la idea de que la compresión verdadera del contenido de un mensaje necesitaba un esfuerzo del intelecto. Por otro lado, Sócrates también sirve de inspiración en cuanto al método educativo entre maestro y alumno pues sostenía la idea de que el maestro, no puede revelar ninguna verdad a su discípulo, el conocimiento no se imparte, apenas acompaña al alumno en el descubrimiento de sí mismo.
Pero por encima de todas, la religión budista es la más presente en la película. Estuvo muy de moda durante la década de los 60. Al igual que en el Budismo los Jedi no pueden tener ataduras, no pueden casarse porque como dice el Sutra Budista “Las ataduras ligan al hombre a su infeliz condición y deben ser rotas una a una para acceder al conocimiento”. También por esta razón, Obi Wan Kenobi muere durante el enfrentamiento con Darth Vader para que Luke adquiera más poder y continúan conectados tan sólo mentalmente. Esta forma de morir, en la que el cuerpo se desvanece, es también propia de la filosofía budista tibetana que describe el fallecimiento de un gran maestro como aquel que no deja siquiera el cuerpo, siendo este el mayor grado de perfección que alguien puede alcanzar.

Yoda es en muchos aspectos como un Buda por ser el  encargado de impartir una doctrina a sus discípulos. Siddharta Gautama (fundador del budismo) dijo : “los deseos son causa de dolor porque no pueden ser satisfechos indefinidamente” que es un dicho que fácilmente se puede equiparar a la frase del Maestro Yoda: “El miedo a perder es un camino al lado oscuro” Ambas frases hablan del miedo a enfrentarse a nuestros destinos.
Contenidos y símbolos principales en función de su presencia en ambas series:
Luis García Tojar, .La ideología de Star Wars, Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Sociología VI, Facultad de Ciencias de la Información, 
Algunos ven en “La guerra de las galaxias” un discurso sobre la historia capitalista. Tatooine es el planeta más alejado de la galaxia, de donde proceden Anakin y Luke, es  descrito como “donde la mano del imperio no llega”.Sus habitantes resultan ser de multitud de especies y lo único que les interesa es beber, fumar y robar. Este sitio representa la colonización de la primera etapa capitalista sobre tierras vírgenes.


“La estrella de la muerte”, una estación militar de gran inspiración nazi donde  todos son humanos y se dividen mediante una fuerte jerarquía de poder. El llamado lado oscuro tiene un numeroso ejercito pero carece de luz natural, todo esta dominado por los avances tecnológicos. Representa el triunfo del capitalismo.


En contraposición están : Yanvin, Hoth y Endor, que son planetas en los que impera la naturaleza en los que protegen la vida y la libertad. De este modo George Lucas genera una confrontación entre naturaleza contra tecnología, vida salvaje contra civilización y muestra que lo único que traerá el capitalismo y el industrialismo será un retroceso para  a practicas opresoras sobre la libertad  de los ciudadanos y un aumento de la criminalidad.


Lucas acaba a favor de la libertad, la naturaleza y la ley del más fuerte en la última película de esta trilogía con “El retorno del Jedi”.

miércoles, 20 de enero de 2016

Big Fish

Por Ainhoa Duque

Sinopsis ¿Realidad o fantasía?

Edward Bloom es un hombre que cuenta relatos de su vida con un aire de fantasía a todos los que le rodean. Estas características fantásticas de sus historias hacen que su hijo William no las crea y pretenda acercarse a su padre para conocer la realidad de toda su vida.
William se siente lejos de su padre, también debido a que en el día de su boda, Edward adquiere ese protagonismo con sus relatos en un día tan importante como ése.  Hecho que supone una discusión entre ambos, hasta que le avisan de que su padre sufre de una enfermedad terminal, regresando así con su esposa  a Alabama, para acompañarle en el final de su historia.
Su hijo empezará a apreciar los acontecimientos de Edward,  que penden de un hilo sujeto por la fantasía y la realidad, ya que comienza a entender que muchas veces es más agradable y excitante esa transformación de meros hechos sin importancia a auténticas aventuras.

“Un hombre cuenta sus historias tantas veces que se convierte en ellas. Éstas le sobreviven y, de esa manera, se convierte en inmortal”


 Es una película que o guardas en la memoria por su arrebatadora magia y su lección vital, o rechazas  por lo absurdo de su narrativa. Yo me sitúo en “película para atesorar”.


Análisis

Aparecen saltos entre el presente y el pasado, definiendo el pasado como algo metafórico  y fantástico y el presente, lineal y realista. De este modo queda reflejada la diferencia entre el mundo fascinante y colorido de Edward y la simple realidad.
Tim Burton manifiesta momentos muy emotivos que conectan directamente con el espectador, como la escena final de la película, en el que aparecen todos los personajes que compartieron el mismo tren con nuestro protagonista Edward durante su vida, en su entierro, personajes existentes en sus historias fantásticas. Dejando al espectador con dudas de hasta dónde llega la realidad de estas leyendas.
El cine de Tim Burton se caracteriza por su fantasía, sus imágenes de belleza poética y una historia que actúa como  un cuento de hadas. Construcción cinematográfica que siempre puede llegar a confundir.
Otro de los aspectos más cuidados del largometraje es su estética. La fotografía está cuidada al máximo detalle, destacando la luz y el color. Burton sigue manteniendo ambientes góticos y sombríos en algunos paisajes, pero abundan los coloridos. Juega con esta diferencia de ambientes en función del relato, si se encuentra en el espacio real o en el fantástico.
En la cinta aparecen múltiples elementos simbólicos, que tienen como finalidad establecer una crítica constructiva ante la perspectiva que adoptan las personas entre su futuro y sus sueños.

-El pez
Es una metáfora entre las personas y el entorno en el que se desarrollan. Viene a decir que las personas grandes tienen tendencia a estar en lugares grandes y las personas pequeñas se limitan a sitios pequeños. Es como la perspectiva sobre su rango de acción.  Si una persona cree que no puede conseguir un sueño o meta, estará nadando en una pecera. Sin embargo, si se da cuenta de que puede alcanzar lo que se proponga en la vida, se habrá librado de los límites de la pecera para nadar en la inmensidad del río.
Todo el mundo puede conseguir lo que se proponga.

“Si se guarda en un pequeño recipiente, el pez permanecerá pequeño; si tiene más espacio puede doblar, triplicar o cuadriplicar su tamaño”


 El pez solo sale de espaldas nadando hacia delante durante toda la película, a excepción de cuando se encuentra a la joven Templeton ya que es aquello que Edward buscaba en la vida.

-Los anzuelos
Los anzuelos representan todos aquellos límites y dificultades que nos vamos encontrando al perseguir nuestros sueños.
Son las zonas de confort, temores y precauciones que intentaran cercar a la persona libre e introducirla en la pecera.
Como anzuelo en la película aparece el pueblo de Espectro. Un pueblo utópico lleno de comodidades y satisfacciones. Sin embargo nuestro protagonista no acepta estancarse en esta calma, estabilidad y tranquilidad, continuando su camino que apenas acaba de empezar.

“Este pueblo es más de lo que podría soñar cualquiera, y si al final acabara aquí me consideraría afortunado, pero la verdad es que aún no estoy preparado para acabar en ninguna parte”. 


Esto no quiere decir que un pez nunca vaya a ser pescado. La persona será pescada cuando encuentre su deseo. En este caso el deseo de Edward era encontrar a su pareja ideal, por eso el pez se le representaba en forma de mujer.



Apuntar que cuando nuestro protagonista entra en Espectro una niña le quita los zapatos y los cuelga con el resto. Significado de haber llegado al final del camino.
Ya que los zapatos simbolizan la idea de continuar caminando. Eso explica que en la emotiva escena de Templeton y Edward en la bañera, ella se quite los zapatos.
Propuestas educativas
Película con muchas posibilidades educativas, ya que principalmente estimula el pensamiento. Tratan muchos posibles temas para reflexionar, como el amor, la  amistad, la familia,  la aventura y la muerte. En definitiva la vida en sí misma.
Una sorprendente reflexión de lo que mueve la personalidad y la condición humana.
Es una película muy positiva para los alumnos ya que refleja un arco iris de emociones y sentimientos encontrados y trata el concepto de felicidad de una manera única.
Es una película ideal para los estudiantes de 4º ESO, ya que tienen que tomar alguna que otra decisión importante, como la difícil elección de escoger si seguir estudiando, el qué, si trabajar… el principio de muchas decisiones.  “Big Fish” nos recuerda  que tenemos que tomar esas decisiones en base a las metas que persigamos en la vida.
Como sabemos el cine es uno de los mayores medios de transmisión de ideas pero es importante que después de ver la película dediquemos tiempo a analizarla y a pensar sobre sus temas e interrogantes y así no quedarnos sólo con la superficie.
Es posible la realización de un debate con los alumnos para tratar de reflexionar sobre las numerosas metáforas que surgen a lo largo del filme. Por ejemplo, ese rio que representa la vida, el camino que puede  recorrer el ser humano; y el pez, como un ser dentro de ese río. También es interesante que recapaciten y recuerden que la vida es la más grande aventura que el ser humano puede tener y que todos estamos destinados a grandes cosas, cada uno buscando su destino y aquello que le haga feliz. Viviendo la vida al máximo, aprovechando las oportunidades que se presenten y explorando nuevas. Así finalmente atrapar a ese “pez gordo”.
Otro ejercicio interesante es que los alumnos podrían ir recogiendo a lo largo de la película frases morales para luego comentar. Por ejemplo:

“No tendrás mucho, pero de lo que tienes tendrás mucho”.

Me atrevería a hacerles reflexionar sobre el acoso en las aulas con sutileza. Ya que hay una escena, en la que aparece un gigante al que todos excluyen por ser diferente, hasta que Edward le da una oportunidad y finalmente se convierten en compañeros de viaje, dando una lección al resto del pueblo. Ya que el gigante aporta muchísimos valores a su nuevo amigo.


Tiene una clara aplicación con dinámicas de grupo como “dilema morales” cuyo objetivo principal es la construcción de una escala de valores y estimular el proceso de reflexión.  Se formularan ciertos interrogantes, evitando temas demasiado ambiguos. Por ejemplo, ¿qué camino es el correcto, el corto y fácil o el largo y complicado?
También se pueden dar referencias de algún filósofo que aborde éstos temas. Por ejemplo Nietzche.
“Aquel que tiene un porqué para vivir se pude enfrentar a todos los cómos”. (Nietzche F.)
O grandes figuras como Freud, ya que la película sobrepasa lo real por medio de lo imaginario e irracional.
Finalmente anotar que esta gran historia inmortaliza la idea de que hay que luchar por lo que queremos y soñamos para hacerlo realidad, derribando obstáculos que se van presentando en el camino para seguir adelante.

“La fantasía en esta vida es a veces tanto o más necesaria que la realidad”

lunes, 18 de enero de 2016

Forrest Gump

Por Carlos Pérez

Sinopsis

Comedia dramática que narra la historia en primera persona de Forrest Gump, un personaje ficticio que sufre una serie de discapacidades intelectuales y motrices que marcarán los acontecimientos más importantes de su vida desde su ingreso en el colegio de primaria hasta la edad adulta, convirtiéndose en un excelente jugador de futbol americano, un soldado de exitosa carrera, un jugador de pingpong profesional, un empresario de éxito, un deportista de élite, un icono para las masas y un padre entregado, todo ello repasando acontecimientos históricos de los Estados Unidos entre los años 50 y 80 de los que es partícipe directa o indirectamente.
El film lo dirige Robert Zemeckis, autor de películas como “Tras el corazón verde”, la saga de “Regreso al futuro”, “¿Quién engañó a Robert Rabbit?” y “Náufrago” entre otras y se basa en la novela homónima del escritor e historiador estadounidense Winston Groom.
A pesar de sus limitaciones, Forrest supera todas las adversidades con notoriedad, en ocasiones de forma heroica y siempre con ocurrencias cómicas.

En cierto modo la película es una crítica a la sociedad americana, su sistema educativo y los principales problemas culturales y racistas de las distintas épocas, abogando por la igualdad de oportunidades y premiando comportamientos ejemplares. Aunque los recursos linguisticos empleados para ello son muy básicos (debido en parte a la condición de Forrest) tienen un trasfondo social sólido y acertado para tratar con alumnos de secundaria desde mi punto de vista.

Forrest consigue destacar en el ejército americano
Técnicamente contemplamos una obra fresca e innovadora. Nos encontramos con planos secuencia, planos generales y planos de detalle para enfatizar la escena, para ello también se juega con la luz, adquiriendo un carácter más dramático o melancólico las escenas menos iluminadas. Y también hace mucho acercamiento de cámara cuando el momento es dramático o cuando se está contando algo que tiene que ver con la trama. Sobretodo usa zoom in o travelling. Se emplean ángulos picados (cuando Forrest y Jenny se esconden en el campo de trigo) y contrapicados (cuando los niños persiguen a Forrest en sus bicis). Pero lo más destacable de la película es la inclusión del personaje en escenas históricas de archivo donde Forrest interactúa con personajes como el presidente John F. Kennedy, el gobernador George Wallace, el presidente Lyndon B. Johnson y el cantante John Lennon. La técnica resultaba muy creíble y estaba tan bien ejecutada que algunos profesionales del sector utilizan la nomenclatura “Forrest” cuando emplean este método de inclusión del personaje en escenas históricas de archivo. Los acontecimientos forman parte del pasado del narrador, en primera persona y se desarrollan cronológicamente con interrupciones provocadas por el aparente diálogo del protagonista con el transeúnte que se sienta en el mismo banco a esperar el autobús y escucha su historia, relatada mediante flash-backs. El sonido sigue el ritmo de la acción y la música aumenta el carácter histórico de las escenas. Se emplean canciones norteamericanas representativas de los años 50 al 80 y melodías emotivas de la mano de Silvestri.

Forrest en una entrevista de televisión junto a John Lennon
Podemos destacar numerosas enseñanzas como la virtud de dar oportunidades a cualquier persona, de tener expectativas positivas hacia ella, la capacidad de progresar y superarse que tiene cualquiera independientemente de sus circunstancias personales, el valor de  confiar y apostar por las capacidades que tenga cada cual, la fuerza de las buenas actitudes y los valores y el poder de la personalidad para autorrealizarse y no perder la esperanza.
En educación plástica y visual, tras proyectar la película a nuestros alumnos podemos sugerir un análisis técnico más completo de alguna de las secuencias. Tipos de plano empleado, ritmo, recursos, énfasis, etc.
Puede resultar muy interesante proponer como proyecto que realicen un breve corto en el que se incluyan en alguna escena histórica de archivo que les interese e incluso desarrollar unos acontecimientos alternativos modificando el transcurso de la historia tal y como la conocemos. Del mismo modo podrían realizar una historia de vida con imágenes.
Aparecen varios símbolos repetitivos que podemos analizar con los alumnos; la continua presencia del autobús en la vida de Forrest, el vuelo al libre albedrío de la pluma que inicia y finaliza la película, los sencillos y sabios consejos de su madre (la caja de bombones, tonto es el que hace tonterías, dejar atrás el pasado para seguir adelante, tú no eres diferente a nadie, no dejes que nadie te haga sentir inferior,…), el calzado de Forrest, siempre zapatillas deportivas y muy desgastadas.
Transversalmente el film podría emplearse en Ciencias sociales: Geografía e Historia relacionando acontecimientos históricos con canciones de esa época (historia de España), elaborando un mapa físico-político con el recorrido que realizó Forrest corriendo, repasando la historia contemporánea de los Estados Unidos o en Biología para tratar la historia del VIH y enfermedades de transmisión sexual, en Inglés visionándola en V.O.S. o para desarrollar y completar el contenido de las canciones que aparecen en la película, en Educación Física para desarrollar la motivación en el deporte, en Tutoría para abordar temas como la inclusión social, el acoso escolar, la igualdad de oportunidades, el racismo, las relaciones sociales y un largo etcétera.
En definitiva, “Forrest Gump” es una película muy completa para visionar en las aulas y desarrollar contenidos en diversas materias de secundaria, sobre todo a partir de tercero de la ESO, fomentando además un pensamiento crítico y fortaleciendo sus relaciones con los demás.


miércoles, 13 de enero de 2016

Matrix

Por Ana Sainz

Sinópsis

Matrix (hermanos Wachowski, 1999. EEUU y Australia) es probablemente una de las joyas de la corona de las películas de ciencia-ficción estrenadas en los últimos 20 años. Considerada el mayor film de culto de finales de siglo por muchos, Matrix narra la historia de Thomas Anderson, pirata informático de noche, programador en una gran compañía de día. Inconforme e incómodo en mundo en el que vive, Thomas utiliza sus habilidades para buscar respuesta a la pregunta que recorre la Deep web: ¿Qué es Matrix?
Su doble vida se ve alterada después de establecer contacto telefónico con Morfeo, quien Thomas cree es otro hacker. La acción que caracteriza el film
–descrita a base de persecuciones imposibles- se inicia cuando unos misteriosos agentes empiezan a seguirle.

Toda la concepción de la vida y de la realidad que tiene Thomas se ve puesta en entredicho cuando Morfeo le ofrece dos pastillas: una que le hará olvidar todo lo que ha ocurrido y otra que le revelará cuál es la verdadera naturaleza del mundo que habita, despertando del sueño en el que se encuentra.

Análisis

A pesar de que, bajo la sombra del avance que Hollywood ha hecho en efectos especiales y sonoros, ahora Matrix pueda resultarnos obsoleta, su revolucionaria estética fue verdaderamente impactante en su momento. Ganadora de 4 Oscars -entre ellos a mejores efectos visuales y sonoros- es una película que se incrusta en la memoria; nunca olvidaremos el día en que la vimos y las sensaciones que nos produjo.
 A nivel argumental, Matrix es interesante para trabajar en el aula por sus referencias en el campo de la filosofía, la religión o la historia, así como por tocar transversalmente valores importantes en la educación de los jóvenes, como la moral, el concepto de realidad o la importancia de desarrollar un juicio crítico.
Los hermanos Wachowski, -hasta entonces directores de ‘Lazos ardientes’ (1996) y guionistas de ‘Asesinos’ (1995)- se basaron en la premisa de la concepción de la vida como un sueño, existente desde tiempos remotos. Las referencias van desde la maya hinduista, a la mística persa, pasando por la moral budista, la tradición judeo-cristiana, y la filosofía griega. Toman como idea principal ‘El mito de la caverna’ de Platón y crean un interesante argumento que fusiona la filosofía budista con espectaculares secuencias de acción, escenas de lucha perfectamente coreografiadas y unos novedosos efectos especiales.
Ya los nombres de los personajes principales son una metáfora asociada a su papel en la trama y a su comportamiento como integrantes de la Resistencia: Morfeo –del griego forma- el dios de los sueños en la mitología griega, encargado de llevar sueños a reyes y emperadores y Neo, prefijo griego que se usa para indicar novedad, el Elegido.

Matrix es un programa informático diseñado para engañar a los humanos, que en realidad no nacen, si no que son creados en campos de cultivo como material alimenticio para las máquinas; éste es el verdadero mundo real. El mundo de las sombras en el que Neo vive es el engaño de la mente, de la percepción, creado para evitar revoluciones. El conformismo y la ignorancia son tratados como mecanismos para dominar a las sociedades. Las máquinas lo han aprendido de los seres humanos.

El guión –mal entendido en Hollywood- está meticulosamente construido: el prólogo supone el inicio de un trepidante viaje en busca de la verdad. Los directores utilizan el recurso de mezclar lo que es ofrecido al espectador como la realidad con la ficción, para así conseguir introducirle en la misma atmósfera de inquietud que está viviendo el protagonista. Construyen el desenlace a la perfección, combinando los momentos pausados -amenizados con diálogos de calidad- con las impactantes secuencias de acción y con unos efectos visuales poco comunes anteriormente en la historia del cine.

Las referencias argumentales son varias y se mueven entre cuentos clásicos como ‘El mago de Oz’ –Cypher dirigiéndose a Neo: ‘fasten your seatbelt Dorothy, cause Kansas is going bye bye’- la Bella Durmiente –Neo escapa del sueño eterno gracias a un beso de Trinity- o Alicia en el país de las maravillas – ‘sigue al conejo blanco’- y otras películas como pueden ser Blade Runner, con la que comparte la estética cyberpunk, la película de anime ‘Ghost in the shell’  o Terminator, donde una inteligencia artificial se revela contra el mundo para dominarlo.

Aunque pueda ser una película que nuestros alumnos podrían considerar ‘antigua’, Matrix toca temas de rabiosa actualidad: la corrupción de una sociedad, el control de los individuos, la libertad de expresión o la manipulación mediática. También es una buena opción para abrir debates sobre la educación en valores; el esfuerzo y la lucha por algo en lo que se cree, la idea de comunidad, la traición, o el pensamiento autocrítico.

El interés principal del visionado de Matrix en clase reside en la magistralidad de los directores al fusionar cuestiones filosóficas con referentes literarios y cinematográficos, para acabar creando un film de ciencia-ficción interesante y entretenido, redondo. Podría utilizarse en clase de literatura o filosofía, pero también, por ejemplo, en clase de religión, debido a sus múltiples paralelismos con la Biblia y la religión cristiana. La película es una buena opción para exponer ante los alumnos preguntas y temas de carácter humanista y filosófico como pueden ser qué es la realidad, la libertad, la verdad o la mentira, el libre albedrío, etc, y para ilustrar y fomentar la actitud crítica con uno mismo y con lo que le rodea.


Propuestas educativas y contenidos transversales

Trabajar el mito de la Caverna de Platón a través de la película.
La lectura de Simulacro y simulación de Jean Baudrillard.
La lectura de ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? De Philip K.Dick.
El análisis de los personajes y la relación con sus nombres: Morfeo y la mitología griega, Neo y la idea del profeta.
Generación de un debate partiendo de la definición e idea de la realidad:
 -¿Qué es la realidad?
-¿Qué es real y qué no?
-¿Es la realidad manipulable?

Generación de un debate sobre la inteligencia artificial: ¿Es posible que, algún día, las creaciones del ser humano se vuelvan en su contra?
Tratar el tema de la experiencia visual a partir de la estética de la película. ¿Qué nos produce?
Tratar el tema del afán humano por dominar completamente la comodidad. ¿Somos vagos? La creación de cosas que nos faciliten la vida y que puedan suplir nuestras carencias.
El poder dominante y la opresión.
Historia de las religiones: cristianismo y budismo.

Los chicos del coro

Por Rafael Ribas

Sinopsis

Los chicos del coro narra la historia de Clement Mathieu, un músico fracasado y en paro es contratado como vigilante en un internado de niños problemáticos. La película está ambientada en 1948, en una Francia de postguerra conflictiva y pobre. Mathieu queda conmocionado con los métodos represivos de Rachin, el director del correccional, muy acordes con la época. Mathieu decide, ante el ambiente de tensión que se vive en el lugar organizar un coro. El director pone pegas al vigilante; no le gustan sus métodos. Finalmente Mathieu, imagen de la bondad y la comprensión, termina por transformar las vidas cotidianas de los internos a través del canto coral y la música. 

 Análisis

La película se desarrolla en un ambiente hostil como lo era la Francia de posguerra. Los del internado son unos niños difíciles, pícaros, y gamberros y siempre han sido tratados como delincuentes en potencia. La película me parece interesante en tanto que propuesta educativa por la eventual identificación de un público adolescente con los niños del internado y sus fechorías. No se limita el espectro social a un solo tipo de persona. El colectivo de internos no está compuesto únicamente a muchachos barriobajeros y pobres, sino que están ahí por diversos motivos: orfandad, problemas económicos, o malas conductas por ejemplo. La fechorías cometidas por los niños son pequeños acontecimientos que dan ritmo a la película, ayudan a mezclar el toque dramático con una pizca de humor. El director no ha elegido a ninguna cara conocida para el reparto de la película, ninguna estrella para llegar a todos los públicos, no obstante lo consigue. El nivel de los actores y su implicación es alta, tanto en el caso de los niños como en el del vigilante. 


El decorado y el vestuario son fieles a la época. La fotografía hace bien su papel, retratando un edificio austero, grande, frío y lúgubre donde la acción se desarrolla. También cumple cuando es necesario utilizar los primeros planos, por ejemplo para un solo, o planos generales del coro al completo. O por ejemplo el contrapicado que utiliza el director para presentar a Rachin. Es interesante, por ejemplo cuando los niños reciben la visita de una marquesa. El coro había sido prohibido por Rachin y aun así este se atribuye su éxito. El director establece un juego con los movimientos de cámara, jugando con primeros planos de los personajes y planos generales de la sala y el coro poniendo de relevancia la psicología de cada personaje. Es en ese mismo momento cuando Mathieu permite a Morhange reincorporarse al coro y brillar. El simple castigo que le había sido impuesto al niño era el de la exclusión; nada de violencia. En esta escena se encadenan perfectamente la fotografía, los actores y la música sin menoscabo del mensaje implícito. En general, los movimientos de cámara y los planos son armónicos y ayudan a dar dinamismo a la película.
En el ambiente descrito se confrontan dos visiones pedagógicas. Por un lado la autoridad despiadada de Rachin, cuyo método se basa en la acción-reacción. Cuando un niño comete una fechoría se le castiga con contundencia, pasando por la violencia física o el calabozo si es necesario. Al otro lado tenemos a Clement Mathieu, viva imagen de la comprensión y la asertividad. 
Mathieu, es un músico que se había jurado dejar la música. Pero decide utilizarla como instrumento pedagógico, y lo hace de un modo pertinaz. Es interesante como se contrapone el tesón calmado del vigilante, quien es al comienzo objeto de burlas y chascarrillos a la violencia del director, que aparece como una figura respetada. Sin embargo durante el desarrollo de la trama, es Mathieu quien se convierte en una figura respetada a quien los alumnos defienden, mientras Rachin no es respetado sino temido. 
Cabe señalar, pues, que Mathieu no se hace amigo de los niños, no encarna en absoluto el estereotipo de profesor colega sino que se hace respetar, principalmente respetando a sus alumnos. Demostrando mediante sus actos que la escuela no es un lugar hostil del que deben protegerse. De hecho se muestra siempre compasivo y protege a los más débiles: el ejemplo más paradigmático es el de Pépinot, un niño huérfano que espera cada sábado a sus padres, y que es constantemente objeto de burlas y abusos.


El vigilante, ofrece a los alumnos una razón para potenciar sus deseos de superación. La música es mostrada como un instrumento pedagógico: requiere de disciplina pero también entretiene y divierte. Lo cierto es que, una de las partes más complejas de la enseñanza es precisamente esa: lograr que se encuentre placer en aprender y en superarse. Evidentemente es imposible conseguirlo sin que ambas partes se impliquen en un mismo proyecto (el de aprender) no obstante no se pueden eludir responsabilidades cuando se está del lado de los profesores. A este respecto el vigilante es consecuente con su visión de la enseñanza, hasta el punto que Rachin le expulsa del colegio, momento en el cual los niños le demuestran su respeto y agradecimiento en forma de aviones de papel. 
En el trasfondo de la película subyacen varias cuestiones entre las cuales se cuentan esos pequeños logros de los educadores gracias a los cuales se salvan vidas, eso se hace patente en el personaje de morhange, cantante virtuoso que acaba por convertirse en un reputado director de orquesta. 
En lo tocante al resto de recursos fílmicos, no se puede dejar de mencionar la música. Es emotiva y se sincroniza perfectamente con los acontecimientos. Consigue emocionar al espectador sin que este sea necesariamente amante de la música clásica o coral. Lo cierto es que la película cuenta con varios premios por la música en su haber: Premio del cine europeo 2004 al compositor europeo del año (Bruno Coulais), César a la mejor música escrita para una película y César al mejor sonido, ambos en 2005. 
Por último y no menos importante, tenemos un guión que acompaña perfectamente las imágenes, alternando una pizca de humor con la seriedad cuando lo requiere el desarrollo del filme. 

Del revés

Por Alicia Gastesi

Las cinco emociones de Riley: Ira, Asco, Alegría, Miedo y Tristeza. Fuente: sensacine.
 La vida de la pequeña Riley da todo un vuelco cuando sus padres deciden mudarse de Minnesota  a San Francisco. En pleno paso de la infancia a la pubertad, sus emociones (Alegría, Tristeza, Asco, Ira y Miedo), unos pequeños personajes que habitan dentro de su cabeza y controlan su vida, se revolucionan completamente.
Con una clara analogía a la serie francesa de animación de los 80 “La vida es así”, la nueva película de Pixar representa toda una lección de psicología del desarrollo a través de muñecos y escenarios fantásticos de colores. Para conseguirlo, el director, Pete Docter, contó con el asesoramiento de dos de los psicólogos con más conocimiento sobre las emociones: Paul Ekman y Dacher Keltner.
La obra de Pixar sólo refleja cinco emociones, a diferencia de las ocho que incluyó el psicólogo Robert Plutchick en su Rueda de las Emociones: alegría, tristeza, asco, ira y miedo. Según Keltner, los primeros estudiosos de las emociones sólo consideraron esas cinco. Hay que tener en cuenta, además, que un mayor número de emociones hubiera dificultado la realización de la película, ya que habría supuesto muchos más personajes y una trama menos clara. En realidad, las emociones de la película bien podrían representar una mezcla de varias emociones, de forma sintética.

La Rueda de las Emociones de Plutchick. Fuente: Wikipedia
Ahora bien, cada emoción va asociada a un color: la alegría es amarilla, la tristeza es azul, la ira es roja, el asco es verde y el miedo es morado. ¿A qué se debe esto? Según Eva Heller (2000, Psicología del color) el amarillo es el color más contradictorio de todos, pero entre sus muchos significados se encuentran la diversión, la amabilidad y el optimismo, cuando se combina con otros colores como el naranja o el verde. El azul no tiene un significado negativo en sí, sino que representa lo frío y lo lejano. Podemos encontrar una posible explicación en la expresión inglesa “to feel blue”, literalmente “sentirse azul”, que se refiere a sentirse triste.
El verde, en sí, tampoco es bueno ni malo. Por lo general, simboliza la naturaleza, aunque combinado con amarillo y violeta nos parece venenoso. Curiosamente, los creadores de Del revés quisieron teñir al asco de verde para asociarlo al brócoli, la verdura más odiada de su personaje protagonista.
En cuanto al rojo, es el color universalmente reconocido como el color de las pasiones, desde el amor hasta el odio. Según los entrevistados por Heller, la ira está compuesta por un 52% de rojo, un 21% de negro, un 8% de naranja y un 8% de verde. Es el color de la guerra, de la agresividad, de la fuerza bélica.
Por último, el color violeta es un color de lo más ambivalente. No es un color muy visto en la naturaleza, de manera que se le ha considerado un símbolo de lo místico o lo mágico. Como curiosidad, decir que en el esoterismo el chakra del cerebro es de color violeta, ya que une sentimientos y entendimiento, al igual que este color une al rojo y al azul.
En la rueda de Plutchick, alegría, tristeza e ira se asocian a estos mismos colores pero, curiosamente, asco y miedo están invertidos en color: el primero es violeta y el segundo, verde.

Alegría y Tristeza en el almacén de recuerdos, con las islas de personalidad al fondo. Fuente: filmaffinity
En la película, las emociones de Riley actúan de acuerdo a sus principios y generan en su mente una serie de recuerdos o esferas coloreadas de sus respectivos tonos. Una sexta clase de recuerdos, los grises, pertenecen a datos objetivos, como números de teléfono, calles, apuntes del colegio, etc. Por la noche, las emociones proyectan una serie de imágenes en su cabeza (los sueños), mientras los trabajadores de su cerebro se encargan de hacer “limpieza” y reorganizan los recuerdos de la niña. Cuando quieren deshacerse de alguno de ellos, lo lanzan al abismo de la memoria, donde desaparecen. Según estudios recientes, borramos los recuerdos insulsos a los que recurrimos en menor medida, a favor de aquellos que nos resultan competitivos en el día a día. Esta puede ser la razón por la que Riley lanza finalmente a su amigo invisible al abismo de la memoria, en lugar de conservar su recuerdo.
En cuanto a sus creencias o pilares fundamentales, son islas en su mente que reflejan una parte de su personalidad: Isla de la Familia, de la Amistad, del Hockey, de la Honestidad y del Payaseo. Se forman con recuerdos especialmente poderosos y son las que forman su personalidad.
Cuando Riley llega a San Francisco, trata de ser valiente y optimista y (manejada por Alegría) relega la tristeza a un rincón, desencadenando así una incongruencia entre lo que de verdad siente y lo que muestra. Una a una, sus islas de personalidad se derrumban, lo que genera un estado de malestar que no se resuelve hasta que Riley decide liberar esa tristeza. Esto actúa como una catarsis que restablece su equilibrio interior, creando nuevas islas de personalidad sobre las que puede construir su nueva personalidad de adolescente.
Como explicó Keltner a los creadores de la película: “En nuestra cultura, somos muy duros con la tristeza, pero la verdad es que es un poderoso detonante para la búsqueda de confort y vínculos. En cambio, la ira se asocia a menudo con el sentido de ser tratados injustamente y puede ser un motivador para los cambios sociales.”

Del revés en la clase

Riley dibujando a su amigo invisible Bing Bong. Fuente: twitter @PixarInsideOut
Ésta es una película con un amplio abanico de posibilidades educativas en las aulas. Como primera opción evidente, en el primer ciclo de secundaria puede servir como pie para hablar del desarrollo adolescente y de cómo cambia su estado de ánimo. La moraleja es que no hay ninguna emoción que deban dejar de sentir, sino que todas son necesarias en su vida: la alegría nos permite modificar conductas para asimilar aquellas que nos resultan buenas, el miedo es un instinto de supervivencia, al igual que el asco, que también se relaciona con la relación social armónica, la ira nos impulsa a defender las injusticias y la tristeza forma parte de los procesos de duelo, ayudándonos a “pasar página”.
Asimismo, podemos emplear el visionado como introducción a la teoría del color. Los colores vivos y primarios se asocian a las emociones y los recuerdos, los colores fríos y desaturados a la realidad. Al teñir un recuerdo de azul, se vuelve triste. Podemos jugar con imágenes cotidianas para los alumnos y que analicen su colorido, dependiendo de lo que quieran transmitir. También podemos pedirles que reinterpreten imágenes con otros colores para cambiar su significado. Todo esto, a su vez, introduce el tema de las mezclas aditiva y sustractiva.
Para estudiantes universitarios, representa una lección ilustrada de psicología del desarrollo, pudiendo con ella explicar los cuatro estadios del desarrollo cognitivo según Piaget: el sensorio-motriz y perceptivo (de 0 a 2 años), el pre-operacional (de 2 a 7 años), el de operaciones concretas (de 7 a 11 años) y el de operaciones formales (de 11 a 15 años).
De la misma manera, nos sirve para tratar sobre cómo la percepción de algo (un recuerdo, una situación…) es completamente subjetiva, dependiendo de las vivencias y de la personalidad de cada uno. Y, por supuesto, también para tratar la psicología del color, como ha experimentado una servidora al documentarse para este mismo texto.
En términos de lenguaje visual, resulta una película interesante para explicar de forma muy sencilla el concepto de flashback, por medio de los recuerdos, y algunas figuras retóricas, como es la referencia del amigo invisible en los recuerdos de la infancia, la metáfora de las emociones de los padres (en la madre, la emoción que lidera es la tristeza y en el padre, la ira) y toda la analogía del cerebro-oficina, cerebro-almacén, olvido-abismo, etc.
Y como añadido a todo esto, podemos visualizar la película en versión original para tratar transversalmente el segundo idioma.
Del revés es, en definitiva, una película muy sencilla apta para todos los públicos pero con un contenido especialmente jugoso para niños de a partir de 12-13 años y mucho más aún a partir de los 18.


Más información:
https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Plutchik
http://www.psmag.com/books-and-culture/a-conversation-with-psychologist-behind-inside-out
http://befullness.com/analisis-de-inside-out-del-reves-visto-por-una-psicologa/

martes, 12 de enero de 2016

A.I. Artificial Intelligence (Inteligencia Artificial)

Por Eva Adán García

Bajo mi punto de vista esta es una de las mejores películas como fórmula de reflexión para jóvenes y adultos. Conocida como A.I, es una película de ciencia ficción del 2001 dirigida, escrita y co-producida por Steven Spielberg, basada en una historia de Ian Watson y también en un corto de 1969 “Super-Toys Last All summer Long” por Brian Aldiss.
Realmente el desarrollo de A.I originalmente comienza con la producción de Stanley Kubrick en 1970. Kubrick contrató una serie de escritores hasta mediados de los 90 entre los que estaban Brian Aldiss, Bob Shaw, Ian Whatson y Sara Maitland.  La película se estancó unos años por que Kubrick consideraba que la imagen por ordenador no era lo suficientemente avanzada  para crear al personaje de David. En el 1995 Kubrick le otorga a Spielberg la película. Kubrick fallece en 1999, Spielberg mantiene el tratamiento cinematográfico de Watson lo más fielmente posible.
Técnicamente la película tiene buen guión, buena fotografía, banda sonora, buenos efectos especiales, etc. Tiene Oscar a la mejor banda sonora y a mejores efectos visuales. También premio BAFTA a los mejores efectos visuales. Con lo cual es ideal para estudiantes y profesores de artes plásticas visuales.
Así que la A. I como proyecto de Kubrick se acerca al cine arte. Como todas sus películas son cine arte casi en estado puro. Y a su vez Spielberg con el cine espectáculo pero le da al mismo tiempo ese aspecto de cine-arte. Así que con esta película tendríamos todo: Cine arte, entretenimiento y sobre todo reflexión filosófica.


Inteligencia Artificial es excelente para el público adolescente, conecta con la literatura infantil culta, con el Futurismo y la ciencia, la robótica, el conocimiento y el progreso de la especie humana.
Una mezcla de cuento de hadas, se hace referencia al cuento clásico de Pinocchio, con ciencia ficción futurista, transhumanismo y progreso tecnológico. Se puede animar a los alumnos a la lectura y la escritura.
Lo menos indicado para un público demasiado joven es el carácter dramático de la película.

Sinopsis

A mediados del siglo XXI, el calentamiento global provocó que las capas de hielo de los casquetes polares se derritieran, inundaran las costas, así que los recursos humanos eran escasos y se pusieron restricciones a la natalidad en países avanzados.  Por otro lado la tecnología está suficientemente avanzada para haber creado una nueva raza llamados Meca, humanoides avanzados capaces de imitar sentimientos, pensamientos, emociones, etc. Al carecer de recursos y haber tanto control de natalidad, una familia que dan casi por perdido a su hijo biológico, adoptan a un meca llamado David (Haley Joel Ostament) un modelo prototipo creado por cybertronics de Nueva Jersey. David es diseñado para dar amor y ser amado, al instalarle una serie de palabras, David sentirá el amor que siente un niño por su madre a quien le diga esas palabras.
Sin embargo, Martín, el hijo de la familia es llevado de vuelta a casa y aparece una rivalidad entre hermanos Martín y David.



Parte de Reflexión

La película permite entrar en territorios éticos, relaciones padres-hijos, acoso, identidad, etc. Por ejemplo en una fiesta en la piscina, uno de los amigos de Martín activa el programa de autoprotección de David luego de ser herido con un cuchillo. David se agarra a su hermano orgánico y ambos caen a la piscina.
Aquí se pueden sacar conclusiones para los alumnos adolescentes, de que David por ser Meca, diferente, recibe acoso de los demás niños.  El adolescente debería sacar en conclusión la empatía hacía la victima. Y las cuestiones filosóficas, de si un meca debería tener los mismos derechos que un humano. El meca es inteligente igual que nosotros, tiene conciencia de si mismo, por lo tanto, debería de ser considerado como un humano ¿Qué más da que haya sido evolucionado naturalmente que artificialmente?
También Martín en otra ocasión consigue convencer a David para que corte un rizo de Mónica, su madre mientras duerme. Haciendo pensar a su padre, que David es peligroso, y siente celos de Martín y que los podría herir. Queda de manifiesto la rivalidad y celos entre hermanos. Además Martín ve a David más como un ciberjuguete que como realmente debería verlo, como un hermano.
La película es de gran contenido filosófico como hemos dicho anteriormente: ¿Hasta que punto las máquinas deberían tener derechos humanos? ¿Qué es la inteligencia? ¿Qué son las emociones humanas? ¿Porqué un proceso químico natural como el nuestro debería ser más respetable y aceptado como real, que los mismos mecanismos artificiales creados por los humanos? Si una máquina es capaz de pensar, amar, actuar al igual que un humano ¿Por qué debería de carecer de derechos? Del mismo modo nos suscitaría a pensar, si los demás animales no humanos que tienen inteligencia y cierta conciencia de si mismos deberían tener derechos.
David y otros mecas muestran tener conciencia de sí mismos e inteligencia, e incluso muestran empatía. A veces tienen emociones humanas incluso mucho más éticas que los humanos.
Otro aspecto a considerar: ¿no sería cruel crear a un niño eterno amando a sus padres, cuando sabemos que sus padres son perecederos y algún día morirán? Que sucederá con ese niño? Aunque la realidad es que los últimos avances de nanotecnología y biotecnología serán para reparar nuestro ADN y poder vivir muchos más años incluso indefinidamente. A su vez habrá implantes biónicos, como ojos  para ciegos, brazos para mancos, o también otras partes que nos darán nuevas habilidades y nuevos sentidos. Así comenzaremos con el transhumanismo. Los más futuristas transhumanistas sueñan con transladar el cerebro en una maquina, incluso la Conciencia, como si fuese una memoria o un disco duro.
Si el ser humano puede crear vida consciente ¿Está jugando a ser Dios? ¿Qué pasaría con Dios y la religión?
Por supuesto la transversalidad de temas a tratar para los adolescentes es enorme. Filosofía, arte, Tecnología, robótica, terapias nuevas regenerativas de extensión de vida (Biología), transhumanismo y extensión de vida a través de las nuevas tecnologías, como por ejemplo: cuerpos biónicos, nano robots para reparar tejidos incluso transladar la conciencia humana a una maquina. Todo esto aunque suene a ciencia ficción la ciencia esta investigando como hacer esto posible en un futuro muy próximo con excelentes resultados hasta la presente. Así la película invita a unas grandes reflexiones y acercamiento de las nuevas generaciones al futurismo mas próximo.
Cuando David y Joe, el meca gigoló (Jude Law) van en búsqueda del hada Azul, y encuentran al ”Dr. Know” a modo de Holograma (Con el aspecto de Albert Einstein futurista con la voz de Robin Williams) , de la información, le contesta las preguntas de David.  Da a pensar: ¿podría pasar esto con la figura del profesor? Se verá el profesor sustituido por meca profesores, hologramas, internet, etc? ¿Será necesaria la figura del profesor de carne y hueso en un futuro?
Justo después de esa escena Joe, comenta a David que no confie lo que le dice el Dr. Know, que podría ser una trampa de los humanos, porque los humanos, les odian por que los han hecho demasiados, y demasiado inteligentes, y saben que al final de todo los humanos desaparecerán y que solo los meca sobrevivirán. Otra vez volviendo al tema filosófico, el humano crea a un ser que lo acabará destruyendo o trascendiendo como predice el gran científico Stephen Hawking. Él nos advierte de tener cuidado con la Inteligencia artificial por que nos destruirán.
Otra posibilidad es que se programen los robots con fines de protección y de amor hacia nosotros, podríamos crear una especie de ”Dioses” que nos protejan. Cuando el humano sea capaz de crear un ser más inteligente que él, y esos a su vez puedan crear mas, al ser más inteligentes podrán crear mucho más que nosotros. ¿Qué pasará con nosotros? ¿Tendrán benevolencia para nosotros? ¿Nos usaran? ¿ Nos exterminarán? ¿O por el contrario nos verán como sus padres, y nos protegerán y nos ayudarán a sobrevivir? Ante todo deberíamos ser optimistas pero sin descuidarse.


Aquí podríamos crear un interés también de investigación en cuanto a la cura del envejecimiento, como propone el biólogo y gerontólogo Inglés Aubrey de Grey, quien lucha diariamente por descubrir el elixir de la juventud y de la vida indefinida. A mi modo de ver mucho más interesante, o al menos por el momento, el extender la vida indefinidamente pero de un modo completamente o casi completamente orgánico.
Sin duda estos temas deberían motivar e incentivar a los adolescentes a estudiar todos los campos de la ciencia. La ciencia, el camino que el arte debería seguir. Como profesores de Plásticas y Artes, deberíamos incentivar a los jóvenes a ser creativos a través de las matemáticas, ciencias, tecnologías, etc.…
Tal vez la parte menos atractiva de la película son las secuencias de la feria de la carne, precisamente por que me parece mas cine espectáculo, y un poco aparte de esa trama tan profunda de toda la película, pero por supuesto se puede sacar mucho de esta parte también. De hecho podríamos compararla a lo que se conoce hoy en día como el entretenimiento pasivo: el morbo, la violencia, etc. Al igual que hoy en día en el mundo real, en la película se muestra una gran muchedumbre de humanos haciendo un espectáculo de la destrucción de los mecas, como si se tratase de un circo Romano, o de las corridas de Toros.
La versión original de la película es inglesa, con lo cual es una buena oportunidad para los jóvenes de progresar y practicar con el inglés. Es bastante favorable que se vea el cine en idioma original y en caso de no entenderse ese idioma, usar subtítulos. Primeramente porque las voces originales son mejores, y son las que se han elegido también junto con los personajes, y en segundo lugar por que es muy útil para aprender y practicar los idiomas. En otros países donde el cine no se dobla la gente domina mucho mejor otras lenguas y además desde la mas temprana edad.

Concluyendo con el hilo de la película, muchas personas hoy en día tienen pensamientos de distopia a cerca del futuro y es porque casi siempre en la ciencia ficción se ha representado los robots, tecnologías e inteligencia artificial como los malos, para dar temor, como por ejemplo en Terminator. Pero el futuro no tiene por que ser una distopía siempre que dotemos a las maquinas de nuestras cualidades humanas mas positivas como la empatía, el amor, la conservación, el altruismo, etc. Es muy importante de concienciar a los humanos de solo usar la inteligencia artificial con buenos fines y con valores éticos. 

domingo, 10 de enero de 2016

Oh Brother, Where Art Thou?

Por Adrián Valle

Sinopsis- Cuenta la historia de tres convictos Ulysses Everett McGill,(George Clooney),  Pete (John Turturro) y Delmar O’Donnell (Tim Blake Nelson) que escapan de los trabajos forzados para recuperar 1.2 millones de dólares que Everett dice haber robado y enterrado justo antes de que lo encarcelaran. Tienen sólo cuatro días para encontrarlo antes de que el valle en el que está enterrado sea inundado para crear el lago Arkabutla.
En su viaje, que toma como referencia la Odisea de Homero, se cruzaran con, entre otros, un oráculo ciego, Tommy Johnson- un cantante afroamericano, “Baby face” Nelson- el famoso ladrón, unas peculiares sirenas y un vendedor de Biblias tuerto.


La película que los hermanos Coen presentan tiene bastantes puntos que destacar solamente a nivel técnico, para empezar la figura de Roger Deakins, un excelente director de fotografía británico que acompaña a la pareja en casi todas sus películas y que en los últimos años también se ha dado a conocer por su trabajo en los films de Sam Mendes. Un breve vistazo a su filmografía basta para apreciar el amplio abanico de géneros en los que ha trabajado, desarrollando en todos una labor sobresaliente.
En el campo musical, T. Boone Burnett, grabó la mayoría de los temas de la banda sonora como parte fundamental de la acción. A algunas licencias ya existentes, como un tema de Harry McClintock, por ejemplo, se le sumaron otras 14 pistas originales que se relacionaban perfectamente con todo el contexto del film, el auge de corrientes musicales como el Folk, el Góspel, el Blues o el Country.
El guion, como es costumbre, corre a cargo de ambos hermanos, aunque de cara a los créditos cada uno asuma un rol distinto. Apareció en algunas nominaciones como Guion adaptado, obviamente de la Odisea de Homero, aunque sería más justo definir que tomaron el poema clásico como una declaración de principios, y no tanto como una pretensión argumental que adaptar.
En el tema de la interpretación nos encontramos a viejos conocidos de los Coen, como a John Goodman o John Turturro, a los que se les suman nuevas incorporaciones al plantel de asiduos de los directores, principalmente George Clooney. La actuación de todos sin distinción es bastante poco contenida, podríamos decir que hasta exagerada, pero hay que destacar esto no como algo negativo, sino positivo, ya que estamos ante una producción muy cercana a la comedia, y que constantemente hace referencia a los films primitivos del cine mudo. Los personajes reflejan con su aspecto exactamente lo que son: generalmente gente con bastantes pocas luces, con algunas excepciones, como podrían ser el protagonista o el músico negro, aunque tampoco se salvan por completo.
Cuando esta película, o cualquier otra, se proyectase a los alumnos, sería deseable apuntar todo este tipo de trabajos técnicos que la conforman, y que son parte indispensable de la misma, más allá de la dirección o del actor famoso de turno.
El cine es ante todo un trabajo en equipo, y las películas de Joen y Ethan Coen son un buen ejemplo del que partir, los estudiantes deberían saber distinguir a grandes rasgos los aspectos técnicos más destacables de cada producción, para tener claro que una película no es una labor individual y que todas las partes son importantes para obtener un producto interesante.

Joel y Ethan Coen, Roger Deakins, John Turturro y T.Bone Burnett.
En la parte argumental tenemos varios asuntos de los que partir, el más claro es la referencia a la Odisea de Homero que antes se había apuntado.
Aunque al personaje de Clooney se le refiera generalmente en la película como Everett, no podemos olvidar que también se llama Ulysses, y que también él emprende un viaje de retorno a su Ítaca particular. Los componentes argumentales son, como veremos, conocidos, pero las propuestas para desarrollarlos son completamente originales.
Como complemente al visionado en clase de la película se podría mandar a los alumnos buscar información sobra la Odisea, y relacionarlo con lo que hayan observado, ya que las similitudes no son tan obvias como parece, y puede resultar divertido encontrarlas.
Everett es el paterfamilias, que cómo Odiseo, vuelve a casa ¿Qué le espera? ¿Qué encontrara? En este caso, su Penélope particular, Penny, en el film, no teje ni desteje, ha aceptado al primer pretendiente que se le ha ofrecido. En el contexto de la narración, en la Depresión americana de los años 20, es bastante razonable que una mujer presumiblemente soltera necesitase ayuda para mantener a sus seis pequeñas Telémacas. Lejos queda ya la sufrida esposa, que espera ansiosa la vuelta del marido después de veinte años.
No hay que ignorar que Odiseo estaba de vuelta sí, pero también se pasó una larga temporada viviendo en una isla con Calipso. Así pues Odiseo, entre el amor a la patria añorada que le vio nacer, a su mujer y a su hijo, también tenía algo de Peter Pan entrado en años, que prefería deambular por el Mediterráneo a volver al hogar. Pensar que Penélope seguiría aun esperando el regreso del amado marido en la Gran Depresión, pese a que aquí la separación no haya llegado a los veinte años, tiene casi más de fantasioso que las criaturas mitológicas que lo atacan en la narración original.
Nuestro Odiseo particular se encuentra en su viaje con más guiños al poema clásico que podrían debatirse en clase: aquí las mujeres del río son una especie de mezcla entre sirenas y ninfas, que con su canto hacen caer en la locura, y que también convierten aparentemente a uno de los protagonistas en sapo, no en cerdo como haría Circe.
También se puede hablar del peculiar Polifemo de la película, en este caso el cíclope es un gordo vendedor de biblias que roba a nuestros héroes, y que posteriormente aparece engrosando las filas del Ku Kux Clan. Como vemos el contexto de la película siempre está presente y sería conveniente desarrollarlo en la clase: el sur de Estados Unidos, el estado de Mississippi y el racismo como principales exponentes.


Algunos han querido ver en la película otros homenajes más rebuscados, como por ejemplo el descenso a los infiernos. En el original Odiseo recibe entre otros la visita de su madre Anticlea, en la película, Everett se refugia en un cine, y desengañado con las hembras de su familia suelta perlas como “Las mujeres son el objeto de tortura más infernal inventado por el demonio para destruir a los hombres”. En ese mismo cine también se encuentra con el personaje de Turturro, al que creían fallecido en su forma de rana, y que vuelve así al mundo de los vivos.
La relación con los relatos clásicos puede extenderse aún más,  matizando componentes de la dramaturgia griega presentes tanto en este film como en muchos otros, por ejemplo el uso de canciones para anunciar próximas peripecias, o la presencia clara de distintos tipos de personaje, el héroe, el antagonista, el tonto, o incluso el narrador, en este caso un ciego precisamente.
Igualmente, la parte relacionada con la historia musical es interesante. La película comienza con los presos picando piedra entonando el Po Lazarus de James Carter and The Prisoners, los cuales tienen poco de banda, puesto que eran presidiarios que fueron grabados en 1959 en una cárcel de Mississippi, y que gozaron de una fortuna esquiva, de forma similar a los Soggy Bottom Boys de la película.
El personaje de Tommy Johnson es interpretado por Chris Thomas King, también cantante de blues fuera de la pantalla. En el film este joven vende su alma al diablo, identificado con el policía, a cambio de saber tocar. Esta historia secundaria también tiene cosas que contar, puesto que Tommy Johnson existió de verdad, al igual que la leyenda del pacto con Satán, y alcanzó una notable fama a pesar de contar con apenas 14 canciones grabadas.
 

Tommy Johnson por Robert Crumb, y el siniestro policía con el que pacta en la película. Fuente: Pinterest.
El nacimiento del blues es un tema muy interesante para desarrollar, y arrastra consigo cuestiones importantes sobre la segregación racial en Estados Unidos que sería conveniente explicar en clase. Cómo y dónde surgió este tipo de música popular. Tanto ésta, como el resto de películas de los Coen, sirven para ilustrar ciertos aspectos característicos de la sociedad norteamericana, con un calado muy hondo en la cultura occidental del siglo XX, por ahí aparece también Baby face Nelson, compañero de correrías de, entre otros, John Dillinger, pistolero mitificado y convertido en esa especie de Robin Hood de la Depresión por un buen número de productos de Hollywood.
En el film, Everett, sentado frente a la hoguera, sentencia que “No eres hombre si no posees tierra”
Como último aspecto a tratar, esta la cultura cinematográfica subyacente de la cinta. Dejando de lado el lenguaje interpretativo y de cámara, con continuas referencias al cine mudo, el título del film es un homenaje al cine de Preston Sturges. En su obra Los viajes de Sullivan, nos encontramos con un director de cine empeñado en filmar una película realista sobre el sufrimiento y la miseria, esta película ficticia no tiene otro nombre que el de la obra de los Coen: Oh broher, where art thou. 

Fotogramas de Sullivan’s travels. Fuente.theblondeatfilm.com
Como hemos podido apreciar, los puntos posibles para desarrollar con el objetivo de enriquecer de forma transversal el visionado del film son abundantes, y queda en manos del profesor elegir en cuál de ellos centrarse y cuales dejar de lado. El arte, y el cine en concreto, puede ser algo más que entretenimiento, y películas como esta son un buen ejemplo de ello.

Gattaca

Por Lara Pascual

 Vincent es un hijo de Dios. Un niño concebido sin modificaciones genéticas. En un mundo elitista, donde los mejores adquieren puestos más elevados y disponen de muchas más ventajas en la sociedad, Vincent deberá superarse y conseguir lo que desea: viajar al espacio.
La película está ambientada en un futuro nada lejano en el que se puede alterar genéticamente a los embriones para modificar sus características físicas y psíquicas. No solo puedes elegir el color de ojos o de pelo que tendrá el niño, sino erradicar enfermedades genéticas o transtornos psicológicos para que nazca un individuo perfecto. Así es el hermano de Vincent, Anton. Un niño, en teoría, perfecto física y psíquicamente al que Vincent verá como superior hasta que, en contra de todas expectativas, logra superarle nadando en mar abierto como varias veces hacían.
Así, Vincent nace de manera natural y fortuita con su probabilidad de trastornos mentales, miopía y enfermedades y un 99% de probabilidad de ataque cardíaco. Rasgo que le impediría, sin duda, ir al espacio. Pero gracias a un desconocido que le pone en contacto con Jerome, encontrará a su alter ego, la persona ''válida'' genéticamente que le abrirá las puertas a realizar su sueño. Se apropiará de su identidad para entrar en Gattaca, la empresa que le proporcionará la oportunidad de realizar el viaje hacia Titán, una de las lunas de Saturno, de manera oficial como trabajador y no como limpiador que es el puesto que ocupaba. Para ello solo necesitará una ''entrevista'', que no es más que una prueba genética. Una vez dentro, conocerá a Irene, la cual mantendrá un clima de sospecha hacia él durante la mayor parte del tiempo.
Jerome le proporcionará su sangre, su orina, su pelo... Todo lo necesario para hacerse pasar por él a cambio de que le cuide. En un mundo obsesivamente pulcro en el que debes prestar especial cuidado en no dejar ni un rastro, aunque te lleve a  limpiar la piel muerta del teclado del ordenador con el que trabajas, un simple indicio puede complicarte la vida.
Como curiosidad mencionar que el título de Gattaca surgió en relación a las bases nitrogenadas del ADN: Guanina, Adenina, Timina y Citosina. Respecto al ADN hay otras referencias en el film, como es la escalera de doble hélice que une la planta baja con la primera planta del piso que comparten Vincent y Jerome.


 La arquitectura de la película llama la atención por ser sobria y tosca. Está basada en el estilo arquitectónico denominado brutalismo de los años 50, por tanto no nos ofrece la sensación de un mundo futurista como el que estamos acostumbrado a ver en otras películas, sino un entorno excesivamente frío, hierático y distante como sus protagonistas. Sólo Jerome parece mostrar un poco más sus sentimientos. Quizás por el hecho de no tener que demostrar nada a nadie ni tener que fingir.


Todo se complicará para Vincent cuando asesinan al director del vuelo, encargado de llevar a cabo la misión a Titán, y la policía encuentra pruebas físicas que apuntan hacia él, su verdadero yo. En concreto, descubren una pestaña cerca del despacho del director, una minúscula prueba en un entorno tan pulcro. Por tanto, Vincent tendrá que arreglárselas para esquivar  y engañar a la policía hasta que encuentren al culpable.
La ciencia discrimina: eres válido o no válido según tus genes. Es interesante que en cierto momento de la película ofrezcan un análisis de genes para saber si hay violencia en ellos a raíz del asesinato. ¿Pero esta imposición de la sociedad es posible sortearla? Para Vincent sí, mediante la superación personal y el engaño. En ese futuro, nadie puede nacer con esas características tan perfectas de manera natural si no es con modificación genética.
También se aprecia una clara relación en la película entre los genes y el espacio exterior. El Universo del cual procedemos. Sobretodo con el colofón de la última frase de Vincent.


La película como elemento educativo transversal

A raíz de la película, nos pueden surgir en clase como actividades varios debates: uno podría ser entorno a las diferencias de ambos protagonistas y otro en torno a la ética en la genética. Pero es extenso y muy complicado el tema de la Bioética. Por estas razones, podemos aprovechar más la película experimentado con las herramientas que nos ofrece el cine.
Atendiendo la parte estética, uno de los temas interesantes a tratar con los alumnos podría ser la experiencia visual que nos produce la película. Aspectos como la uniformidad, racionalidad o hieratismo que nos muestra, de modo que se puedan analizar los elementos para conseguir estas sensaciones en el espectador. Así como el uso de símbolos, elementos geométricos y la luz en determinadas secuencias.
Otra temática interesante es la referida a los medios utilizados en el cine. Se podría hacer un análisis de los tipos de planos que encontramos en la película y el uso de los mismos en términos generales. Así como analizar los movimientos de cámara y las angulaciones. Esto podría ofrecernos la actividad de realizar un cortometraje estudiando estos elementos para utilizarlos correctamente.
Por otra parte, tiene una buena banda sonora que acompaña a momentos importantes transfiriéndonos
una serie de emociones y apoyando la escena que tiene lugar. Se podría hablar y experimentar con la banda sonora en escenas o secuencias creadas por los alumnos para investigar el cómo influye la música en lo que queremos comunicar. También podríamos compartir en la clase nuestras preferencias musicales respecto a  películas.


Conectándolo con la literatura de ciencia ficción, el profesor podría aportar información sobre autores importantes como Isaac Asimov, Arthur C. Clarke o Lem Stanislaw. Para contribuir al aprendizaje sobre ellos y que no quede en una mera anécdota, se podría leer en clase algún capítulo de alguno de los libros de dichos escritores ( Los propios Dioses, 2001: Una odisea espacial, Solaris...) proporcionar elementos para la construcción de un relato en referencia a la ciencia ficción o construir una imagen gráfico - plástica en referencia a esta temática. Incluso se podría plantear
la elaboración de un breve relato ilustrado basado en avances científicos de los últimos años.